Samsung Galaxy NX: primeras impresiones

Si se puede hacer, ¿por qué no probarlo? Esta filosofía, que en ocasiones conduce a grandes inventos y otras al simple exceso, parece estar en el ADN de la nueva Samsung Galaxy NX. Novedosa, valiente, hiperbólica y en gran parte lógica. No está mal para una cámara que se acaba de anunciar y que de hecho es única en su clase.

Todos esos calificativos iban pasando por nuestra cabeza cuando anoche la firma surcoreana desveló este modelo en Londres junto a otros dispositivos en un descomunal evento (cuesta imaginar la cantidad de medios que se dedican a hablar de tecnología en el mundo) con el que Samsung parece recordar a la competencia que ahora mismo puede permitirse estos lujos. Y puesto que puede, lo hace.
En realidad la Galaxy NX no es sino la evolución lógica de la Galaxy Camera. Si se podía hacer con una compacta, ¿por qué no probar ahora con un modelo de óptica intercambiable? Se nos ocurren muchas respuestas a esa pregunta, empezando por el tipo de usuario que se acerca a uno y otro sector. Pero qué mejor que teorizar que echarle un primer vistazo a esta cámara con Android y 4G.
 
 
Herencia de la NX20

La Galaxy NX es bastante grande. Lo parecía en las imágenes que se habían filtrado hace días, y entre las manos se confirma la sospecha. Esto facilita su sujeción y manejo -dispone de una empuñadura generosa-, pero habrá que tener en cuenta sus dimensiones si de lo que se trata es de ir ligeros de equipaje.
Con unas formas que recuerdan a la NX20, es más voluminosa que ésta, si bien el grosor del conjunto es posiblemente el aspecto que más se ha cuidado. ¿Por qué no se ha apostado por unas líneas más en consonancia con la reciente NX300? Después de todo, el tipo de usuario que se acerca a una cámara que tiene tanto de "gadget" como de de aparato fotográfico no suele ser muy amigo -si se nos permite el tópico- de ir con la mochila llena de trastos.
Estamos convencidos de que Samsung tendrá sus motivos, pero si se trata de destacar la parte buena, además de la citada empuñadura no podemos olvidarnos del visor electrónico integrado, que a primera vista -nunca mejor dicho- convence.
 
Sin botones

Pero si hay una cosa que sorprende de esta cámara antes incluso de leer la hoja de especificaciones, ésta es su pantalla táctil. Con nada menos que 4,8 pulgadas de diagonal, se convierte en la pantalla más grande jamás usada en una cámara de estas características. Esto, unido a su resolución de 1280 x 720 puntos, nos obliga a seguir al pie de la letra ese conocido consejo que invita a no fiarse demasiado de lo bonitas, saturadas y contrastadas que lucen las fotos en la cámara.




Pero, ¿hacía falta tanta pantalla? Tras pasar unos minutos jugando con la Galaxy NX, no estamos del todo convencidos de que haya primado el sentido común frente al titular. Estas enormes dimensiones arrastran al peso de la cámara, y suponemos que también pasarán factura en cuanto al precio del conjunto y el consumo de batería. Esa delgada línea entre lo grande y lo excesivo es a veces complicada de delimitar.
Lo que sí es cierto es que la pantalla es el elemento crucial de la Galaxy NX, porque a través de ella hay que gestionarlo todo. De hecho, el botón de encendido, otro pulsador para el vídeo y una rueda de control -demasiado suave en nuestra opinión- son los únicos mandos físicos de la cámara. Para el resto de controles ya tenemos la pantalla táctil.
Antes de que los más acostumbrados a los botones y los accesos directos se lleven las manos a la cabeza, hay que recordar que la mayoría de ópticas de Samsung incorporan el botón iFn, que permite acceder a algunas funciones. Algo es algo.
El sistema de menús y manejo en pantalla recuerda mucho a lo que ya vimos en la Galaxy Camera, incluidos esos curiosos menús circulares para los modos de trabajo manuales. En este caso, eso sí, disponemos del citado dial de la zona superior.

Rápida

La Galaxy NX cuenta con un procesador de cuatro núcleos y 1,6 GHz y otro motor de imagen dedicado exclusivamente al apartado fotográfico. Todo ello se traduce -por lo poco que hemos podido ver- en una agilidad notable en el funcionamiento general de la cámara y el disparo, con ráfagas de casi 9 fotogramas por segundo. Eso sí, igual que en la Galaxy Camera, la puesta en marcha desde cero implicará una pequeña espera mientras se carga el sistema operativo.
Buenas noticias también en cuanto a la velocidad del sistema de enfoque automático híbrido, que se ha comportado de una forma bastante prometedora. Teniendo presentes los resultados vistos en las últimas cámaras de Samsung, no parece que vaya a haber que preocuparse ni por este aspecto ni por la calidad de imagen de su CMOS de tamaño APS-C y 20 megapíxeles.
Puestos a lanzar voces de alarma, a priori preocupan más la batería, el precio -se escuchaba en algunos corrillos hablar de 1.500 euros, aunque confiamos en haber escuchado mal- y el ejercicio necesario para acostumbrarnos a su sistema de manejo y a esa pantalla tan grande que resulta casi imposible no tocar mientras sujetamos la cámara.



Puesto que estamos hablando de una cámara con Android (en su versión 4.2, concretamente), por supuesto disponemos de todas las funciones de este sistema operativo, así como el acceso a las aplicaciones de la tienda de Google Play. Por cierto, para pasar del modo de cámara a las funciones de esta Galaxy como tablet -no hay que olvidar que no es un teléfono- basta con desplazar el dedo por la pantalla de derecha a izquierda. Parece fácil, pero cuesta descubrirlo.
 
¿Galaxy o NX?

Exactamente igual que ocurrió con la Galaxy Camera, esta NX está llamada a ser el tema de debate durante los próximos meses. Es más, seguro que dedicaremos más tiempo a preguntarnos en alto si tiene sentido o es un simple golpe de efecto por parte de Samsung que a hablar de su rendimiento fotográfico.
Demasiado grande y con el peligro de que sea también demasiado cara, Samsung tiene un duro trabajo por delante para colocarla en el mercado y dar con los usuarios interesados en una cámara de altas prestaciones como ésta, pero con un plus de conectividad.
Y es que tras este primer y rápido contacto y a la espera de poder probarla en condiciones, a la larga lista de cuestiones sumamos una más: ¿es una NX que se ha convertido a Galaxy o simplemente una Galaxy venida a más y que sueña con ser NX? Puede que dé lo mismo el orden de los factores, pero tal vez no.
 

PHOTOSHOP CC

Piratas en la nube. El pasado martes Adobe lanzaba Photoshop CC. Aunque cuenta con un buen surtido de novedades respecto a la versión anterior, el mayor cambio -y el que más ha dado que hablar en las últimas semanas- es el nuevo modelo de negocio con el que Adobe vende su paquete de software: mediante una suscripción con una cuota mensual. Esta medida se ha tomado en parte para combatir la piratería. Pero tan sólo han sido necesarias unas pocas horas para que esta nueva versión de Photoshop ya se pudiera descargar ilegalmente desde un conocido sitio de archivos "torrent". Quienes lo han probado aseguran que es el programa de verdad, aunque éste sigue requiriendo de una conexión a Internet después de instalarlo para comprobar el estado de la correspondiente suscripción a Creative Cloud. En Fstoppers cuentan con más detalles. 



