Puede
parecer un precio alto, especialmente debido a que se tarta de una lente
micro cuatro tercios, pero tomemos en cuenta que se trata de una lente fabricada por Cosina con una apertura impresionante de f/0,95.
lunes, 1 de julio de 2013
Una de las novedades que más nos llamo gratamente la atención estos últimos días es el nuevo objetivo Voigtlander Nokton 42,5 mm f/0,95 para Micro Cuatro Tercios que según fuentes oficiales estará disponible para el próximo mes de agosto. Se trata de un teleobjetivo ideal para retratos de gran apertura y que hará las delicias de los amantes del bokeh.
El precio de introducción para el Voigtlander Nokton 42,5mm es de unos mil euros para el mercado europeo y unos 1200 Dólares Americanos para el resto del mundo.
Estamos en constante búsqueda de nuevos productos, acercamos al mercado español aquellas marcas que pueden ofrecer al fotógrafo el equipo que necesita con una calidad demostrada. Esta vez es el campo de la iluminación el que llama a nuestra puerta y como siempre, nos acercamos a vosotros a presentaros nuestra nueva incorporación. La marca quizá os suene: se llama Interfit
Para aquellos que no la conozcan, se trata de una de las marcas líder
en iluminación, tanto para profesionales como para aficionados con afán
de innovar y explorar nuevas posibilidades. Son ya conocidos sus flashes de estudio y sus equipos de iluminación continua, la amplia gama de interfit satisface a todo tipo de usuario. Lo mismo ocurre con los accesorios:
la impresionante variedad de modeladores de luz y otros accesorios abre
un inmenso campo a la expresión mediante distintos efectos.
Por si la calidad y el extenso catálogo no fueran suficiente motivo para decantarnos por esta marca, hay otra cosa que nos hizo decidirnos por ella: su gama Strobies. Se trata de soluciones inteligentes, inspiradas en los accesorios de iluminación clásicos de estudio, pero adaptables a un flash de zapata. En esta gama encontramos kits como el kit de retrato o el de efectos especiales y distintas soluciones inteligentes.
Pero cada cosa a su tiempo… de las ventajas que puede tener la luz continua en la fotografía macro o de cómo podemos aprovechar los adaptadores de Interfit para usar accesorios de estudio en un flash de zapata… ya hablaremos en otro momento. Por hoy sólo queríamos presentar nuestra nueva incorporación, que esperamos que os guste tanto como a nosotros.
Por si la calidad y el extenso catálogo no fueran suficiente motivo para decantarnos por esta marca, hay otra cosa que nos hizo decidirnos por ella: su gama Strobies. Se trata de soluciones inteligentes, inspiradas en los accesorios de iluminación clásicos de estudio, pero adaptables a un flash de zapata. En esta gama encontramos kits como el kit de retrato o el de efectos especiales y distintas soluciones inteligentes.
Pero cada cosa a su tiempo… de las ventajas que puede tener la luz continua en la fotografía macro o de cómo podemos aprovechar los adaptadores de Interfit para usar accesorios de estudio en un flash de zapata… ya hablaremos en otro momento. Por hoy sólo queríamos presentar nuestra nueva incorporación, que esperamos que os guste tanto como a nosotros.
Los amantes de Leica lo saben: de vez en cuando la marca decide combinar su pericia tecnológica y la excelencia de sus ópticas con el talento de otros diseñadores o marcas para crear sus ediciones limitadas tan deseadas, tanto por coleccionistas como por amantes de la moda. Hoy queremos hablar de la última novedad de Leica en esa rama: la Leica D-Lux 6 Edition by G-Star RAW.
La Leica D-Lux 6
Para aquellos que no la conozcan, la familia D-Lux de Leica tiene unas características muy especiales: cámaras compactas que ofrecen resultados de excelente calidad y una altísima versatilidad que asegure la libertad creativa. La Leica D-Lux 6, por ejemplo, combina un objetivo particularmente luminoso con un sensor de imagen CMOS de 1,7”, que es especialmente grande para este formato de cámara. Esta pequeña amiga permite controlar parámetros como la velocidad de obturación, la compensación de exposición o la apertura (controlada por un cómodo anillo en el objetivo) e incorpora además la posibilidad de enfoque manual y el uso de un filtro de densidad neutra, que permitirá una mayor libertad a la hora de elegir velocidades de obturación bajas con fines artísticos. Un zoom equivalente de 24-90 termina de resolver todos los problemas que un fotógrafo pueda encontrar en su camino. Por si fuera poco, la cámara ofrece también función de vídeo en HD y varios accesorios que se pueden adquirir para mejorar la experiencia ¿Qué más se le puede pedir a una cámara compacta?
La edición especial con G-Star RAW
La Leica D-Lux 6 es una cámara de espíritu joven, ya que combina pasión e inquietud por la fotografía y sentido práctico. Quizá por ello esta nueva edición especial se ha pensado en conjunción con la marca G-Star y su línea RAW, sinónimo de diseño joven, moderno y diferente… y a la vez elegante. El cuerpo de la cámara está acabado en diseño típicamente RAW, con la inscripción “LEICA BY G-STAR RAW… JUST THE PRODUCT” y también el estuche de cuero y la correa son de diseño exclusivo G-Star.Las ediciones especiales Leica
Para algunos estas ediciones limitadas suponen una forma más de identificarse con un estilo en particular, de apostar por algo más allá de la convencional cámara con acabados en negro y rodearse de moda y exclusividad.Otros en cambio, los coleccionistas, saben que estas ediciones limitadas son la joya de la corona en cualquier colección. Sólo un coleccionista, alguien poseído por ese virus de la delectación y la complacencia, puede entender el placer que supone poseer una de estas ediciones especiales de Leica.
Hace unos días Lowepro lanzó a nivel mundial sus nuevas bolsas DryZone. Si la aventura no es tu fuerte, lo que te vamos a contar puede que no pase de una curiosidad como otra. Para los amantes del deporte extremo, sin embargo, las nuevas bolsas DryZone suponen la posibilidad inédita de llevar un equipo fotográfico a cualquier rincón… sin sufrir.
Si ya has estado curioseando en nuestra página web,
habrás visto varias de las adaptaciones que tienen los nuevos modelos,
especialmente diseñados para aventureros. Sin embargo hay uno de los
datos que quizá no signifique mucho para ti: ¿Qué queremos decir cuando
decimos que ofrecen un nivel de protección IPX6?
El código IP nos habla del grado de protección de un producto ante elementos externos. Se trata de una numeración que pretende establecer cualificaciones más precisas que las anteriormente utilizadas, con términos vagos como “resistente al agua”.
El primer número (en este caso “X”, por ser irrelevante) nos ofrece información sobre el acceso a partes peligrosas, como circuitos u otros. El segundo número nos informa del grado de impermeabilidad frente a los líquidos y se numera del 0 al 7. El grado de protección 6 nos indica que el producto puede sufrir un flujo de agua a presión (de 100 l por minuto) desde cualquier ángulo sin sufrir daños y sin que entre una sola gota en el interior.
Aunque la característica fundamental de estas bolsas reside en la cobertura exterior resistente al agua, ningún detalle se ha pasado por alto. Dentro encontramos un compartimento extraíble ajustable a cada necesidad, especialmente acolchado y, de nuevo, con cierre resistente al agua. En él podrás guardar tu equipo fotográfico sin riesgos y meterlo y sacarlo de la mochila según tus necesidades.
En el compartimento podrás llevar una cámara de tamaño profesional con un objetivo de 70-200, además de algún objetivo extra o accesorios. Además ambas bolsas tienen espacio extra para tus cosas. La versión de 40 litros, con formato de mochila, es ideal para una excursión loca entre cuevas y cascadas, mientras que la versión Duffle de 20 litros parece más enfocada a una misión puramente fotográfica. ¡Pero cada uno sabrá cómo aprovechar mejor sus características!
El código IP nos habla del grado de protección de un producto ante elementos externos. Se trata de una numeración que pretende establecer cualificaciones más precisas que las anteriormente utilizadas, con términos vagos como “resistente al agua”.
El primer número (en este caso “X”, por ser irrelevante) nos ofrece información sobre el acceso a partes peligrosas, como circuitos u otros. El segundo número nos informa del grado de impermeabilidad frente a los líquidos y se numera del 0 al 7. El grado de protección 6 nos indica que el producto puede sufrir un flujo de agua a presión (de 100 l por minuto) desde cualquier ángulo sin sufrir daños y sin que entre una sola gota en el interior.
Aunque la característica fundamental de estas bolsas reside en la cobertura exterior resistente al agua, ningún detalle se ha pasado por alto. Dentro encontramos un compartimento extraíble ajustable a cada necesidad, especialmente acolchado y, de nuevo, con cierre resistente al agua. En él podrás guardar tu equipo fotográfico sin riesgos y meterlo y sacarlo de la mochila según tus necesidades.
En el compartimento podrás llevar una cámara de tamaño profesional con un objetivo de 70-200, además de algún objetivo extra o accesorios. Además ambas bolsas tienen espacio extra para tus cosas. La versión de 40 litros, con formato de mochila, es ideal para una excursión loca entre cuevas y cascadas, mientras que la versión Duffle de 20 litros parece más enfocada a una misión puramente fotográfica. ¡Pero cada uno sabrá cómo aprovechar mejor sus características!
jueves, 27 de junio de 2013
La composición en fotografía
La fotografía no solo es
técnica, hay que cuidar también su aspecto artístico. Es fundamental tener en
cuenta la composición para mejorar la calidad y darle fuerza a la imagen.
Aunque algunas fotografías
tomadas al azar resulten con una composición impecable, lo normal es que una
buena composición haya tenido un periodo de meditación y análisis.
Las siguientes reglas, no son
unas normas severas que hay que cumplir siempre, muchas veces, cuando se
consiguen mejores resultados, es cuando las rompemos, pero para ello hay que
conocerlas. Estas reglas no son solo para la fotografía, ya en el siglo III
antes de cristo, las usaban los Griegos en pintura, escultura y arquitectura,
mas tarde, en el renacimiento, también se usaron (siglos XV y XVI.)Y si nos
fijamos en la televisión, cine, etc, veremos como también están presentes.
La regla de los tercios
La mas conocida es la
llamada “Regla de los tercios”, que consiste en dividir la imagen, con líneas
ficticias en tres partes iguales, tanto verticalmente, como horizontalmente y
los puntos donde se cruzan estas, se llaman puntos de interés. Es sobre estos
puntos y líneas, donde debemos situar nuestro tema principal, para que la vista
se fije mas en ellos, no es necesario usar todas las líneas ni puntos.
Dependiendo si la toma es
vertical u horizontal tienen mas fuerza unos puntos sobre otros. En una toma
vertical el que más destaca es el superior derecho y en una horizontal el
inferior derecho, esto es debido a que nuestra vista entra a ver las imágenes
por la izquierda, seguramente porque cuando leemos textos empezamos también por
la izquierda.
Si queremos usar dos
elementos en una imagen, lo mejor es ponerlos en puntos opuestos, formando una
diagonal entre ellos.
De esta regla se desprende la
conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar nunca el horizonte en el
centro del fotograma.
Según donde coloquemos el
horizonte conseguimos unas cosas u otras. Si lo situamos en el tercio superior,
le damos más protagonismo a la tierra que al cielo, dando más sensación de
profundidad, debido a la diferencia de tamaño de los objetos. Por lo tanto
tenemos que procurar que el paisaje sea variado. Si lo situamos en el tercio
inferior, se consigue sensación de espacio, en este caso el tema de la
fotografía serán las nubes, por lo tanto tiene que ser un cielo bonito, ya que
un cielo azul ocupando dos tercios de la foto, es un poco monótono.
Composición simétrica
El horizonte en el centro
rompe la regla de los tercios, pero también tiene su encanto, si se sabe cuando
hacerlo, una imagen cortada por la mitad, por el horizonte hace que tengan el
mismo predominio visual las dos partes. Usado con reflejos simétricos, hace que
nuestra fotografía tenga equilibrio e impacto visual.
Aparte del paisaje, muchas
cosas que fotografiamos tienen simetrías, personas, animales, objetos. Una
composición simétrica es solemne, formal y fría.
Existen dos tipos de
simetrías:
La rígida, que como su nombre
indica a ambos lados del eje de simetría se encuentra exactamente lo mismo.
Y la variable, que es mas
elástica, puede haber un cambio en las posiciones o actitudes de las figuras.
Composición con líneas
Las líneas pueden estar
presentes en la imagen o ser imaginarias uniendo elementos dentro de esta. Estas
deben ser ordenadas, que no se crucen, que confluyan en alguno de los puntos
fuertes o que guíen la mirada hacia el tema principal. Las líneas largas
convergentes atraen la mirada hacia el punto de convergencia.
Las líneas pueden ser rectas
o curvas. Las curvas transmiten más dinamismo y plasticidad. Una repetición de
curvas causan un efecto armonioso y tranquilizador, pero para impactar mas
conviene contrastarlas con líneas rectas.
Las líneas rectas,
dependiendo de su orientación, transmiten una u otra cosa, vamos a verlo:
Líneas diagonales: dan la
sensación de estar cayendo o a punto de hacerlo, por ello trasmiten dinamismo y
tensión.
Líneas horizontales y
verticales: dan sensación de orden formalidad y estabilidad. Las horizontales
transmiten más tranquilidad, calma, espacio y las verticales alturas
grandiosidad.
El ritmo
El ritmo se obtiene
repitiendo líneas, formas, volúmenes, tonos o colores, una imagen rítmica puede
ser por ejemplo un tablero de ajedrez, campos de dunas, fincas cultivadas, etc.
Una imagen totalmente rítmica, puede ser el motivo de la foto por si sola,
aunque también puede quedar un poco pobre, si ponemos algún objeto (si es en uno
de los puntos fuertes mejor) discordante conseguiremos romper el ritmo y darle
mas fuerza a la imagen.
Las imágenes rítmicas que más
impacto son las que ocupan toda la imagen, dándonos a entender que sigue más
allá de esta.
El ritmo puede ser regular,
cuando esta geométricamente ordenados, como por ejemplo un panal de miel, o
irregular como un montón de tomates.
El centro de interés
Cuando vamos a fotografiar
algo que nos parece interesante, lo primero que debemos preguntarnos, es que ha
sido lo que nos ha llamado la atención, para tratarlo como protagonista de
nuestra imagen y componerla basándonos en él.
El centro de interés no tiene
que ser un objeto, persona, etc. Pueden ser formas de un conjunto de objetos,
etc.
Si en una escena hay varios
motivos con la misma fuerza que el principal, estos compiten entre sí, generando
confusión en el observador, a no ser que sean simétricos.
Como ya hemos dicho para que
destaque el objeto, lo mejor es ponerlo ajustándose a la regla de los tercios.
Otro aspecto a tener en
cuenta es el fondo, nuestro tema debe destacar sobre él, bien con tonos
opuestos, bien con la iluminación, bien desenfocándolo si esta alejado.
También debemos procurar que
el tema principal llene el encuadre, que no quede demasiado pequeño en la
imagen, ya que una fotografía donde la mayoría de ella es fondo, da la sensación
de vacío, siempre y cuando no sea esto lo que queramos expresar, una persona en
una fotografía dejando mucho espacio a su alrededor da la sensación de soledad.
El ángulo de la toma, la
Perspectiva
Si fotografiamos siempre de
frente al motivo, nuestras fotografías carecerán de distorsiones y mostraran de
forma clara y descriptiva al sujeto, pero, serán todas iguales y nuestra
colección parecerá un catalogo.
Para conseguir encuadres
originales, debemos buscar distintos puntos de vista, pero teniendo cuidado,
pues si por ejemplo, fotografiamos personas podemos distorsionar partes de su
cuerpo, que hacen que exageren sus tamaños, sobretodo si usamos grandes
angulares. Si fotografiamos desde arriba, exageraremos su cabeza, si
fotografiamos desde abajo (desde el suelo) aparte de la distorsión, destacaran
demasiado la mandíbula y los agujeros de la nariz.
Para retratos, la mejor
perspectiva, la formal, seria: Si la toma es de busto, disparar a la altura de
los ojos, si es un niño o esta sentado el modelo, agacharnos
Si la toma es de medio
cuerpo: nos pondremos a la altura de su busto
Si la toma es de cuerpo
entero: desde la cintura.
Si evitamos usar el gran
angular, las fotos carecerán de deformaciones por causa de la perspectiva.
Para los objetos, el jugar
con las perspectivas, deformando los tamaños y proporciones, puede dar buenos
resultados, imaginaros una seta en primer plano con un gran angular y los
árboles al fondo más pequeños que esta. Las vías del tren, fotografiadas desde
el suelo, que se juntan en el horizonte, un edificio desde su base, etc...
Las formas
Las formas pueden ser el tema
principal de una fotografía, imaginaros un objeto a contraluz en un amanecer.
Solo con su silueta lo reconoceríamos.
Para que una silueta destaque
debemos, eliminar al máximo sus detalles, como con el contraluz, utilizar un
fondo homogéneo y contrastado que destaque sobre esta, o un fondo rítmico.
La textura
Las cámaras ven en dos
dimensiones, al contrario que nuestros ojos. Para darle volumen a una escena e
intentar dar la sensación de tridimensional debemos añadir texturas.
Por textura se entiende la
capa superficial de un material. Las texturas pueden ser lisas o rugosas, siendo
estas últimas las que tienen más interés.
Resaltando las texturas de
los objetos, estimulamos el sentido del tacto y adquiere tridimensionalidad.
El factor que más hace
resaltar la textura es sin duda la iluminación, una luz frontal y suave, la
oculta, sin embargo si es dura y rasante, la potencia, al resaltar más las
sombras.
Profundidad
La fotografía es una imagen
en dos dimensiones, por lo tanto en interesante conseguir representar la tercera
con pequeños detalles.
La manera de conseguirlo es
usando la perspectiva, el enfoque selectivo, o situando objetos en primer plano,
si situamos algún objeto en primer plano, hay que procurar que este enfocado y
que llame demasiado la atención, para no despistarnos del tema principal.
Horizontal o vertical
La orientación de la foto
viene dado por los elementos que lleven esta, si estamos fotografiando un
paisaje, el formato mas recomendado es el apaisado u horizontal, y si estamos
sacando un retrato, el vertical o de retrato, esto funciona para la mayoría de
las fotos, pero no todas tiene que ir así. Si queremos llenar el encuadre lo
mejor es adoptar el formato del sujeto principal, así si estamos fotografiando
una torre debemos elegir el vertical, a no ser que la queramos mostrar en su
entorno, entonces es mejor el horizontal descentrándola y llevándola a uno de
los puntos de interés. Si se tiene dudas, lo mejor es echar las dos y luego
elegir.
Ley de la Mirada
Al fotografiar personas,
animales u objetos, hay que dejar mas espacio en su parte frontal, es decir, hay
que dejarle más espacio donde mirar.
De la misma manera, si
fotografiamos objetos en movimiento, hay que hacerlo entrando en la foto, no
saliendo, a no ser que captemos estelas en fotos lentas, el saltar de la tierra
en rallys, u otra situación semejante.