 

FOTOMETRO PARA IPHONE 5

Un fotómetro para el iPhone. ¿Habrían imaginado alguna vez en Apple que su smartphone llegaría a ser tan popular y que contaría con tantas aplicaciones y accesorios dedicados única y exclusivamente a la fotografía? En British Journal of Photography se hacen eco del fotómetro para el iPhone que los responsables de Lumu Labs pretenden lanzar una vez termine la campaña de financiación que han iniciado en Kickstarter. Según la empresa creadora, estamos ante el medidor de luz del siglo XXI. Sólo hay que conectarlo al teléfono para conseguir, junto con la correspondiente aplicación, una medición exacta de la luz disponible.

Lightroom 5 ya está aquí

Después de algo más de dos meses de beta pública, Lightroom 5 se lanza oficialmente al mercado por un precio de 127,92€ (149 dólares en su versión americana). Como aseguró Adobe hace un par de semanas, este programa se podrá seguir comprando de manera individual y, en consecuencia, no será necesario comprar el paquete de suscripción de Creative Cloud para usarlo.
Las principales novedades son:

• Pincel corrector avanzado. Especialmente pensado para eliminar imperfecciones o elementos no deseados en nuestras fotos. Aparte de cambiar de tamaño, es posible modificar el trazo, por lo que podremos corregir con mayor precisión.
• Upright. Sirve para enderezar las imágenes torcidas. La herramienta rastrea nuestras fotos en busca de líneas horizontales y verticales, y a partir de ahí comienza a enderezar.
• Degradado radial. Ideada para destacar zonas concretas de nuestras fotos. Permite incluir varios efectos de viñeta en una misma imagen.
• Previsualizaciones inteligentes. Esta herramienta nos permitirá editar imágenes sin tener la copia RAW en nuestro disco duro. Crea copias de tamaño reducido de las fotos originales y es en ellas en las que trabajaremos.
• Presentaciones de diapositivas de vídeo. Para enseñar nuestro trabajo, estas presentaciones nos permitirán incluir imágenes estáticas, vídeo y música.
• Creación de libros de fotos mejorada. Interesante para los fotógrafos que quieran publicar sus trabajos en libro. Habrá plantillas de serie para facilitar el proceso. ¿Qué os parecen las mejoras? Nosotros ya estamos probando esta nueva versión de Lightroom y en los próximos días os contaremos nuestras impresiones. Mientras tanto, no dudéis en compartir con nosotros vuestras impresiones.
  
  
  
   
  
  

Adobe presenta Photoshop Touch para iPhone y terminales con Android

Adobe es una de las compañías más importantes en el mundo de la edición digital de fotografías, por ende, también necesitan aggiornar sus productos a las necesidades de los consumidores. En febrero del año pasado, presentaron su producto Photoshop Touch, orientado a los usuarios de tabletas. Ahora, esta aplicación de Adobe recibe una interesante actualización, que permite que también pueda ser descargada por los usuarios de iPhone y terminales con Android.

Photoshop Touch nos permite usar gran parte de la batería de funciones de Photoshop, con una interfaz táctil a través de la cual tenemos que interactuar con las imágenes directamente con nuestros dedos, aprovechando al máximo las pantallas con las que vienen equipadas los nuevos móviles. Así, tenemos acceso en nuestro móvil a edición a través de capas, herramientas de selección, filtros, ajustes de tono, y ajustes de color, entre otras cosas.
Por supuesto, usamos la expresión “gran parte de las funciones” porque no se trata de una versión completa de Photoshop, sino limitada y optimizada para dispositivos como estos. Por ejemplo, las capas usadas por los fotógrafos pueden tener un tamaño de hasta 12 megapíxeles. Otra funcionalidad interesante de Photoshop Touch es su conectividad con la Creative Cloud de Adobe, una opción de almacenamiento en la nube para los usuarios de la marca.
En este sentido, Adobe busca avanzar un poco más y ponerse al tono con las épocas permitiendo que sus usuarios puedan tener acceso a sus productos desde cualquier dispositivo. Así es como apostaron fuerte a Creative Cloud, una herramienta lanzada junto a la versión CS6 el año pasado, que nos permite acceder a los principales programas de su Suite directamente desde internet. Photoshop Touch, por otra parte, es un producto interesante para desarrollar a futuro.
Estamos viendo algunos cambios interesantes por parte de Adobe, relacionados con su forma de hacer negocios. Por ejemplo, hace algunas semanas la compañía compró la red Behance, una plataforma donde miles de fotógrafos y diseñadores comparten su trabajo. También renovó algunos productos como Lightroom, y presentó una nueva versión de Photoshop Elements, más orientado a los fotógrafos principiantes que necesitan de una versión más liviana y simple de usar.

Desmintiendo los mitos de Adobe Creative Cloud

Hace algunos días, Adobe logró poner patas para arriba a la industria con un anuncio sorprendente, pero que también se podría haber vaticinado. Siguiendo la línea de la movida del software, la compañía anunció que su Creative Suite dejará de existir, mientras que todos sus servicios y aplicaciones pasarán a formar parte de Creative Cloud, una serie de servicios basados en la nube anunciados el año pasado. Con esto, lo que hace Adobe es cambiar el modelo de facturación de una forma inteligente (para ellos, no para nosotros). Hoy, vamos a encargarnos de despejar algunas dudas sobre la noticia, y hablar sobre los mitos de Creative Cloud que más tememos.
La orientación de esta novedad es eliminar la piratería de raíz. El cambio de Creative Suite a Creative Cloud está basado, básicamente, en cómo Adobe nos va a cobrar por usar sus programas. Antes, teníamos que comprar la licencia para poder usar el software. Ahora, vamos a tener que pagar un pase mensual para poder usar estos programas. La suscripción a Creative Cloud se renueva todos los meses, con costos variables que dependen de si somos o no usuarios previos de los productos de Adobe (y usuarios legales, claro está). No solamente es una movida para eliminar la piratería, sino también para abultar bolsillos. Pero veamos más de cerca los mitos de Creative Cloud.

1. Correr aplicaciones en un navegador

Cuando se nos habla de aplicaciones en la nube, automáticamente pensamos en tener que usarlas desde un navegador como Chrome y Firefox. Y con programas naturalmente pesados y demandantes como los que forman parte de la suite de Adobe, esto podría ser tenebroso. Sin embargo, desde Adobe se encargan de aclarar que no es el caso de Creative Cloud. Los usuarios de CC pueden descargar e instalar sus aplicaciones como siempre lo han hecho. Photoshop, Lightroom, Illustrator, todas estarán disponibles en nuestro disco duro, y no tendremos que usarlas desde internet. Lo que se relaciona con el segundo mito de Creative Cloud.

2. La conexión a internet

¿Vamos a tener que estar constantemente conectados para poder usar nuestros programas? No necesariamente. Y esto está relacionado con el punto anterior: los programas de Adobe se instalan en nuestro disco –o sea, no se accede a ellos a partir del éter de internet- y también se pueden correr de forma offline. Sin embargo, la conexión a internet sí será necesaria una vez por mes para poder renovar nuestra suscripción al servicio (es decir, para abrir la billetera). Si nos quedamos desconectados, buscando burlar al “sistema”, probablemente nos quedemos sin posibilidad de usar el programa. Pero si pagamos, no hay problema con usarlo de forma offline.