El horizonte
Aparate, de la regla de los
tercios, al fotografiar horizontes, hay que procurar que estos no estén
inclinados, que estén paralelos al lado superior o inferior de nuestra
fotografía pues produce una sensación de falta de equilibrio.
Clave alta, clave baja
Se entiende por fotografía en
clave alta, aquella que usa solo los tonos blancos de la escala, las fotografías
tomadas en clave alta sugieren frescura, inocencia, libertad, etc.
La clave alta es la
contraria, usa los tonos oscuros y sugiere misterio, drama, obsesión, etc.
En ambos casos, son imágenes
con poco contraste.
Componer con sombras
Las sombras son muy
interesantes en la fotografía ya que pueden ser tema principal por si solas o
para darle a nuestra imagen la sensación de una tercera dimensión.
Las sombras en las
fotografías se ven mucho más oscuras que en la vida real ya que el rango
dinámico del ojo es mayor que el de nuestras cámaras, en el lugar donde echamos
la fotografía podemos ver detalles en las sombras y luego cuando miramos en
nuestra cámara o en casa, solo se ve negro.
Cuanto más bajo esta el sol,
mas alargadas y bellas son las sombras, una sombra al medio día, no define
ninguna forma.
Los colores
Cada color tiene unas
cualidades distintas y no hacen reaccionar de una manera u otra, siempre se ha
oído que hay colores relajantes y colores estresantes.
El rojo, por ejemplo, es un
color cálido, da mucha vida a las fotografías, un poco de rojo, llama
poderosamente la atención. El azul es un color frío y relajante, asociado a la
serenidad y estabilidad. El amarillo da sensación de alegría y optimismo, al
igual que el rojo, siempre destaca en una fotografía. El verde es de los más
relajantes, las sensaciones que da es de esperanza, paz, estabilidad.
A la hora de componer con
colores, se puede hacer con colores semejantes o con colores contrarios, los
colores semejantes evocan calma, serenidad y los colores contrarios, hacen que
destaquen. Para saber cuales son los colores semejantes y contrarios nos valemos
del círculo cromático.
Los colores primarios: rojo,
azul y amarillo; los secundarios: verde, violeta y naranja; y los terciarios:
rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul
verdoso y azul violáceo.
Formas básicas que componen el color
Ningún color puede ser considerado un valor absoluto, de hecho los
colores se influyen mutuamente si se acercan. Los colores tienen
diferente realce según el contexto en el que se dispongan o se
encuentren.
Existen dos formas compositivas del color, armonía y contraste.
Existen dos formas compositivas del color, armonía y contraste.
Armonía del color
Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes. En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.
Dominante: Es el mas neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.
El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el mas potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.)
El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.
Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea mas bien fría
El contraste
El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud.
Existen diferentes tipos de contraste:
De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.
Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada
Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).
Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.
Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.
Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el tríangulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.
Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.
Existen diferentes tipos de contraste:
De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.
Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada
Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).
Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.
Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.
Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el tríangulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.
Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.
miércoles, 26 de junio de 2013
Max Estrella, premiada como mejor galería del Festival Off de PHotoEspaña gracias a Angélica Dass
Ayer se daba a conocer el premio a la mejor galería dentro del certamen
Festival Off de PHotoEspaña que este año ha recaido en Max Estrella por
la exposición “Humanæ” de Angélica Dass.
Así que no lo dudé y, por la tarde, me acerqué a verla. Y no sólo la
muestra, sino que la propia artista estaba en la sala y pude
intercambiar unas palabras con ella.
Ubicada en el distrito de Justicia/Centro, la galería se situa en el patio de un edificio cuyo pasillo de entrada ya nos hace vislumbrar otra dimensión. Con una buena iluminación gracias a la claraboya que cubre el espacio central, nada más traspasar la puerta de acceso nos topamos con las fotografías de Angélica Dass.
En la pared de la izquierda nos encontramos con las imágenes dispuestas de forma aleatoria, precisamente por su carácter inacabado ya que son fotos que se están uniendo al proyecto estos días, mientras que en la derecha, separadas ambas estancias por un muro abierto (es decir, con huecos que dejan visibilidad entre ambos espacios), vemos las instantáneas colocadas atendiendo a un sistema de cuadrícula. En el siguiente vídeo podréis observar el proceso de montaje.
La idea es que cada persona que quiera participar sea fotografiada y clasificada según el tono Pantone de su piel que queda reflejado en el fondo sobre el cual se situa cada retrato. En este sentido es todo un catálogo perfectamente clasificado, pero que se separa de la idea de clasificación por jerarquías en función de la raza o condición social como se ha hecho siempre a lo largo de la historia, en favor de una ordenación en base a una guía Pantone.
Ubicada en el distrito de Justicia/Centro, la galería se situa en el patio de un edificio cuyo pasillo de entrada ya nos hace vislumbrar otra dimensión. Con una buena iluminación gracias a la claraboya que cubre el espacio central, nada más traspasar la puerta de acceso nos topamos con las fotografías de Angélica Dass.
En la pared de la izquierda nos encontramos con las imágenes dispuestas de forma aleatoria, precisamente por su carácter inacabado ya que son fotos que se están uniendo al proyecto estos días, mientras que en la derecha, separadas ambas estancias por un muro abierto (es decir, con huecos que dejan visibilidad entre ambos espacios), vemos las instantáneas colocadas atendiendo a un sistema de cuadrícula. En el siguiente vídeo podréis observar el proceso de montaje.
¿Qué es Humanae?
La muestra es muy limpia. Las pareces son un mero lienzo donde se han colocado las copias de los retratos que la fotógrafa brasileña ha ido componiendo según los tonos Pantone de la piel de sus protagonistas, los cuales a su vez participan de forma voluntaria. No hay selección previa por parte de la artista ni fecha fin de proyecto, ¡será por rostros! ¡será por colores!La idea es que cada persona que quiera participar sea fotografiada y clasificada según el tono Pantone de su piel que queda reflejado en el fondo sobre el cual se situa cada retrato. En este sentido es todo un catálogo perfectamente clasificado, pero que se separa de la idea de clasificación por jerarquías en función de la raza o condición social como se ha hecho siempre a lo largo de la historia, en favor de una ordenación en base a una guía Pantone.
Tipos de Fotografía Abstracta
La fotografía abstracta es una de las disciplinas más creativas, pues
se necesita gran dosis de creatividad para poder ver y realizar
imágenes impactantes. Por esta razón, es casi imposible categorizar la
fotografía abstracta en diferentes modalidades. Aún así, vamos a
intentarlo:
- Fotografía abstracta parcial. Es aquella fotografía abstracta que no está totalmente aislada de aquello que le rodea. Podría decirse, también, de otra forma: son aquellas fotografías abstractas en las que se reconoce el elemento que ha dado pie a aquella composición. Es, digamos, la fotografía abstracta más básica y fácil de conseguir pues cualquier elemento visto desde una perspectiva inusual nos puede regalar estas fotografías. Las texturas, las líneas y las formas geométricas suelen ser las principales protagonistas.
- Fotografía abstracta total. Es aquel tipo de fotografía abstracta que está totalmente aislada de su entorno. Esto significa que el espectador de la fotografía no será capaz de reconocer qué objetos o motivos han dado pie a la imagen que está viendo. Este tipo de fotografías abstractas son las más complejas de conseguir pues para llegar a ellas es necesario tener un ojo muy entrenado y una capacidad de abstracción muy grande. Las principales protagonistas son las figuras geométricas y las líneas. Las texturas no suelen aparecer en estas fotografías porque, por norma general, ayudan a identificar a qué sujeto pertenecen.
La Fotografía Abstracta y Minimalista
Muchas de las fotografías abstractas que vemos, acostumbran a ser, también, minimalistas. Esto significa que la sencillez se apodera del encuadre y que el artista decide eliminar de la fotografía todo aquello que sea superfluo. Como una de las maneras de conseguir imágenes abstractas con los sujetos de nuestro día a día es conseguir aislarlos del entorno en el que se encuentran, el hecho de buscar el minimalismo en este tipo de imágenes suele ayudar bastante a conseguir los resultados deseados. Pero esto no significa que toda la fotografía minimalista sea abstracta o que toda la fotografía abstracta sea minimalista. Son dos disciplinas fotográficas distintas que, a menudo, cruzan sus caminos.¿Es tu Fotografía Realmente Abstracta?
Sólo hay una manera de saberlo y es preguntándote si la imagen que acabas de realizar tiene significado por ella misma o por aquello que la rodea. Como ya hemos dicho, una buena fotografía abstracta es totalmente independiente, es como si no formara parte de este mundo. Realizar fotografía abstracta no consiste en retratar algo, sino en crear a partir de aquello que vemos. Utilizar elementos de los que disponemos (líneas, texturas, volúmenes) para crear algo totalmente nuevo, totalmente diferenciado y distanciado de la realidad que nos ha dado los elementos utilizados para crear la imagen. En una fotografía totalmente abstracta será imposible adivinar de qué está formada y en tu mano está el descifrarlo o no.La Composición en la Fotografía Abstracta
La composición es una parte muy importante del éxito de una
fotografía abstracta porque, además de darnos una imagen que pueda ser
atractiva visualmente para aquella persona que la mira, nos puede ayudar
a aislar el motivo que queramos fotografiar del
entorno en el que se encuentra, cosa que es prácticamente indispensable
para lograr buenas imágenes abstractas. Por eso, muchas veces tendemos a
pensar que la única manera de realizar fotografía abstracta es utilizando objetivos o complementos para hacer macros.
Esto es así porque la fotografía de aproximación nos ayuda a ver las
cosas de una manera diferente a la que estamos acostumbrados.
Como ya hemos visto, la única manera de aprender fotografía abstracta es aprender a mirar lo que nos rodea de una manera diferente así que, por esta regla de tres, la fotografía macro puede ser un buen camino para llegar a abstractualizar los objetos más cotidianos. Pero no es la única manera de conseguirlo, saber utilizar la profundidad de campo y los espacios vacíos es importante. Incluso tratar con el color también nos puede ayudar. Si somos capaces de ver cuándo el color es representativo de aquello que estamos fotografiando, sabremos ver cuándo puede ser interesante convertir la fotografía a blanco y negro para conseguir una imagen más abstracta.
También se pueden conseguir imágenes abstractas en color, evidentemente, pero el hecho de alejarnos de la realidad trabajando con imágenes monocromáticas nos puede ayudar a la hora de conseguir fotografías abstractas de los objetos más cotidianos.
Además, realizar fotografía abstracta con objetivos de distancias focales grandes nos será mucho más fácil que conseguirlo con objetivos de gran angular, precisamente por lo antes comentado: si conseguimos aislar los motivos de su entorno, realizar este tipo de fotografías será más fácil. Sin embargo, esto no significa, en absoluto, que sea imposible realizar fotografías abstractas con algo que no sean teleobjetivos.
Como ya hemos visto, la única manera de aprender fotografía abstracta es aprender a mirar lo que nos rodea de una manera diferente así que, por esta regla de tres, la fotografía macro puede ser un buen camino para llegar a abstractualizar los objetos más cotidianos. Pero no es la única manera de conseguirlo, saber utilizar la profundidad de campo y los espacios vacíos es importante. Incluso tratar con el color también nos puede ayudar. Si somos capaces de ver cuándo el color es representativo de aquello que estamos fotografiando, sabremos ver cuándo puede ser interesante convertir la fotografía a blanco y negro para conseguir una imagen más abstracta.
También se pueden conseguir imágenes abstractas en color, evidentemente, pero el hecho de alejarnos de la realidad trabajando con imágenes monocromáticas nos puede ayudar a la hora de conseguir fotografías abstractas de los objetos más cotidianos.
Además, realizar fotografía abstracta con objetivos de distancias focales grandes nos será mucho más fácil que conseguirlo con objetivos de gran angular, precisamente por lo antes comentado: si conseguimos aislar los motivos de su entorno, realizar este tipo de fotografías será más fácil. Sin embargo, esto no significa, en absoluto, que sea imposible realizar fotografías abstractas con algo que no sean teleobjetivos.
Un Puñado de Buenos Trucos para Sacarle Más Provecho a la Luz Natural
Cuanta Más Luz, Mejor
Sí, es cierto que en función del tipo de fotografía que quieras hacer, quizás no te interese tener mucha luz. Sea como sea, siempre deberías buscar el máximo de luz posible para el tipo de foto que quieras realizar. Piensa que siempre estarás a tiempo de suprimir algo de luz (por ejemplo, provocando la sombra). ¿Cuál es la mejor manera de conseguir el máximo de luz natural? Acercándote a los puntos de luz. Ahí la iluminación será más intensa aunque, si el sol no da directamente en aquella zona, seguirá siendo una iluminación suave. Así que si la fotografía que buscas hacer te lo permite, busca de dónde sale la luz natural que ilumina la estancia y acércate lo máximo que puedas a esa fuente.¿Qué pasa si quieres hacer fotografía con luz natural pero no dispones de mucha luz? Tanto si no dispones de luz porque te encuentras en una estancia oscura como si no son las horas más adecuadas para hacer las fotografías con luz natural, tienes varias opciones:
- Plantearte si puedes esperar a otro momento para realizar esa foto. Si se trata de una habitación oscura de por sí, no dispondrás de esta alternativa. Sin embargo, si el sitio donde quieres hacer las fotos está oscuro porque, por ejemplo, el sol ya se ha puesto; quizás tenga la opción de volver en otro momento y realizar aquella fotografía en mejores circunstancias lumínicas. Conocer cómo se comporta la luz en cada sitio en el que vayas a hacer fotografías es muy importante para, en el momento oportuno, poder sacarle el máximo provecho a la luz natural.
- Subir el iso y/o abrir diafragma. Con esto conseguirás que llegue más luz al sensor de tu cámara. Sin embargo, esto no puede interesarte si, por ejemplo, necesitas contar con una profundidad de campo grande para que toda la estancia quede enfocada o si deseas conseguir una imagen final limpia de ruido.
- El trípode, tu mejor amigo. Si el tipo de fotografía que quieres hacer te lo permite, quizás la mejor opción para realizar fotografía con luz natural en una estancia poco iluminada sea agarrar el trípode y bajar la velocidad de obturación todo lo necesario. De esta forma, conseguirás hacer la foto en aquel momento y, además, podrás sacar imágenes con la profundidad de campo deseada y sin ruido producido por aumentar la sensibilidad ISO. Aún así, no hace falta decir que si estamos hablando de retratos, fotografía a animales o cualquier disciplina fotográfica que incluya seres vivos, será inviable hacer este tipo de fotos con el trípode, pues seguramente nuestro sujeto principal acabe saliendo trepidado.
-
Planifica tus Fotos
Sea como sea, lo importante si quieres utilizar la luz natural es que planifiques bien la sesión fotográfica porque la luz natural es muy cambiante. No hay la misma luz en verano que en invierno. Tampoco por la mañana, al mediodía o por la tarde. Así que primero de todo, y siempre que te sea posible, visita y estudia el sitio en el que quieres hacer las fotografías para saber con qué te vas a encontrar.
Por ejemplo, si vas a utilizar la luz natural en exteriores, puedes dedicarte a buscar sombras que te puedan cobijar y ofrecerte distintas iluminaciones. Ya sabemos que la luz del sol directa es mucho más dura que la indirecta, así que si lo que buscas es una iluminación sin sombras muy definidas y más homogénea, disparar directamente en la sombra puede ser la mejor solución.
Vigila, también, la previsión meteorológica pues, por ejemplo, un día nublado te proporcionará una luz más suave y uniforme que uno soleado. También vigila si hay nubes que, esporádicamente, tapen el sol, ¡cuidado con que no te estropeen la foto cambiándote la luz en el último momento! Por otro lado, si vas a realizar retratos, ten en cuenta las poses de tu modelo. Es posible que tenga que forzar ciertas posturas para quedar iluminado/a de la manera que más te interese. Estate muy atento a que estas posturas sean naturales y sobre todo, a que no produzcan sombras que puedan no ser bonitas.
¿Cómo Sueles Iluminar tus Fotografías?
¿Te gusta la iluminación natural? ¿O más bien eres fan de los equipos strobist, de iluminación de estudio, etc? Has hecho algún experimento con distintas luces? ¡Los comentarios son todo tuyos para que nos lo enseñes!
Por Qué No Deberías Enseñarlo Absolutamente Todo en tus Fotografías
¿Estás Siendo Demasiado Repetitivo?
Las fotografías con patrones repetidos pueden ser muy interesantes pues suelen tener un ritmo visual muy atractivo. Sin embargo, a veces, con enseñar una parte es suficiente. La persona que vea la imagen ya interpretará qué es lo que está viendo y sabrá valorarlo.En algunas ocasiones, si optamos por intentar hacer entrar todo en la imagen, lo que podemos conseguir es ser demasiado repetitivos y por lo tanto, cansar. A la hora de tomar la fotografía, plantéate si todos aquellos detalles que estás incluyendo en la imagen tienen algo que contar o si, por el contrario, sólo rellenan. En este último caso, quizás es buena idea sacrificarlos dejándolos fuera de encuadre para, así, centrarte en otros detalles que pueden ser más interesantes o, incluso, liberar un poco de espacio para que la imagen final disponga de un poco más de aire.
Busca Tu Propio Ángulo de Visión
En el fondo, cuando hacemos fotografía, todos intentamos buscar nuestra propia manera de ver las cosas. Si todos usáramos el mismo ángulo de visión en nuestras fotografías, todas las imágenes serían iguales y, por lo tanto, enseñarían lo mismo. Optar por ver el sujeto que tenemos delante de una manera diferente no es otra cosa que decidir qué vamos a potenciar y qué vamos a tratar de esconder. Así que, como ya hemos dicho en otras de las razones del artículo: observa bien el sujeto que vas a fotografiar para descubrir qué es lo que más te interesa enseñar de él y cómo hacerlo.Observar Bien Para Saber Qué Dejar Fuera del Encuadre
A veces, el hecho de hacer una fotografía en la que se vea todo lo que queremos enseñar es la opción más fácil y puede ser tentador. El hecho de plantearnos qué podríamos dejar fuera del encuadre puede ser un buen ejercicio fotográfico con el que entrenar un poco nuestro ojo.Nos obligará a observar bien nuestro motivo, a analizar las posibilidades fotográficas que nos ofrece para decidir, en última instancia, qué es lo que quizás sea más atractivo a la hora de hacer una fotografía espectacular.Además, observar tu sujeto de esta manera puede incluso descubrirte detalles que, de otra manera, te habrían pasado desapercibidos, especialmente si hablamos de monumentos o grandes edificios. La cuestión es que pararte a observar y a pensar cómo podrías conseguir una mejor fotografía hará que termines realizando una imagen más "reflexionada", más trabajada y esto también es aprender fotografía.
Deja Espacio a la Imaginación
La mente humana se aburre con mucha facilidad. Si se encuentra con una imagen demasiado evidente, que no presenta secretos o que es demasiado evidente, es probable que nuestro cerebro no se sienta atraído por ella. Por esto, el hecho de no enseñar todo lo que podrías puede llevarte a hacer fotografías que llamen más la atención porque conseguirás que las personas que vean esas imágenes tengan que invertir un poco de su tiempo para entender qué representa la imagen que tiene delante.Es como un rompecabezas, como un reto fotográfico que deberás resolver para que la fotografía que tienes delante de los ojos se llene de significado. Puedes plantearlo como un juego con tus "espectadores" o, simplemente, quedarte con los detalles que más te interesen o buscar la fotografía abstracta. Sea como sea, el hecho de dejar parte del sujeto fuera del encuadre puede darte una imagen más atractiva y original.