3. No se puede compartir archivos con personas que no tienen Creative Cloud

No necesariamente. Este nuevo mito de Creative Cloud indica que no podríamos compartir un archivo de Photoshop o de Illustrator, por ejemplo, si la persona a la que se lo enviamos no está suscrita a este nuevo modelo de negocios. Sin embargo, de acuerdo con Adobe cuando terminamos de trabajar en un archivo, podemos enviar el link a quien sea necesario, y ellos podrán ver el archivo en su navegador, aunque no tengan Creative Cloud o las aplicaciones de Adobe que son usadas para crear esos archivos.

4. Pérdida de acceso a los archivos cuando nos damos de baja

Esto tampoco es exactamente cierto, según Adobe. La idea de que dejamos de poder ver nuestros archivos cuando perdemos nuestra suscripción es otro de los grandes mitos de Creative Cloud. Sin embargo, lo que sucede cuando perdemos o abandonamos la suscripción es que ya no tenemos acceso a las aplicaciones. Los archivos se pueden seguir abriendo con versiones anteriores de los programas que tengamos en la computadora. En ese caso, es necesario que nuestros archivos se guarden en un formato compatible.

5. Siempre deberás corer la última versión del software

Adobe también se esfuerza en desmentir este mito. Como usuarios de Creative Cloud, no vamos a estar obligados a hacer todas las actualizaciones. Tenemos la elección de correr la versión del programa que queramos hasta que estemos listos para actualizar. Ponen énfasis en el hecho de que muchas veces sus clientes y proveedores no tienen acceso a las versiones más nuevas, y puede ser un lastre en la dinámica de trabajo. Sin embargo, atención: podemos seguir usando la versión vieja durante un año después de que es lanzada la nueva.
Por otro lado, Adobe también se encarga de desmentir una preocupación de muchos usuarios que tienen varios equipos. Por ejemplo, una de las preguntas es si debemos tener dos suscripciones si trabajamos por un lado con un ordenador Windows, y por el otro con un Mac. Esto no es cierto, dicen, y de hecho alaban al nuevo Creative Cloud como una forma de evitar los problemas de compatibilidad entre sistemas operativos. Con Creative Cloud se puede instalar el software en dos computadoras, una Mac y una Windows. Con esto, también se cargan a otro de los mitos de Creative Cloud.
 


 ¿Es una buena decisión hacer esto? La realidad es que para Adobe, sí. No es ningún secreto que están buscando deshacerse de los altos niveles de piratería que tienen sus productos. Con la instauración de Creative Cloud como reemplazo de su suite, lo que están haciendo es cambiar un modelo de negocio que les permitirá facturar todos los meses a la enorme cantidad de personas que, en el mundo, usan sus programas. Los piratas no podrán encontrar una forma de hacer bypass de esto, aunque la realidad es que también son bastante creativos… Veremos qué sucede en ese sentido una vez que el plan se lleve adelante.
El principal problema, creo, y en este sentido estoy de acuerdo con Andrés, es que no estamos en condiciones de ser los dueños del programa por el que estamos pagando. Ahora bien, no se trata de ser el dueño del programa en el mismo sentido que Adobe, sino de poder usarlo como más nos guste, y no tener que estar pendiente todos los meses de la cuenta. ¿Y qué sucederá con las empresas que deben utilizar adobe? ¿Qué tan exitoso podrá ser CC7 con toda esta mala prensa que están consiguiendo? Esa es otra de las cosas que sólo el tiempo dirá.

Photoshop CC: se podrá usar Camera Raw como filtro

Una de las novedades más controversiales de 2013, aún cuando el año todavía no ha llegado a su mitad, es la decisión de Adobe de mudar su suite a la nube. En lugar de tener una Creative Suite, vamos a tener una Creative Cloud, con una suscripción renovable para usar los programas –y, de esa forma, reducir la piratería-. Adobe se encargó de desmentir algunos de los mitos más importantes de Creative Cloud, y encontramos que hay quizás algunos beneficios en el uso de esta modalidad. Por ejemplo, la posibilidad de usar Camera Raw como un filtro de Photoshop CC.

Hasta ahora, los ajustes que podíamos realizar con Camera Raw se podían hacer dentro de este software, en el cual no podemos usar cualquier tipo de imágenes. Dentro de Photoshop CC, una de las adiciones más interesantes permitirá que podamos usar Camera Raw como un filtro de Photoshop en cualquier imagen, de forma simple, como si se tratase de cualquier otro filtro.
Y de hecho, por lo que podemos ver en este video, no es mentira que será muy fácil (aunque habrá que verlo en acción, por supuesto):




En Photoshop CC, Camera Raw se convierte en filtro, lo que quiere decir que vamos a poder usar este programa dentro de Photoshop, en cualquier imagen. Podemos agregar claridad, usar Post Crop Vignette, agregar granulado, distorsiones, y mucho más.
Básicamente, se trata de poder usar Camera Raw dentro de Photoshop, aunque lo usemos como un filtro inteligente, lo que además quiere decir que no nos encontraremos con limitaciones, podremos aprovechar el potencial de los dos.
En mayo de este año, Adobe anunció que no habría una salida de su suite CS7, sino que, al contrario, haría disponible sus programas de forma online a través de la metodología de Creative Suite. En aras de deshacerse de la piratería, ahora vamos a tener que abonar una suscripción mensual para poder continuar usando los programas –es decir, si no pagamos una vez por mes, no vamos a poder usarlos más-.
Lo que no quiere decir que dejarán de funcionar las versiones anteriores, pero quizás nos perdemos de algunas cosas importantes, como la que nos permite usar Camera Raw como un filtro de Photoshop, o la posibilidad de milagrosamente corregir fotografías borrosas a través de Shake Reduction.
¿Bueno, malo? Honestamente no le veo la gracia. Suficiente con que tenemos que tenerlo en la nube. Es controversial, por decir algo mínimo, y aunque podamos usar Camera Raw (que ya podemos usar por separado y no tiene nada de malo) no justifica todo el lío.

Génesis, la vuelta de Sebastiao Salgado

Un nuevo libro de Sebastiao Salgado es una noticia excelente para el mundo de la fotografía. Es uno de los fotógrafos más mediáticos de los últimos años. Sus libros son ensayos definitivos sobre los temas que tocan. Y el último es una nuevo toque de atención a la humanidad: Génesis.

Su nuevo libro, publicado en España por la editorial Taschen, es de nuevo un golpe para las conciencias de todos los que se atrevan a ver sus fotos. Pero, al menos visualmente, no es tan duro como sus dos trabajos más conocidos: Trabajadores (1993) y Éxodos (2000), que le dejaron extenuado.
Trabajadores y Éxodos nos cuentan el lado más oscuro del planeta Tierra, este insignificante punto azul en el espacio que, según podemos ver en ambos libros, es capaz de recoger las situaciones más duras que un ser humano puede aguantar. De hecho, antes de verlos, la gran mayoría desconocía semejantes atrocidades. Lo más curioso de todo es que son trabajos hermosísimos. El horror nunca había parecido tan hermoso.
Esta paradoja, es el principal argumento para desacreditar el trabajo del economista brasileño, pues esa es su formación. Muchos ven demasiada belleza en sus fotografías. Parece que está esperando una mueca de dolor, un gesto de cansancio que combine bien con la luz y la composición del momento y crear un momento único, a pesar de todo.