Consigue Engañar al Espectador
Evidentemente, el hecho de enseñarlo todo o no dependerá completamente de cada imagen y también del momento, del lugar y del sujeto que en ella aparezca. Pero, por norma general, cuando vayas a hacer una foto, párate a pensar cómo quieres que sea. No tengas prisa por tomarla, la tranquilidad suele sentarle bien a la fotografía. Decide bien qué quieres enseñar y que deseas ocultar.Utiliza las oportunidades que te brinda el sujeto que tienes delante para tu beneficio fotográfico y no te conformes en hacer clic a todo lo que tengas delante: esta clase de decisiones son las que, al final, terminarán forjando tu propio estilo fotográfico.
lunes, 24 de junio de 2013
Astrofotografía
Si bien la astrofotografía es un campo bastante especializado de la
fotografía, se puede considerar como una subdivisión de la fotografía
nocturna, puesto que la mayoría de las fotos se hacen de noche. Sin
embargo, también existen las astrofotos que se sacan durante el día,
como las del sol o la luna al amanecer.
En cualquier caso, principalmente existen dos tipos de técnicas astrofotográficas: el trípode fijo y fotografía guiada.En pocas palabras, la técnica de fotografía guiada implica hacer fotos de un grupo de estrellas, una nebulosa, un planeta o un objeto Messier siguiendo atentamente su trayectoria mientras se utiliza una exposición larga. Se conoce como el método concatenado (o piggyback).
En segundo lugar, es posible utilizar un telescopio y una cámara para hacer una foto (método indirecto o de enfoque principal). Por último, también es posible hacer fotos con un telescopio ecuatorial o un telescopio astronómico en lugar de nuestra práctica cámara.
La fotografía guiada es un campo bastante desconocido para el público general, así que nos centraremos únicamente en la fotografía con trípode fijo. El método de fotografía con trípode fijo implica fijar una cámara a un trípode para captar una imagen de un objeto en el cielo. Para la técnica del trípode fijo, existe el método del enfoque fijo y el método del movimiento diurno. Debido a la rotación de la Tierra, percibimos que las estrellas se desplazan por el cielo. Puesto que la Tierra gira 360 grados al día, se mueve 15 grados por hora. Por lo tanto, desde nuestra perspectiva, también vemos que las estrellas se mueven en la noche 15 grados por hora en la dirección opuesta. El método del enfoque fijo utiliza una breve exposición para tomar una imagen de una estrella que se ve más como un punto que como una corriente de luz, dejando un rastro detrás.
Con este método es posible tomar fotos de numerosas estrellas y constelaciones, e incluso hasta cierto punto, de la Vía Láctea.Suponiendo que estás utilizando una cámara de 35 mm, una cámara equipada con una lente de 50 mm estándar puede hacer una foto de una estrella que está en reposo durante 15 segundos (a 0 grados de declinación). Cuanto más amplia sea la lente, mayor será el ángulo de visión, haciendo necesario un tiempo de exposición más prolongado.
Por el contrario, cuanto mayor sea la potencia del teleobjetivo que utilices, menor será el ángulo de visión, lo que da un menor tiempo de exposición.El método de movimiento diurno utiliza una larga exposición para tomar una foto de una estrella dejando una estela de luz.
Al utilizar este método, es mejor incluir un paisaje, como un edificio, montañas u otras escenas de fondo en la imagen, en lugar de tomar solo las estrellas. Las buenas fotografías también dependen de la dirección de desplazamiento de una estrella, su velocidad y otros factores. Las estrellas del hemisferio norte giran en sentido contrario a las agujas del reloj, desde el este al oeste, con la Estrella Polar en el centro. Cuanto más cerca giran hacia la Estrella Polar, más lentamente parecen rotar, y viceversa: cuanto más lejos están del centro, más rápido parecen hacerlo.
Al hacer una astrofotografía, también puedes disfrutar aprendiendo las diferentes constelaciones y observar el cielo nocturno. También debería ser más interesante tomar imágenes de cometas o meteoritos (estrellas fugaces) utilizando el método del movimiento diurno.
En ciudades como Seúl, donde es un problema grave, es posible utilizar el método de enfoque fijo hasta cierto grado. Sin embargo, es difícil tomar imágenes de las constelaciones o la Vía Láctea, simplemente porque es raro ver las estrellas. Podemos hacer fotos de la Luna o el Sol usando el método del movimiento diurno con una cámara de película normal. Sin embargo, hacer fotografías de las estrellas con este método es difícil debido a la contaminación lumínica.
Cuando se utiliza una cámara con película, es necesario desarrollar e imprimir (escanear) la película. A menudo, los estudios de fotografía no imprimen ni escanean la película, pensando que no hay nada en ella. Por tanto, es mejor avisarles de antemano de que las imágenes son astrofotografías cuando lleves la película para procesarla.
Con una cámara réflex digital (DSLR), puedes tomar varias fotos de una estrella a intervalos adecuados y luego componerlas en una sola imagen para ver su estela de luz, en mayor o menos extensión.En primer lugar, usa un objetivo gran angular para incluir un mayor número de estrellas y estudia la composición del visor para crear armonía con la escena de fondo. Para el valor de apertura, utiliza una velocidad de obturación de 30 a 60 segundos dentro del rango correcto para evitar la sobreexposición.
A continuación, puedes hacer las fotografías una tras otra durante el tiempo deseado. Para el ajuste de la cámara, utiliza el modo manual para el modo de fotografía; usa enfoque manual (sin límite) para el ajuste del enfoque; fija la reducción de ruido en OFF; selecciona una sensibilidad ISO baja y, por último, ajusta el balance de blancos según tus preferencias. A continuación, puedes sacar fotos con un trípode sólido y el cable disparador o un aparato de grabación por lapsos de tiempo.
Deberás contar con una batería completamente cargada.El siguiente paso es importar los archivos de imágenes tomadas con tu cámara réflex digital (DSLR) en Photoshop y realizar la composición de capas. En primer lugar, escoge la que será la foto principal, antes de abrir los archivos de imágenes una a una en el orden correcto y superponerlas en el mismo lugar que la foto principal.
Cuando se superponen dos imágenes, en la paleta de capas se crea otra capa y, como resultado, verás dos capas. Debería haber una pequeña ventana blanca en esa ventana de paleta de capas. Esto es para que el modo de fusión de capas te permita seleccionar un método de fusión para las dos capas superiores e inferiores. Selecciona "Aclarar" (Lighten), que debe estar en el medio.
"Aclarar" permite destacar las áreas claras de las capas, para que los trazos de las estrellas no se superpongan sino que se muestren tal como son. A medida que continúes la composición de capas de esta manera, los rastros de las estrellas se irán viendo cada vez más nítidos y, finalmente, como una sola imagen.
Sugerencia fotográfica: durante el invierno, la cámara o la lente se pueden congelar o cubrirse de rocío. Puedes cubrir el lente con una compresa caliente para evitarlo hasta cierto punto.
En cualquier caso, principalmente existen dos tipos de técnicas astrofotográficas: el trípode fijo y fotografía guiada.En pocas palabras, la técnica de fotografía guiada implica hacer fotos de un grupo de estrellas, una nebulosa, un planeta o un objeto Messier siguiendo atentamente su trayectoria mientras se utiliza una exposición larga. Se conoce como el método concatenado (o piggyback).
En segundo lugar, es posible utilizar un telescopio y una cámara para hacer una foto (método indirecto o de enfoque principal). Por último, también es posible hacer fotos con un telescopio ecuatorial o un telescopio astronómico en lugar de nuestra práctica cámara.
La fotografía guiada es un campo bastante desconocido para el público general, así que nos centraremos únicamente en la fotografía con trípode fijo. El método de fotografía con trípode fijo implica fijar una cámara a un trípode para captar una imagen de un objeto en el cielo. Para la técnica del trípode fijo, existe el método del enfoque fijo y el método del movimiento diurno. Debido a la rotación de la Tierra, percibimos que las estrellas se desplazan por el cielo. Puesto que la Tierra gira 360 grados al día, se mueve 15 grados por hora. Por lo tanto, desde nuestra perspectiva, también vemos que las estrellas se mueven en la noche 15 grados por hora en la dirección opuesta. El método del enfoque fijo utiliza una breve exposición para tomar una imagen de una estrella que se ve más como un punto que como una corriente de luz, dejando un rastro detrás.
Con este método es posible tomar fotos de numerosas estrellas y constelaciones, e incluso hasta cierto punto, de la Vía Láctea.Suponiendo que estás utilizando una cámara de 35 mm, una cámara equipada con una lente de 50 mm estándar puede hacer una foto de una estrella que está en reposo durante 15 segundos (a 0 grados de declinación). Cuanto más amplia sea la lente, mayor será el ángulo de visión, haciendo necesario un tiempo de exposición más prolongado.
Por el contrario, cuanto mayor sea la potencia del teleobjetivo que utilices, menor será el ángulo de visión, lo que da un menor tiempo de exposición.El método de movimiento diurno utiliza una larga exposición para tomar una foto de una estrella dejando una estela de luz.
Al utilizar este método, es mejor incluir un paisaje, como un edificio, montañas u otras escenas de fondo en la imagen, en lugar de tomar solo las estrellas. Las buenas fotografías también dependen de la dirección de desplazamiento de una estrella, su velocidad y otros factores. Las estrellas del hemisferio norte giran en sentido contrario a las agujas del reloj, desde el este al oeste, con la Estrella Polar en el centro. Cuanto más cerca giran hacia la Estrella Polar, más lentamente parecen rotar, y viceversa: cuanto más lejos están del centro, más rápido parecen hacerlo.
Al hacer una astrofotografía, también puedes disfrutar aprendiendo las diferentes constelaciones y observar el cielo nocturno. También debería ser más interesante tomar imágenes de cometas o meteoritos (estrellas fugaces) utilizando el método del movimiento diurno.
En ciudades como Seúl, donde es un problema grave, es posible utilizar el método de enfoque fijo hasta cierto grado. Sin embargo, es difícil tomar imágenes de las constelaciones o la Vía Láctea, simplemente porque es raro ver las estrellas. Podemos hacer fotos de la Luna o el Sol usando el método del movimiento diurno con una cámara de película normal. Sin embargo, hacer fotografías de las estrellas con este método es difícil debido a la contaminación lumínica.
Cuando se utiliza una cámara con película, es necesario desarrollar e imprimir (escanear) la película. A menudo, los estudios de fotografía no imprimen ni escanean la película, pensando que no hay nada en ella. Por tanto, es mejor avisarles de antemano de que las imágenes son astrofotografías cuando lleves la película para procesarla.
Con una cámara réflex digital (DSLR), puedes tomar varias fotos de una estrella a intervalos adecuados y luego componerlas en una sola imagen para ver su estela de luz, en mayor o menos extensión.En primer lugar, usa un objetivo gran angular para incluir un mayor número de estrellas y estudia la composición del visor para crear armonía con la escena de fondo. Para el valor de apertura, utiliza una velocidad de obturación de 30 a 60 segundos dentro del rango correcto para evitar la sobreexposición.
A continuación, puedes hacer las fotografías una tras otra durante el tiempo deseado. Para el ajuste de la cámara, utiliza el modo manual para el modo de fotografía; usa enfoque manual (sin límite) para el ajuste del enfoque; fija la reducción de ruido en OFF; selecciona una sensibilidad ISO baja y, por último, ajusta el balance de blancos según tus preferencias. A continuación, puedes sacar fotos con un trípode sólido y el cable disparador o un aparato de grabación por lapsos de tiempo.
Deberás contar con una batería completamente cargada.El siguiente paso es importar los archivos de imágenes tomadas con tu cámara réflex digital (DSLR) en Photoshop y realizar la composición de capas. En primer lugar, escoge la que será la foto principal, antes de abrir los archivos de imágenes una a una en el orden correcto y superponerlas en el mismo lugar que la foto principal.
Cuando se superponen dos imágenes, en la paleta de capas se crea otra capa y, como resultado, verás dos capas. Debería haber una pequeña ventana blanca en esa ventana de paleta de capas. Esto es para que el modo de fusión de capas te permita seleccionar un método de fusión para las dos capas superiores e inferiores. Selecciona "Aclarar" (Lighten), que debe estar en el medio.
"Aclarar" permite destacar las áreas claras de las capas, para que los trazos de las estrellas no se superpongan sino que se muestren tal como son. A medida que continúes la composición de capas de esta manera, los rastros de las estrellas se irán viendo cada vez más nítidos y, finalmente, como una sola imagen.
Sugerencia fotográfica: durante el invierno, la cámara o la lente se pueden congelar o cubrirse de rocío. Puedes cubrir el lente con una compresa caliente para evitarlo hasta cierto punto.
Cuando salgo a la calle con la cámara muchas veces no me llevo el trípode conmigo, hay que reconocer que es un trasto tener que cargar con el todo el rato para a lo mejor sólo utilizarlo un par de veces. Venden unos trípodes pequeños que pueden sacarte de un apuro.
Pero cuando llevas tu cámara, y no tienes un trípode a mano, quizá te
puede venir bien algún consejo para poder hacer una buena foto sin que
te salga demasiado movida.
En primer lugar, lo ideal es cerrar el diafragma y usar una ISO baja, pero claro, como ya he dicho no hay trípode que valga con lo cual hay que cambiar un poco la teoría. Si encuentras algún sitio estable en donde poder apoyar la cámara puedes preparar la foto tranquilamente, entonces sí, pon el modo ISO lo más bajo que puedas y cierra el diafragma dependiendo de la cantidad de luz que pueda haber; por ejemplo, si estás en la ciudad y hay farolas puedes poner el diafragma en f/18 como en la siguiente foto (aunque la ISO es de 800, ya que me olvidé de cambiarla):
Luego, usa el temporizador para evitar vibraciones y espera el momento más oportuno para hacer la foto, como por ejemplo cuando pasan coches por delante.
También puede que no puedas apoyar la cámara en ningún sitio, entonces mi consejo es que subas un poco la ISO (a 800 por ejemplo) abras también un poco el diafragma (f10) y te apoyes en un árbol, una farola o una pared, relaja los músculos y a la hora de disparar, respira hondo y reten el aire hasta que hayas disparado. No te conformes con una sola foto, e intenta hacer varias, ya que aunque en la pantalla la ves bien, luego te llevas la decepción a la hora de verla en el ordenador.
En primer lugar, lo ideal es cerrar el diafragma y usar una ISO baja, pero claro, como ya he dicho no hay trípode que valga con lo cual hay que cambiar un poco la teoría. Si encuentras algún sitio estable en donde poder apoyar la cámara puedes preparar la foto tranquilamente, entonces sí, pon el modo ISO lo más bajo que puedas y cierra el diafragma dependiendo de la cantidad de luz que pueda haber; por ejemplo, si estás en la ciudad y hay farolas puedes poner el diafragma en f/18 como en la siguiente foto (aunque la ISO es de 800, ya que me olvidé de cambiarla):
Luego, usa el temporizador para evitar vibraciones y espera el momento más oportuno para hacer la foto, como por ejemplo cuando pasan coches por delante.También puede que no puedas apoyar la cámara en ningún sitio, entonces mi consejo es que subas un poco la ISO (a 800 por ejemplo) abras también un poco el diafragma (f10) y te apoyes en un árbol, una farola o una pared, relaja los músculos y a la hora de disparar, respira hondo y reten el aire hasta que hayas disparado. No te conformes con una sola foto, e intenta hacer varias, ya que aunque en la pantalla la ves bien, luego te llevas la decepción a la hora de verla en el ordenador.
Uno de los efectos más apasionantes de la fotografía es lograr captar lo que el ojo no ve. El sensor digital es capaz de registrar movimientos de este tipo que nos permiten Crear imágenes que parecen mágicas. Para lograr esto se debe utilizar una “velocidad de obturación” más lenta que el movimiento del objeto.
El Obturador es un dispositivo similar a una cortina
metálica que se encuentra delante del sensor (El sensor es el que capta
la imagen). El obturador controla la cantidad de luz que llega al
sensor mediante el TIEMPO que permanece abierto.
Digamos que cuando el obturador está abierto se está captando la foto en
el sensor. El obturador tiene una escala con las diferentes velocidades
en las que puede trabajar. Para entenderlo mejor digamos que la cortina
se puede abrir y cerrar más rápido o más lento depende de la velocidad
que le indiques en la escala. Las velocidades más lentas te permiten registrar movimientos que el ojo no ve.
2) Coloca la cámara en un trípode.
3) Coloca el modo M (Manual): Generalmente las cámaras traen cuatro modos de exposición: P, A, S ó Tv y M. La mayoría de las personas que no saben utilizar la cámara para Jugar con la Luz, usan el modo P o automático para que la cámara ajuste todos los controles. La foto sale bien pero no puedes elegir el efecto que quieres hacer. Digamos que si la cámara lo decide registra el movimiento y sino no.
4) Elige una velocidad lenta de la escala de velocidades que tenga tu cámara: Por ejemplo 8, 4, 2, que son fracciones de segundos (1/8 de segundos) ó 4″, 8″, 15″, que son segundos. Busca en tu cámara cómo variar los valores de la escala de velocidades de obturación. Generalmente se mueven desde un dial de comando. Hazte el hábito de consultar el manual de tu cámara.
5) Te recomiendo utilizar un diafragma cerrado o de orificio pequeño (f 8, f11, f 16) que te permitirá mayor profundidad de campo (Nitidez en toda la fotografía) y un ISO bajo (100) que ayuda a lograr mayor definición de la imágen. Busca en tu cámara cómo variar los valores de la escala de diafragmas que se simboliza con la letra f. Generalmente se mueven desde un dial de comando. Hazte el hábito de consultar el manual de tu cámara.
6) Presiona el botón de disparo. Puedes utilizar el temporizador o disparador automático para que la foto salga unos segundos después que presionas el botón de disparo, de esta manera te aseguras no producir movimientos en la cámara.
7) Una vez que se produce el disparo el obturador se abre durante el tiempo que colocaste en la escala, entonces puedes realizar movimientos con fuego o con luces dirigidas hacia la cámara. Este es el momento de Experimentar y Crear. Puedes utilizar velas, antorchas, focos de colores, etc. Juega con las diferentes velocidades y con la velocidad de los movimientos con las luces. Esta técnica requiere de mucha práctica. Prueba con todo lo que se te ocurra. Esta es la parte más divertida!
Esta es una escala clásica de velocidad de obturación. Las cámaras digitales traen valores intermedios.
La técnica para lograr el movimiento con
fuego y luces consiste básicamente en tomar una foto en algún lugar
oscuro o de noche con velocidades de obturación muy lentas. Es como
sacar una foto durante un tiempo prolongado que nos permita realizar
movimientos con fuego o con una luz dirigida hacia la cámara. Las
velocidades lentas nos obligan a trabajar con trípode. Esto permite que
que todos los objetos queden quietos excepto el que se mueve.