 







Pero detrás de sus fotografías no existe la frivolidad de algunos turistas y fotógrafos sin escrúpulos. Toda su obra es fruto de un trabajo exhaustivo de recopilación de datos, lugares y situaciones para comunicar al futuro espectador, nosotros, la situación real de la sociedad. Tiene muy clara la finalidad de todo el proceso: que al final, a cada uno de nosotros nos quedé un poso de solidaridad y conciencia para cambiar el mundo. El ve el mundo en términos económicos, y sabe que la suma es la única forma de conseguir más soluciones para un mundo que se desmorona.
Tiene una forma muy peculiar de ver la fotografía, y algunos pueden verla hasta fría, pero no podemos olvidar sus orígenes y sus estudios. Es triste, pero en un mundo como el actual es verdad. Así que los románticos no leáis esta declaración de Sebastiao Salgado, que nos descubrió José Manuel Navia:
Por eso no se puede pensar que hace fotografías sin pensar, a la ligera, por frivolidad. Son fruto de un trabajo agotador que muchas veces le han llevado al límite, como ha ocurrido también en este caso, con su último libro. Génesis nació gracias al descanso que tuvo que tomar después del agotador proyecto Éxodos, que le dejó sin energías y sin fe en el futuro.

Dicho descanso lo tomó en una antigua hacienda de su familia en Brasil. Era terreno robado a la selva para el ganado y estaba destrozado. Junto con su mujer, verdadero pilar de su vida, decidieron reforestar el terreno, pero con muy pocas esperanzas. La sorpresa fue descubrir que en pocos años volvieron los animales a ocupar el terreno que se les había robado en nombre del progreso. Esto les hizo plantearse varias cosas, como lo delicado que es mantener el equilibro en la tierra y la fuerza arrolladora de la naturaleza. Por eso, decidieron embarcarse en este proyecto que ahora ve la luz en forma de libro y una exposición itinerante por todo el mundo.

El libro tiene más de 500 páginas, mide 24x35 cm y es una continua invitación a la observación. Además tiene el aliciente, para algunos forofos de la tecnología, de representar el cambio del mundo químico al digital por parte del autor. Es la primera vez que Salgado hace fotos con una cámara digital, y lo maravilloso es que no se nota. Es una de las pruebas más claras para el gran público de que lo importante es el fotógrafo, no la cámara que se use.
A lo largo del libro, y acompañado por un libreto con 17 páginas (no hay nada más cómodo para dar todo el protagonismo a las fotografías y poder leer por separado toda su descripción) descubrimos los últimos lugares y las últimas tribus que todavía no han sido contaminadas por el hombre destructor del siglo XX:
De nuevo nos encontramos ante un libro necesario, un imprescindible para la biblioteca que todo fotógrafo debe tener. Son fotos de la naturaleza virgen. No son fotos perfectas, son fotos reales en el blanco y negro, marca de la casa, de Salgado. Ese blanco y negro que a muchos nos hizo comprar rollos y rollos de TRi-X para intentar emularle hasta que nos enteramos de que tenía un laboratorio en París que sólo hacía sus copias con objetivos especiales para grandes ampliaciones.

Lo curioso de este trabajo es que empezó y terminó sin Leica, la marca fetiche del fotógrafo brasileño. Las fotos de este proyecto son disparos con una Pentax 645, de formato medio. Y justo cuando los grandes fabricantes abandonan el soporte de plata o desaparecen, y por culpa de los controles de los aeropuertos está a punto de abandonar el proyecto (le velaron algunos rollos), aparece el mundo digital ante él, en la forma de un Pentax 645D y una Canon EOS 1Ds MarkIII. 
Y lo curioso es que esta historia es la que menos importa. La tecnología pierde protagonismo cuando las fotografías hablan por sí solas. Así que recomiendo comprarlo, ir a casa, sentarse en nuestro sillón favorito y disfrutar y concienciarse con esta joya con forma de libro. La fotografía habla.

Canon EF 8-15 mm f/4L Ojo de pez USM

Objetivo nuevo de verdad y según dice el fabricante es el primer ojo de pez zoom de la historia. Su rango focal entre 8 y 15 milímetros permite tomar desde fotografías circulares completas, en una cámara de sensor completo y a 8 mm, hasta fotografías con efecto de ojo de pez pero exentas de viñeteo, combinando por ejemplo una focal de 15 mm con cámaras full frame y una focal más abierta con cámaras con factor de recorte.

Entre sus características más destacables está la abertura constante de f:4 en toda la gama de zoom y el motor USM, aunque este último no sería tan necesario en un objetivo que cuenta con una profundidad de campo tan grande que apenas necesista moverse un pelo para enfocar.

Uno de los aspectos más complejos de resolver en este tipo de objetivos suelen ser las aberraciones cromáticas y deformaciones de los bordes y los incómodos reflejos que se forman con fuentes de luz puntuales.
Para resolverlo Canon introduce dos lentes especiales, una asférica y otra de ultra baja dispersión, así como tratamientos especiales antireflejos en todos los elementos ópticos del objetivo. Habrá que ver fotos en diferentes condiciones para ver que tal los resuelve.
Todavía no hay precio oficial para este objetivo, pero se especula con que puede estar rondando los 1.400 Euros.

Shirin Neshat (1957, Irán) puede que no sea una fotógrafa conocida por el gran público, pero muchas de sus fotografías forman ya parte del imaginario colectivo. Son las fotografías de mujeres con el rostro surcado por miles de frases escritas con la bella caligrafía oriental. Creo que es una de las imágenes más copiadas desde la década de los 90, cuando Shirin Neshat creó la serie original que tanta fama y nombre le dio.