7 Pasos Simples para registrar el Movimiento del fuego o luces:
1) Busca un lugar completamente oscuro. Puede ser en una habitación cerrada o de noche en algún lugar donde no llegue la luz del ambiente.2) Coloca la cámara en un trípode.
3) Coloca el modo M (Manual): Generalmente las cámaras traen cuatro modos de exposición: P, A, S ó Tv y M. La mayoría de las personas que no saben utilizar la cámara para Jugar con la Luz, usan el modo P o automático para que la cámara ajuste todos los controles. La foto sale bien pero no puedes elegir el efecto que quieres hacer. Digamos que si la cámara lo decide registra el movimiento y sino no.
4) Elige una velocidad lenta de la escala de velocidades que tenga tu cámara: Por ejemplo 8, 4, 2, que son fracciones de segundos (1/8 de segundos) ó 4″, 8″, 15″, que son segundos. Busca en tu cámara cómo variar los valores de la escala de velocidades de obturación. Generalmente se mueven desde un dial de comando. Hazte el hábito de consultar el manual de tu cámara.
5) Te recomiendo utilizar un diafragma cerrado o de orificio pequeño (f 8, f11, f 16) que te permitirá mayor profundidad de campo (Nitidez en toda la fotografía) y un ISO bajo (100) que ayuda a lograr mayor definición de la imágen. Busca en tu cámara cómo variar los valores de la escala de diafragmas que se simboliza con la letra f. Generalmente se mueven desde un dial de comando. Hazte el hábito de consultar el manual de tu cámara.
6) Presiona el botón de disparo. Puedes utilizar el temporizador o disparador automático para que la foto salga unos segundos después que presionas el botón de disparo, de esta manera te aseguras no producir movimientos en la cámara.
7) Una vez que se produce el disparo el obturador se abre durante el tiempo que colocaste en la escala, entonces puedes realizar movimientos con fuego o con luces dirigidas hacia la cámara. Este es el momento de Experimentar y Crear. Puedes utilizar velas, antorchas, focos de colores, etc. Juega con las diferentes velocidades y con la velocidad de los movimientos con las luces. Esta técnica requiere de mucha práctica. Prueba con todo lo que se te ocurra. Esta es la parte más divertida!
domingo, 23 de junio de 2013
Reembolso de Canon: hasta 300 euros de ahorro en cámaras, objetivos y flashes
Comprar alguno de los productos incluidos en la promoción, registrarlo y acercarse a un cajero automático. Eso es todo lo que hace falta para disfrutar de los reembolsos directos de hasta 300 euros que Canon ofrece para algunas de sus cámaras, objetivos y flashes. Hacerse con la mejor calidad fotográfica es ahora más sencillo y económico que nunca.
Más de una decena de objetivos, tres cámaras réflex de la gama EOS y dos objetivos son los protagonistas de la última campaña de reembolso que Canon ha lanzado hasta el próximo 15 de julio. Hasta entonces es posible disfrutar de descuentos de hasta 300 euros en casi una veintena de productos.
Para acceder a la promoción basta con adquirir una de las cámaras, objetivos o flashes incluidos, registrarlo en la web de Canon y pasarse por uno de los cajeros automáticos autorizados para recibir el dinero. Así de rápido y sencillo.
De este modo, quienes quieran hacerse con una EOS 7D podrán conseguir un reembolso de 100 euros, o de 80 euros en el caso de la EOS 60D. Por su parte, la larga lista de objetivos que se benefician de esta promoción incluye descuentos de 300 euros para modelos como el 24-70 mm f2.8 II o el 70-200 mm f2.8 II, por ejemplo.
Samsung Galaxy NX: primeras impresiones
Si se puede hacer, ¿por qué no probarlo? Esta filosofía, que en
ocasiones conduce a grandes inventos y otras al simple exceso, parece
estar en el ADN de la nueva Samsung Galaxy NX.
Novedosa, valiente, hiperbólica y en gran parte lógica. No está mal
para una cámara que se acaba de anunciar y que de hecho es única en su
clase.
Todos esos calificativos iban pasando por nuestra cabeza cuando anoche la firma surcoreana desveló este modelo en Londres junto a otros dispositivos en un descomunal evento (cuesta imaginar la cantidad de medios que se dedican a hablar de tecnología en el mundo) con el que Samsung parece recordar a la competencia que ahora mismo puede permitirse estos lujos. Y puesto que puede, lo hace.
En realidad la Galaxy NX no es sino la evolución lógica de la Galaxy Camera. Si se podía hacer con una compacta, ¿por qué no probar ahora con un modelo de óptica intercambiable? Se nos ocurren muchas respuestas a esa pregunta, empezando por el tipo de usuario que se acerca a uno y otro sector. Pero qué mejor que teorizar que echarle un primer vistazo a esta cámara con Android y 4G.
Herencia de la NX20
La Galaxy NX es bastante grande. Lo parecía en las imágenes que se habían filtrado hace días, y entre las manos se confirma la sospecha. Esto facilita su sujeción y manejo -dispone de una empuñadura generosa-, pero habrá que tener en cuenta sus dimensiones si de lo que se trata es de ir ligeros de equipaje.
Con unas formas que recuerdan a la NX20, es más voluminosa que ésta, si bien el grosor del conjunto es posiblemente el aspecto que más se ha cuidado. ¿Por qué no se ha apostado por unas líneas más en consonancia con la reciente NX300? Después de todo, el tipo de usuario que se acerca a una cámara que tiene tanto de "gadget" como de de aparato fotográfico no suele ser muy amigo -si se nos permite el tópico- de ir con la mochila llena de trastos.
Estamos convencidos de que Samsung tendrá sus motivos, pero si se trata de destacar la parte buena, además de la citada empuñadura no podemos olvidarnos del visor electrónico integrado, que a primera vista -nunca mejor dicho- convence.
Sin botones
Pero si hay una cosa que sorprende de esta cámara antes incluso de leer la hoja de especificaciones, ésta es su pantalla táctil. Con nada menos que 4,8 pulgadas de diagonal, se convierte en la pantalla más grande jamás usada en una cámara de estas características. Esto, unido a su resolución de 1280 x 720 puntos, nos obliga a seguir al pie de la letra ese conocido consejo que invita a no fiarse demasiado de lo bonitas, saturadas y contrastadas que lucen las fotos en la cámara.
Pero, ¿hacía falta tanta pantalla? Tras pasar unos minutos jugando con la Galaxy NX, no estamos del todo convencidos de que haya primado el sentido común frente al titular. Estas enormes dimensiones arrastran al peso de la cámara, y suponemos que también pasarán factura en cuanto al precio del conjunto y el consumo de batería. Esa delgada línea entre lo grande y lo excesivo es a veces complicada de delimitar.
Lo que sí es cierto es que la pantalla es el elemento crucial de la Galaxy NX, porque a través de ella hay que gestionarlo todo. De hecho, el botón de encendido, otro pulsador para el vídeo y una rueda de control -demasiado suave en nuestra opinión- son los únicos mandos físicos de la cámara. Para el resto de controles ya tenemos la pantalla táctil.
Antes de que los más acostumbrados a los botones y los accesos directos se lleven las manos a la cabeza, hay que recordar que la mayoría de ópticas de Samsung incorporan el botón iFn, que permite acceder a algunas funciones. Algo es algo.
El sistema de menús y manejo en pantalla recuerda mucho a lo que ya vimos en la Galaxy Camera, incluidos esos curiosos menús circulares para los modos de trabajo manuales. En este caso, eso sí, disponemos del citado dial de la zona superior.
Rápida
La Galaxy NX cuenta con un procesador de cuatro núcleos y 1,6 GHz y otro motor de imagen dedicado exclusivamente al apartado fotográfico. Todo ello se traduce -por lo poco que hemos podido ver- en una agilidad notable en el funcionamiento general de la cámara y el disparo, con ráfagas de casi 9 fotogramas por segundo. Eso sí, igual que en la Galaxy Camera, la puesta en marcha desde cero implicará una pequeña espera mientras se carga el sistema operativo.
Buenas noticias también en cuanto a la velocidad del sistema de enfoque automático híbrido, que se ha comportado de una forma bastante prometedora. Teniendo presentes los resultados vistos en las últimas cámaras de Samsung, no parece que vaya a haber que preocuparse ni por este aspecto ni por la calidad de imagen de su CMOS de tamaño APS-C y 20 megapíxeles.
Puestos a lanzar voces de alarma, a priori preocupan más la batería, el precio -se escuchaba en algunos corrillos hablar de 1.500 euros, aunque confiamos en haber escuchado mal- y el ejercicio necesario para acostumbrarnos a su sistema de manejo y a esa pantalla tan grande que resulta casi imposible no tocar mientras sujetamos la cámara.
Puesto que estamos hablando de una cámara con Android (en su versión 4.2, concretamente), por supuesto disponemos de todas las funciones de este sistema operativo, así como el acceso a las aplicaciones de la tienda de Google Play. Por cierto, para pasar del modo de cámara a las funciones de esta Galaxy como tablet -no hay que olvidar que no es un teléfono- basta con desplazar el dedo por la pantalla de derecha a izquierda. Parece fácil, pero cuesta descubrirlo.
¿Galaxy o NX?
Exactamente igual que ocurrió con la Galaxy Camera, esta NX está llamada a ser el tema de debate durante los próximos meses. Es más, seguro que dedicaremos más tiempo a preguntarnos en alto si tiene sentido o es un simple golpe de efecto por parte de Samsung que a hablar de su rendimiento fotográfico.
Demasiado grande y con el peligro de que sea también demasiado cara, Samsung tiene un duro trabajo por delante para colocarla en el mercado y dar con los usuarios interesados en una cámara de altas prestaciones como ésta, pero con un plus de conectividad.