La exposición que podemos disfrutar estos días en Madrid hasta el 1 de septiembre de 2013 tiene por nombre Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo. Es una nueva visión del personal trabajo de la artista, gracias al trabajo de Octavio Zaya, uno de los mejores comisarios, o curadores, como se dice en América Latina. Podemos ver dos vídeos y unas veinte fotografías de gran formato de sus series Rapture, Tooba, Mujeres de Ala y El libro de los reyes que podemos ver por primera vez en esa exposición.
En 1974 se fue a los Estados Unidos a estudiar Arte, pero ya no pudo volver a sus país hasta los años 90, por culpa de la revolución que transformó profundamente su país. Los cambios tan drásticos que sufrió su tierra le impulsaron a crear su personal estilo que le ha convertido en una de las creadoras más respetadas del siglo que vivimos. Es una defensora de la mujer islámica en general, e iraní en particular. Una mujer oprimida e invisible en una sociedad que vive en el pasado y que poco tiene que ver con el mundo persa del que proceden. Aunque también tiene que luchar con los prejuicios occidentales.
¿Y cómo comunicar todos esos sentimientos a través de la imagen? Shirin Neshat lo tuvo claro. Como ella mismo dice, la sensación que tuvo al volver a entrar en su tierra fue que el color se había ido. Su país era otra cosa que nunca había visto en ningún lugar. No podía ni haberlo imaginado. Por eso ha creado un mundo lleno de múltiples lecturas, unas más evidentes para un espectador poco atento, y otras más profundas, simbólicas y filosóficas para alguien que sepa el código del mundo iraní. Es decir, que muchos seremos incapaces de ver todas las lecturas, pero siempre tendremos una visión general de dicha problemática.
Ella se sirve de la imagen, ya sea fotográfica o a 25 fotogramas por segundo. Lo importante para ella es expresar y comunicarse como sea. Su mensaje ha llegado tan lejos, que ha recibido importantes premios en el ámbito de la cinematografía, como el León de Plata a la mejor directora en el festival de cine de Venecia por Mujeres sin hombres.
Por todos estos motivos es necesario ver esta exposición de una mujer iraní que vive toda su niñez y adolescencia en el Irán del Shah, que viaja a Occidente para formarse como artista y descubre la quintaesencia del capitalismo y el individualismo en los Estados Unidos, y que cuando vuelve a la tierra de sus ancestros decide dar un giro a su vocación artística (hasta entonces dirigía una galería de arte) y convertirse en uno de los estandartes de la denuncia de una sociedad que oprime a la mujer hasta límites absurdos, como tener prohibida la música.
La sala permanece oscura, con un montaje que nada tiene que ver con la luminosidad de la anterior retrospectiva que vimos en el mismo lugar, la de Virxilio Vieitez. En las fotografías domina el blanco y negro, con las mujeres cubiertas de palabras y escondidas bajo el velo. Pero también podemos disfrutar de un color sosegado, apenas el rojo de la sangre, en la última serie basada en el Libro de los Reyes persa, donde se cuenta la lucha entre el bien y el mal, y escrito en el año 977. Es la historia mitológica de Irán. Además es la primera vez en diez años que se expresa de nuevo con una cámara fotográfica.
Es una de las exposiciones estrella de PhotoEspaña y puede que no acuda el público en masa, pero los que vayan podrán sentir todo el mundo interior de Shirin Neshat.

Usa dos flashes para congelar el movimiento de una acción

 (A) dos flashes de dos cabezales ,
  (B) con sus respectivos beauty dishes y grids,
  (C) y sus fuentes de energía.
  (D) Usó dos reflectores frontales,
  (E) y un fondo negro.
  (F) Un ventilador industrial a la máxima potencia levantó el pelo de la modelo.
  (G) Usó una cámara Phase One P65+ con un lente Phase One 110mm f/2.8 AFD, y
  (H) a través de tethering conectó su cámara a la computadora.


Tim Tadder es uno de los fotógrafos de publicidad más requerido en los Estados Unidos. Su carrera está fundamentada en un pequeño truco muy interesante que compartió a través de Pop Photo, y que replicamos para ustedes. Este truco consiste en congelar la acción, ya sea la de una modelo sacudiendo el pelo (que veremos a continuación) o la de cualquier otra cosa que esté en movimiento. La captura fantástica de todo el pelo de la modelo Sara Hansen se logró gracias al uso de dos luces estroboscópicas. Ahora veremos cómo usar dos flashes para capturar movimiento gracias a los consejos de Tim Tadder.
Tadder usa un aparato particular llamado bi-tubes, que se diferencian del resto de las luces del estudio en el sentido en que tienen dos flashes y dos cables por cabeza. El dispositivo en particular usado por Tadder está producido por Profoto, y son tubos en forma de U que tienen una fuente de energía particular cada uno. Gracias a esto, Tadder pudo tener duraciones más cortas de flash, que no podrían haber sido una realidad con un único tubo produciendo la misma cantidad de luz.
Para poder conseguir la nitidez que se ve en la fotografía, donde el pelo está completamente detallado pero también podemos percibir el movimiento, Tadder necesitó el poder de exposiciones de flash muy cortas, que le permitieron congelar el movimiento. Esta cualidad de “congelado”, el propósito de usar dos flashes para capturar movimiento, es lo que logra que la fotografía sea tan impactante. Su creador, Tadder, simplemente no quería nada de desenfoque en la sección del pelo, y logró una fotografía espectacular con su técnica.
Al tener dos fuentes de energía por cabeza, Tadder pudo producir el doble de luz, 4800 watts por segundo, más que lo que podría haber obtenido usando un único flash con la misma potencia. Sin embargo, no necesitaba tanta luz. Modificó el resultado con un beauty dish y un grid o rejilla, y usó reflectores adicionales. El efecto de movimiento del pelo no está logrado simplemente por mover la cabeza, sino que Tadder se ayudó con un ventilador.
En primer lugar, Tadder aconseja usar un ventilador industrial. El que probablemente tenemos en casa para los meses de verano no será tan potente. Este tipo de ventiladores se puede alquilar, y tiene que configurarse a la máxima potencia. El ventilador debería tener el poderío suficiente para suspender el cabello de la modelo por un par de segundos, suficiente tiempo para tomar la fotografía. Hablando de pelo, el fotógrafo también aconseja usar la menor cantidad de producto, para que no sea tan pesada la cabellera.
Por otro lado, Tadder afirma que la modelo debería quedarse lo más quieta posible, aunque el resultado de la imagen indique otra cosa. En primer lugar, porque ya tenemos al ventilador haciendo el trabajo por nosotros. En segundo lugar, sería aún más complicado obtener ese movimiento. Y finalmente, porque la modelo podría lastimarse el cuello. Último consejo, que parece una obviedad pero vale la pena aclararlo para usar dos flashes para capturar movimiento: que la modelo tenga mucho pelo.
Para poder suspender el pelo de la modelo, Tadder la iluminó con estos

100 FOTOGRAFIAS...

11. Agustí Centelles

 

Agustí Centelles i Ossó (Valencia, 1909 – Barcelona, 1 de diciembre de 1985), fue un fotógrafo español, catalán-valenciano, que vivió en Cataluña desde temprana edad. Está considerado uno de los iniciadores del fotoperiodismo en España y algunos han llegado a denominarle el Robert Capa catalán.

12. Alberto García-Alix

 

Alberto García-Alix (n. León, 1956) es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999, García-Alix expuso por primera vez en la Galería Buades en 1981- Las instantáneas de García-Alix son siempre directas y frontales, tanto que el propio autor define su trabajo como el de un...

13. Ansel Adams

 

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme... 

  

14. Man Ray

 Man Ray, nacido Emmanuel Rudzitsky, (Filadelfia, Estados Unidos; 27 de agosto de 1890 - París; 18 de noviembre de 1976) fue un artista estadounidense impulsor de los movimientos dadá y surrealista en Estados Unidos. Fotografía: LES LARMES MAN RAY 1932

15. Zena Holloway

 

Erik Johansson es un fotógrafo y retocador oriundo de Suecia y establecido en Berlin, Alemania. Sus principales influencias son pintores de la talla de Dali y Escher lo cual probablemente explique el tipo de fotografía que realice. Su porfolio es una perfecta colección de lo bizarro y lo... 

 

17. Edward Sheriff Curtis

 

Edward Sheriff Curtis (1858 - 1952) fue un fotógrafo estadounidense. Durante su juventud se dedicó a realizar retratos y paisajes y llegó a ser propietario de un estudio fotográfico en Seattle. En 1899 participa como fotógrafo en una expedición a Alaska y en 1900 viaja a Montana para... 