Y es que tras este primer y rápido contacto y a la espera de poder probarla en condiciones, a la larga lista de cuestiones sumamos una más: ¿es una NX que se ha convertido a Galaxy o simplemente una Galaxy venida a más y que sueña con ser NX? Puede que dé lo mismo el orden de los factores, pero tal vez no.
Todos esos calificativos iban pasando por nuestra cabeza cuando anoche la firma surcoreana desveló este modelo en Londres junto a otros dispositivos en un descomunal evento (cuesta imaginar la cantidad de medios que se dedican a hablar de tecnología en el mundo) con el que Samsung parece recordar a la competencia que ahora mismo puede permitirse estos lujos. Y puesto que puede, lo hace.
En realidad la Galaxy NX no es sino la evolución lógica de la Galaxy Camera. Si se podía hacer con una compacta, ¿por qué no probar ahora con un modelo de óptica intercambiable? Se nos ocurren muchas respuestas a esa pregunta, empezando por el tipo de usuario que se acerca a uno y otro sector. Pero qué mejor que teorizar que echarle un primer vistazo a esta cámara con Android y 4G.
Herencia de la NX20
La Galaxy NX es bastante grande. Lo parecía en las imágenes que se habían filtrado hace días, y entre las manos se confirma la sospecha. Esto facilita su sujeción y manejo -dispone de una empuñadura generosa-, pero habrá que tener en cuenta sus dimensiones si de lo que se trata es de ir ligeros de equipaje.
Con unas formas que recuerdan a la NX20, es más voluminosa que ésta, si bien el grosor del conjunto es posiblemente el aspecto que más se ha cuidado. ¿Por qué no se ha apostado por unas líneas más en consonancia con la reciente NX300? Después de todo, el tipo de usuario que se acerca a una cámara que tiene tanto de "gadget" como de de aparato fotográfico no suele ser muy amigo -si se nos permite el tópico- de ir con la mochila llena de trastos.
Estamos convencidos de que Samsung tendrá sus motivos, pero si se trata de destacar la parte buena, además de la citada empuñadura no podemos olvidarnos del visor electrónico integrado, que a primera vista -nunca mejor dicho- convence.
Sin botones
Pero si hay una cosa que sorprende de esta cámara antes incluso de leer la hoja de especificaciones, ésta es su pantalla táctil. Con nada menos que 4,8 pulgadas de diagonal, se convierte en la pantalla más grande jamás usada en una cámara de estas características. Esto, unido a su resolución de 1280 x 720 puntos, nos obliga a seguir al pie de la letra ese conocido consejo que invita a no fiarse demasiado de lo bonitas, saturadas y contrastadas que lucen las fotos en la cámara.
Pero, ¿hacía falta tanta pantalla? Tras pasar unos minutos jugando con la Galaxy NX, no estamos del todo convencidos de que haya primado el sentido común frente al titular. Estas enormes dimensiones arrastran al peso de la cámara, y suponemos que también pasarán factura en cuanto al precio del conjunto y el consumo de batería. Esa delgada línea entre lo grande y lo excesivo es a veces complicada de delimitar.
Lo que sí es cierto es que la pantalla es el elemento crucial de la Galaxy NX, porque a través de ella hay que gestionarlo todo. De hecho, el botón de encendido, otro pulsador para el vídeo y una rueda de control -demasiado suave en nuestra opinión- son los únicos mandos físicos de la cámara. Para el resto de controles ya tenemos la pantalla táctil.
Antes de que los más acostumbrados a los botones y los accesos directos se lleven las manos a la cabeza, hay que recordar que la mayoría de ópticas de Samsung incorporan el botón iFn, que permite acceder a algunas funciones. Algo es algo.
El sistema de menús y manejo en pantalla recuerda mucho a lo que ya vimos en la Galaxy Camera, incluidos esos curiosos menús circulares para los modos de trabajo manuales. En este caso, eso sí, disponemos del citado dial de la zona superior.
Rápida
La Galaxy NX cuenta con un procesador de cuatro núcleos y 1,6 GHz y otro motor de imagen dedicado exclusivamente al apartado fotográfico. Todo ello se traduce -por lo poco que hemos podido ver- en una agilidad notable en el funcionamiento general de la cámara y el disparo, con ráfagas de casi 9 fotogramas por segundo. Eso sí, igual que en la Galaxy Camera, la puesta en marcha desde cero implicará una pequeña espera mientras se carga el sistema operativo.
Buenas noticias también en cuanto a la velocidad del sistema de enfoque automático híbrido, que se ha comportado de una forma bastante prometedora. Teniendo presentes los resultados vistos en las últimas cámaras de Samsung, no parece que vaya a haber que preocuparse ni por este aspecto ni por la calidad de imagen de su CMOS de tamaño APS-C y 20 megapíxeles.
Puestos a lanzar voces de alarma, a priori preocupan más la batería, el precio -se escuchaba en algunos corrillos hablar de 1.500 euros, aunque confiamos en haber escuchado mal- y el ejercicio necesario para acostumbrarnos a su sistema de manejo y a esa pantalla tan grande que resulta casi imposible no tocar mientras sujetamos la cámara.
Puesto que estamos hablando de una cámara con Android (en su versión 4.2, concretamente), por supuesto disponemos de todas las funciones de este sistema operativo, así como el acceso a las aplicaciones de la tienda de Google Play. Por cierto, para pasar del modo de cámara a las funciones de esta Galaxy como tablet -no hay que olvidar que no es un teléfono- basta con desplazar el dedo por la pantalla de derecha a izquierda. Parece fácil, pero cuesta descubrirlo.
¿Galaxy o NX?
Exactamente igual que ocurrió con la Galaxy Camera, esta NX está llamada a ser el tema de debate durante los próximos meses. Es más, seguro que dedicaremos más tiempo a preguntarnos en alto si tiene sentido o es un simple golpe de efecto por parte de Samsung que a hablar de su rendimiento fotográfico.
Demasiado grande y con el peligro de que sea también demasiado cara, Samsung tiene un duro trabajo por delante para colocarla en el mercado y dar con los usuarios interesados en una cámara de altas prestaciones como ésta, pero con un plus de conectividad.
Y es que tras este primer y rápido contacto y a la espera de poder probarla en condiciones, a la larga lista de cuestiones sumamos una más: ¿es una NX que se ha convertido a Galaxy o simplemente una Galaxy venida a más y que sueña con ser NX? Puede que dé lo mismo el orden de los factores, pero tal vez no.
PHOTOSHOP CC
Piratas en la nube. El pasado martes Adobe lanzaba Photoshop CC. Aunque cuenta con un buen surtido de novedades respecto a la versión anterior, el mayor cambio -y el que más ha dado que hablar en las últimas semanas- es el nuevo modelo de negocio con el que Adobe vende su paquete de software: mediante una suscripción con una cuota mensual. Esta medida se ha tomado en parte para combatir la piratería. Pero tan sólo han sido necesarias unas pocas horas para que esta nueva versión de Photoshop ya se pudiera descargar ilegalmente desde un conocido sitio de archivos "torrent". Quienes lo han probado aseguran que es el programa de verdad, aunque éste sigue requiriendo de una conexión a Internet después de instalarlo para comprobar el estado de la correspondiente suscripción a Creative Cloud. En Fstoppers cuentan con más detalles.
FOTOMETRO PARA IPHONE 5
Un fotómetro para el iPhone. ¿Habrían
imaginado alguna vez en Apple que su smartphone llegaría a ser tan
popular y que contaría con tantas aplicaciones y accesorios dedicados
única y exclusivamente a la fotografía? En British Journal of Photography
se hacen eco del fotómetro para el iPhone que los responsables de Lumu
Labs pretenden lanzar una vez termine la campaña de financiación que han
iniciado en Kickstarter. Según la empresa creadora, estamos ante el
medidor de luz del siglo XXI. Sólo hay que conectarlo al teléfono para
conseguir, junto con la correspondiente aplicación, una medición exacta
de la luz disponible.
martes, 18 de junio de 2013
Lightroom 5 ya está aquí
Después de algo más de dos meses de beta pública, Lightroom 5 se lanza oficialmente al mercado por un precio de 127,92€ (149 dólares en su versión americana). Como aseguró
Adobe hace un par de semanas, este programa se podrá seguir comprando
de manera individual y, en consecuencia, no será necesario comprar el
paquete de suscripción de Creative Cloud para usarlo.
Las principales novedades son:
Las principales novedades son:
- Pincel corrector avanzado. Especialmente pensado para eliminar imperfecciones o elementos no deseados en nuestras fotos. Aparte de cambiar de tamaño, es posible modificar el trazo, por lo que podremos corregir con mayor precisión.
- Upright. Sirve para enderezar las imágenes torcidas. La herramienta rastrea nuestras fotos en busca de líneas horizontales y verticales, y a partir de ahí comienza a enderezar.
- Degradado radial. Ideada para destacar zonas concretas de nuestras fotos. Permite incluir varios efectos de viñeta en una misma imagen.
- Previsualizaciones inteligentes. Esta herramienta nos permitirá editar imágenes sin tener la copia RAW en nuestro disco duro. Crea copias de tamaño reducido de las fotos originales y es en ellas en las que trabajaremos.
- Presentaciones de diapositivas de vídeo. Para enseñar nuestro trabajo, estas presentaciones nos permitirán incluir imágenes estáticas, vídeo y música.
- Creación de libros de fotos mejorada. Interesante
para los fotógrafos que quieran publicar sus trabajos en libro. Habrá
plantillas de serie para facilitar el proceso. ¿Qué os parecen las mejoras? Nosotros ya estamos probando esta nueva
versión de Lightroom y en los próximos días os contaremos nuestras
impresiones. Mientras tanto, no dudéis en compartir con nosotros
vuestras impresiones.
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