 

18. Robert Frank

 

Robert Frank, nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Su trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influido por el periodo de la post...

 

 19. Edward Steichen

 

Artista, visionario, fotógrafo, científico, jardinero, reportero, conservador de museos, divulgador de artistas, pintor… Realmente es imposible encerrar en una palabra la poliédrica personalidad de Steichen. Nacido en Luxemburgo en 1.879, este hombre de las mil y una vidas emigró de niño con su... 

 

 20. Kevin Carter

 

Kevin Carter (*13 de septiembre de 1960; Johannesburgo - 27 de julio de 1994; Johannesburgo) fue un reportero gráfico sudafricano, miembro del Bang-Bang Club, que ganó un Pulitzer en 1994 por fotografiar un niño sudanés famélico con un buitre detrás.

Leica X Vario

Hace algo más de dos semanas Leica prometió una Mini M como parte de la misteriosa campaña de lanzamiento de una nueva cámara. La denominación elegida para rebautizar provisionalmente otros modelos (hasta las D-Lux se habían convertido en M) ya hacía suponer que había algo de metáfora en todo aquello, y las apuestas se dispararon.
Una compacta con sensor de formato completo, aventuraban algunos mientras apuntaban -con buen criterio- que el sensor y la óptica Leica ya los tenía y sólo faltaba unirlos. Una Leica M más pequeña y asequible, defendían otros tomándose al pie de la letra lo de Mini M.
Con este telón de fondo no es de extrañar que la ya oficial X Vario haya sabido a poco para la mayoría. Ni es muy pequeña ni, sobre todo, tiene mucho que ver con la mítica saga M. Pese a ello, hay que reconocerle el mérito: estamos ante la primera compacta que se atreve a combinar un sensor de tamaño APS-C con un zoom.
Pero la teoría ya nos la sabemos, así que tras conseguir una unidad de este recién estrenado modelo hemos tenido la oportunidad de convivir con él durante unas horas. Pocas, la verdad, pero suficientes para hacernos una idea bastante precisa de lo que ofrece -y lo que no- esta compacta de 2.400 euros, que de entrada tiene muchas papeletas para ser una de las cámaras más polémicas y criticadas del año. 

Diseño X 

¿Qué es la Leica X Vario? Muy sencillo: una X2 con zoom. Por mucho que desde la firma alemana se apele al espíritu de las M, el diseño, la ergonomía y las líneas son en realidad calcadas a las de la citada X2, aunque ahora con el añadido de un objetivo de focal variable.
Algo que, por cierto, no es ni mucho menos una mala noticia. De hecho, la X Vario está muy bien construida, y entre las manos la sensación de robustez y calidad es evidente. Aunque seguro que algunos seguirán echando de menos una empuñadura -que se puede adquirir aparte-, el objetivo se convierte en un excelente punto de apoyo para sujetar la cámara.
Igual que en las anteriores X, este modelo dispone de una rueda para las velocidades y otra para el diafragma, con tercios de paso y giro libre. Dejando a un lado que algunos preferirían -nosotros mismos, sin ir más lejos- un anillo alrededor de la óptica, este giro sin tope unido al pequeño retardo de la cámara al dar información en pantalla sobre el diafragma escogido es uno de esos detalles que podría mejorarse. 
 
Por lo demás, la idea es la misma: pocos botones, ninguna opción de configuración de los mandos, menús muy austeros… En resumidas cuentas, una de esas cámaras que pretende centrar toda la atención en la toma de la imagen, no en su manejo y sus opciones.
Algo que llega a funcionar, aunque lógicamente hay que adaptarse a esta idiosincrasia hasta que resulte realmente ágil. Sin embargo, otros detalles resultan inexplicablemente enrevesados, como cambiar el punto de foco, para lo cual es necesario mantener pulsado el botón de la fila izquierda y luego desplazarlo con el cursor de la derecha. 

Poco zoom, poca luminosidad 
Sin duda alguna, el zoom óptico de 3x es la pieza clave de este modelo y el detalle que justifica su lanzamiento. Un objetivo Leica Vario Elmar de 18-46 milímetros que rinde unas focales equivalentes a 28-70 milímetros en paso universal. ¿Sólo? Sí, pero hay que tener en cuenta que el área del sensor a cubrir es considerable y que, además de las complicaciones ópticas que ello supone, también tiene un efecto directo en el tamaño de la óptica.

Cabe suponer por tanto que los ingenieros de Leica han buscado un punto de equilibrio entre tamaño de la cámara y rango focal. Exactamente lo mismo ocurre al hablar de uno de los puntos más criticados de la cámara: la escasa luminosidad del zoom.
Y es que, acostumbrados a compactas con ópticas de f2 o 2.8, la relación de diafragmas de f3.2-6.4 que ofrece esta X Vario sabe a muy poco. O a poquísimo cuando recordamos el precio que hay que pagar por ella. Pero una vez más, y puestos a hacer de abogados del diablo, ese CMOS de tamaño APS-C conlleva ciertas renuncias. 


¿Se podría haber construido un zoom más luminoso? Posiblemente, pero habría sido más grande y seguro que más caro. Y puede que, en el camino, se hubiese perdido algo de calidad óptica.
Porque, eso sí, viendo los resultados, por lo menos hay que reconocer que el rendimiento del zoom es excelente desde su máxima apertura. Tampoco es que sea mucho decir que un objetivo ya responde con solvencia a f3.2 (mucho menos a f6.4), pero al menos en este sentido, y tras ver las fotos realizadas con la cámara, no tenemos ninguna queja al respecto.
De hecho, el único punto en el que la óptica flojea es al cerrar más allá de f11 (el zoom llega a f16), porque por debajo el rendimiento es muy estable incluso acercando la lupa a las esquinas de la imagen. Respecto al desenfoque que se puede conseguir, sin ser éste muy acusado, el tamaño del sensor pone su granito de arena en este sentido.

Buena nota también para la distorsión geométrica, sólo apreciable en la posición angular y en las esquinas de la imagen cuando tenemos alguna línea en los bordes de la escena. Las aberraciones cromáticas y los reflejos tampoco son un problema -alguno hemos visto en situaciones de contraluces o luces laterales potentes-, y el viñeteo también es casi inexistente en la máxima apertura.
En resumidas cuentas, lo que ya imaginábamos: una óptica corta y poco luminosa, pero que dentro de sus limitaciones se comporta de forma excelente. 

Enfocando


Menos entusiasmados estamos con el enfoque de la cámara. No es que el sistema automático funcione mal, pero está lejos de ser de los más rápidos de su clase. Con buena luz no nos encontraremos con problemas -ojo, la distancia mínima es de 30 centímetros para la focal más larga-, pero cuando la luz cae las dudas del mecanismo se multiplican.
Por poner un ejemplo, en las tomas dentro de la iglesia de Santa Maria del Mar en Barcelona y con luz bastante escasa ha habido momentos en los que, sin la luz de ayuda al enfoque activada, la cámara no acababa de dar con un punto de foco.
En estos casos siempre se puede optar por el enfoque manual. La X Vario dispone de un anillo de enfoque de generosas dimensiones -sobre todo comparado con el del zoom-, que además integra el mecanismo para pasar del modo automático al manual.
Una buena idea, aunque es verdad que unas cuantas veces nos hemos equivocado de anillo y al intentar cambiar la focal hemos acabado activando el enfoque manual. Al hacerlo, el sistema de ayuda amplía la parte central de la imagen para facilitar esta labor.
Dos críticas más: la dureza de ambos anillos es excesiva y el tiempo de puesta en marcha de la cámara es también claramente mejorable. 

Samgung confirma la inminente llegada de una cámara de óptica intercambiable con Android

Tras la Galaxy Camera y el reciente Galaxy S4 zoom, ahora es el turno del sistema sin espejo NX de Samsung, que también se prepara para dar el salto a Android y desdibujar un poco más la frontera entre el escaparate fotográfico y los smartphones.
Aunque las imágenes filtradas de una futura Galaxy NX ya suponen una pista más que evidente sobre los planes de la compañía, el propio presidente de Samsung, Shin Jong-kiun, ha confirmado esta hoja de ruta al diario The Korea Times: será el próximo día 20 de junio cuando vea la luz esta cámara de óptica intercambiable y con sistema operativo Android.

Aunque poco más se sabe por ahora de este modelo, las imágenes filtradas hacen pensar en una suerte de versión de la NX20 pero con una pantalla de mayores dimensiones (se habla de 4,2 pulgadas) armada con el sistema operativo de Google y supuestamente con conexión 3G.

Samyang promete un 16 mm f2 y un 300 mm f6.3 para cámaras con sensor APS-C

Según la información publicada, el nuevo 16 mm f2 cuenta con una estructura de 13 elementos organizados en 11 grupos, ofrece una cobertura equivalente a unos 24 milímetros y su precio rondará los 400 euros. Estará disponible para las principales monturas de cámaras réflex, así como para sistemas sin espejo.
El 300 mm f6.3, por su parte, apuesta por un esquema de tipo réflex que le permite presumir de unas dimensiones muy comedidas para tratarse de un teleobjetivo que ofrecerá una focal equivalente a 450 milímetros.






Disponible también en julio por algo más de 430 euros, a diferencia del 16 mm f2 en este caso sólo estará disponible para los sistemas sin espejo Canon EOS M, Fujifilm X, Sony E y Micro Cuatro Tercios. 

 

La fotografía no siempre se consideró un arte. La aceptación de la fotografía como arte fue muy discutida y comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como sustituto del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato.

La fotografía, a diferencia de otras actividades artísticas como la música, pintura, etc, es totalmente asequible para todos. La afición a la fotografía es cada día mayor. Ha habido grandes fotógrafos en la historia, que han contribuido en buena medida a lograr que la fotografía sea considerada un arte, cuál consideras que ha sido el mejor de la historia?

  




1. Martín Chambi

Martín Chambi Jiménez (n. Puno, Perú 5 de noviembre de 1891- † m. 13 de septiembre de 1973) fue un fotógrafo indígena nacido en Coaza, Provincia de Carabaya, al norte del Lago Titicaca, en el Perú, pero encontró en el Cusco más de un motivo para grabar sus imágenes en el corazón de su cámara...  

 

 

 

 

     

2. Henri Cartier-Bresson

(22-8-1908 al 3-8-2004). Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo...

 

 

 

 

      

3. Sebastião SalgadoSebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido en Aimorés, Minas Gerais, en 1944. Recibió en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Fotografía: minas de oro de Serra Pelada en Brasil. 1986. Fecha de nacimiento: 8 de febrero de 1944 

 

    

4. Dorothea Lange

 Dorothea Lange (25 de mayo de 1895, Hoboken, EE. UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE. UU.) fue una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las... 

 

    

5. Francesc Català Roca 

Francesc Català Roca (Valls, Tarragona, 19 de marzo de 1922 - Barcelona, 5 de marzo de 1998) fue un fotógrafo español. Su fotografía se caracterizó por la búsqueda de puntos de vista originales y por buscar siempre el ambiente humano. Era hijo del también fotógrafo Pere Català i Pic que fue...

 

     

6. Joe Rosenthal

 Joe Rosenthal (*Washington, 9 de octubre de 1911 - † 20 de agosto de 2006) fue un fotógrafo estadounidense. Rosenthal inició sus trabajos en un periódico de San Francisco en 1930 y en 1932 comenzó en el San Francisco News como reportero y fotógrafo. Posteriormente trabajaría para diversos...

 

    

7. Chema Madoz 

Nacido en Madrid en 1958, estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid y Fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. Galardonado con el Premio Nacional de Fotografía (2000). Realizó su primera exposición individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid (1985) a la...

 

    

8. Cristina García Rodero

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 14 de octubre de 1949) es una fotógrafa española. Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una... 

    

9. Robert Doisneau

 Gentilly, cerca de París, 14 de abril de 1912 - París, 1 de abril de 1994) fue un fotógrafo francés. Recibió la formación de grabador litográfico y tipógrafo en París. En 1929 comienza a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las... 

 

    

10. Steve McCurry

Steve McCurry (24 de febrero de 1950) es un foto periodista estadounidense, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía La niña afgana, aparecida en la revista National Geographic en 1985. Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán (1978-1992). También ha cubierto... 

Es por ello que comparto 10 frases de grandes fotógrafos para reflexionar y consideres la próxima vez que presiones el disparador de tu cámara:

1. No tomas una fotografía, la haces - Ansel Adams
2.  Siempre estoy fotografiándolo todo mentalmente para practicar. Minor White.
3. Si tus fotografías no son buenas es porque no te acercaste lo suficiente. Robert Capa.
4. Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás. Robert Frank.
5. Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje. Henry Cartier-Bresson.
6. Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Steve McCurry.
7. ¿Cuál de mis fotos es mi fotografía preferida? Una que voy a hacer mañana – Imogen Cunningham.
8. Tus primeras 10.000 fotos serán tus peores fotos”– Henri Cartier-Bresson.
9. Siempre pensé que las buenas fotos son como las buenas bromas, si se tienen que explicar es que no eran tan buenas – Anónimo.
10. Tienes que exigirte mas a ti mismo. Tienes que empezar a buscar imágenes que nadie mas podría tomar. Debes usar las herramientas de que dispones y probarlas mas en profundidad – William Albert Allard.
    
    
    Espero que te ayuden en tu fotografía diaria y continúen fotografiando todo. Recuden siempre buscar aprender algo nuevo, en verdad que en la fotografía y en todas las artes aprendes algo nuevo todos los días.

El grafeno llegará a los sensores fotográficos dejando obsoleto al flash

El grafeno, esa sustancia de carbono puro que supera al diamante en muchos aspectos y que no tiene su elevado precio llegará a los sensores de nuestras cámaras fotográficas. Al igual que en otros sectores, en fotografía tendrá numerosas ventajas como el hecho de que los sensores fabricados con este material, tendrán 1000 veces más sensibilidad que los actuales lo que supone que no será necesario utilizar el flash. Si estáis pensando que de poco sirve tener mucha sensibilidad si el ruido estropea las fotos, dejad de hacerlo. Los sensores de grafeno no generarán ruido por lo que el flash también se queda a un lado en la fotografía de alta velocidad. Esa revolución que está causando el grafeno por superar al dimante a un precio muy inferior también se podría aplicar aquí puesto que la fabricación de estos sensores será más barata que la de los actuales. Otra cosa es que aprovechando la sofisticación de la tecnología, la novedad y nuestro desconocimiento, lo encarezcan.

 



  Con estos sensores ya no merece la pena seguir enfocando el desarrollo en el ISO puesto que no llegaremos a usar ni el 5% de la capacidad de estos sensores. Usar más sería tener fotografías totalmente blancas. Esperemos que los fabricantes no quieran lucrarse en exceso y permitan que esta fotografía de alto rendimiento se acerque al usuario medio aprovechando su menos costosa fabricación. Por cierto, debemos el desarrollo de estos sensores a la Nanyang Technological University (NTU) de Singapur (concretamente por el profesor Wang Qijie).

No habrá Photoshop CS7, el pago por suscripción y la Creative Cloud son la apuesta de Adobe

Ayer la gente de Adobe sorprendía con la noticia de que la conocida Creative Suite (o CS para los amigos) llegará a su fin con la próxima versión, que en vez de Photoshop CS7 (en nuestro caso) será Photoshop CC (Creative Suite). La Creative Suite ya fue presentada el año pasado pero lo hizo como opción alternativa a la compra de la licencia. Era más económica para aquellos que no iban a utilizar esa versión para toda la vida o para los que iban a hacer un uso pasajero de software Adobe.

Sin embargo, ahora llega para quedarse y lo hace sin otra opción. ¿Es una lucha de Adobe contra la piratería que ha permitido todo este tiempo? Solo ellos lo saben. La cuota de suscripción a una sola aplicación será de 25 euros al mes de forma aproximada y a la Cloud completa de cerca de 60 euros al mes. De forma adicional, los ya clientes de Adobe recibirán un descuento que dejará toda la Cloud a 37 euros al mes. Tened cuidado, las suscripciones completa y especial requieren un compromiso anual.

Los archivos se podrán almacenar en la nube y sincronizar entre equipos o trabajar de forma colaborativa entre varios usuarios con las mismas imágenes. Además, si le aplicas unos ajustes a una herramienta, también se aplicarán en tus otros equipos sincronizados. También contarás con un centro de control en Adobe en el que gestionar tus servicios y publicar algunos de tus trabajos.


 

Rompiendo mitos.

  Esta lista quizá se actualice pero hay cosas que resultan bastante confusas y quiero aclararlas:

 

• Lo de "Cloud" es solo con los archivos y ajustes, la Creative Cloud se seguirá ejecutando desde tu ordenador, consumiendo sus recursos. Lo único que cambiará es que algunas cosas se sincronizarán si tú así lo quieres. Se han escuchado rumores de que se ejecutaría en el navegador. Aún no tenemos una tecnología que soporte eso a gran escala. Los tiempos de latencia serían muy grandes. 
• No habrá que estar siempre conectado a Internet puesto que basta con hacerlo una vez cada 30 días para verificar tu suscripción. Si no pudieses, la aplicación seguirá funcionando hasta 180 días.
•   Todo esto se hará efectivo en junio de este año 2013. Tanto los nuevos servicios como el lanzamiento de las aplicaciones, entre ellas Photoshop CC. 
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Cómo Aprovechar el Atardecer

 Sombras Más Alargadas
Iluminar no es tarea fácil, menos aún si la iluminación que queremos usar no es artificial y por lo tanto, no podemos controlarla del todo. Uno de los principales problemas de este tipo de iluminación es la aparición de sombras no deseadas que pueden dejar parte de nuestro sujeto completamente oscuro y sin detalle.
Sin embargo, siempre hay trucos para evitar estas molestas sombras: cambiar la posición del sujeto o utilizar un reflector, por ejemplo. Durante el atardecer, el sol está cada vez más bajo y por lo tanto, las sombras que los sujetos proyectan son cada vez más largas (sí, ¡esto también pasa al amanecer!). Podríamos decir que estas sombras proyectadas tienen más personalidad, son especiales a nivel visual y nos pueden dar muchísimo juego fotográfico si intentamos incluirlas en nuestras composiciones. Entre otras cosas porque pueden darnos muchísima profundidad:  al ser tan largas, pueden ayudarnos a guiar la vista des de el primer plano de nuestra imagen hasta el fondo.

Luz Cálida

La cantidad de atmósfera que debe atravesar la luz del sol hasta llegar a nosotros es muy distinta durante las horas centrales día frente al momento del atardecer. Así que es normal que la cantidad y calidad de la luz que nos llega en este ratito antes del anochecer sea diferente. Si durante el día el sol nos da una luz más bien blanca, al atardecer nos regalará una luz rojiza.
Esto significa que, inevitablemente, las fotografías que tomemos en estos momentos tendrán una dominante más cálida. Esto puede remediarse cambiando el balance de blancos antes de hacer la fotografía (o después si disparas en RAW), sin embargo también puede ser aprovechado para conseguir un ambiente que no se puede conseguir con una luz más blanca. Esta iluminación es estupenda para realizar retratos, por ejemplo. 

Contraluces más fáciles

Es cierto: realizar contraluces es relativamente fácil en cualquier lugar y momento del día: basta con situar nuestra fuente de luz detrás de aquello que vamos a fotografiar. Sin embargo, si queremos realizar un contraluz muy extremo usando el sol, nos será más complicado porque en la mayor parte del día, el sol estará en una posición que nos obligará a cierto tipo de fotos (por ejemplo, contrapicados).
Durante el atardecer, como ya sabemos, el sol está más bajo y por lo tanto, utilizarlo para poder conseguir usarlo como fuente de luz para nuestros contraluces, será más fácil. Esto sumado a los colores cálidos que nos proporcionará el atardecer, puede dar como resultado fotografías muy especiales, imposibles de conseguir en otros momentos del día. Además, el atardecer puede ser el mejor momento para incluir el sol en la composición de nuestras fotografías: por un lado porque, al estar más bajo, nos será más fácil pero, a la vez, porque la cantidad de luz que nos llega de él es menor y por lo tanto, estará en más armonía con el resto de elementos de tus fotografías. 

La Famosa Hora Azul a tu Disposición

Pero el atardecer no es sólo esa franja horaria en la que el cielo está rojo o naranja, incluye todo el proceso en el que el sol se pone y empieza a anochecer. Otro de los momentos que nos proporcionará este proceso es la hora azul. La hora azul es ese momento en el que el sol ya se ha puesto pero aún no es totalmente de noche. El cielo pasa a teñirse de un azul oscuro muy llamativo que, además, muchas veces tiende a mezclarse con otros colores como el naranja o el violeta para dar como resultado un cielo muy curioso que podemos aprovechar para darle otro aire a nuestras fotografías.

Durante este momento, empiezan a aparecer las primeras estrellas en el cielo, así que podemos conseguir fotografiarlas sin necesidad de trasnochar (aunque, evidentemente, los resultados no serán los mismos que si hacemos las fotografías en noche cerrada). Ten en cuenta, sin embargo, que en estos momentos la luz empezará a escasear mucho así que, para poder aprovechar la hora azul, quizás sea necesario llevar contigo un trípode y un disparador remoto para evitar que las fotografías salgan trepidadas, además, la hora azul es un proceso muy rápido en el que el el cielo irá cambiando de tonalidades hasta llegar al negro. Ten en cuenta esto para poder aprovechar mejor el tiempo del que dispongas y poder incluir estas tonalidades en tus imágenes.