Canon EF 8-15 mm f/4L Ojo de pez USM

Objetivo nuevo de verdad y según dice el fabricante es el primer ojo de pez zoom de la historia. Su rango focal entre 8 y 15 milímetros permite tomar desde fotografías circulares completas, en una cámara de sensor completo y a 8 mm, hasta fotografías con efecto de ojo de pez pero exentas de viñeteo, combinando por ejemplo una focal de 15 mm con cámaras full frame y una focal más abierta con cámaras con factor de recorte.

Entre sus características más destacables está la abertura constante de f:4 en toda la gama de zoom y el motor USM, aunque este último no sería tan necesario en un objetivo que cuenta con una profundidad de campo tan grande que apenas necesista moverse un pelo para enfocar.

Uno de los aspectos más complejos de resolver en este tipo de objetivos suelen ser las aberraciones cromáticas y deformaciones de los bordes y los incómodos reflejos que se forman con fuentes de luz puntuales.
Para resolverlo Canon introduce dos lentes especiales, una asférica y otra de ultra baja dispersión, así como tratamientos especiales antireflejos en todos los elementos ópticos del objetivo. Habrá que ver fotos en diferentes condiciones para ver que tal los resuelve.
Todavía no hay precio oficial para este objetivo, pero se especula con que puede estar rondando los 1.400 Euros.

Shirin Neshat (1957, Irán) puede que no sea una fotógrafa conocida por el gran público, pero muchas de sus fotografías forman ya parte del imaginario colectivo. Son las fotografías de mujeres con el rostro surcado por miles de frases escritas con la bella caligrafía oriental. Creo que es una de las imágenes más copiadas desde la década de los 90, cuando Shirin Neshat creó la serie original que tanta fama y nombre le dio.

La exposición que podemos disfrutar estos días en Madrid hasta el 1 de septiembre de 2013 tiene por nombre Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo. Es una nueva visión del personal trabajo de la artista, gracias al trabajo de Octavio Zaya, uno de los mejores comisarios, o curadores, como se dice en América Latina. Podemos ver dos vídeos y unas veinte fotografías de gran formato de sus series Rapture, Tooba, Mujeres de Ala y El libro de los reyes que podemos ver por primera vez en esa exposición.
En 1974 se fue a los Estados Unidos a estudiar Arte, pero ya no pudo volver a sus país hasta los años 90, por culpa de la revolución que transformó profundamente su país. Los cambios tan drásticos que sufrió su tierra le impulsaron a crear su personal estilo que le ha convertido en una de las creadoras más respetadas del siglo que vivimos. Es una defensora de la mujer islámica en general, e iraní en particular. Una mujer oprimida e invisible en una sociedad que vive en el pasado y que poco tiene que ver con el mundo persa del que proceden. Aunque también tiene que luchar con los prejuicios occidentales.
¿Y cómo comunicar todos esos sentimientos a través de la imagen? Shirin Neshat lo tuvo claro. Como ella mismo dice, la sensación que tuvo al volver a entrar en su tierra fue que el color se había ido. Su país era otra cosa que nunca había visto en ningún lugar. No podía ni haberlo imaginado. Por eso ha creado un mundo lleno de múltiples lecturas, unas más evidentes para un espectador poco atento, y otras más profundas, simbólicas y filosóficas para alguien que sepa el código del mundo iraní. Es decir, que muchos seremos incapaces de ver todas las lecturas, pero siempre tendremos una visión general de dicha problemática.
Ella se sirve de la imagen, ya sea fotográfica o a 25 fotogramas por segundo. Lo importante para ella es expresar y comunicarse como sea. Su mensaje ha llegado tan lejos, que ha recibido importantes premios en el ámbito de la cinematografía, como el León de Plata a la mejor directora en el festival de cine de Venecia por Mujeres sin hombres.
Por todos estos motivos es necesario ver esta exposición de una mujer iraní que vive toda su niñez y adolescencia en el Irán del Shah, que viaja a Occidente para formarse como artista y descubre la quintaesencia del capitalismo y el individualismo en los Estados Unidos, y que cuando vuelve a la tierra de sus ancestros decide dar un giro a su vocación artística (hasta entonces dirigía una galería de arte) y convertirse en uno de los estandartes de la denuncia de una sociedad que oprime a la mujer hasta límites absurdos, como tener prohibida la música.
La sala permanece oscura, con un montaje que nada tiene que ver con la luminosidad de la anterior retrospectiva que vimos en el mismo lugar, la de Virxilio Vieitez. En las fotografías domina el blanco y negro, con las mujeres cubiertas de palabras y escondidas bajo el velo. Pero también podemos disfrutar de un color sosegado, apenas el rojo de la sangre, en la última serie basada en el Libro de los Reyes persa, donde se cuenta la lucha entre el bien y el mal, y escrito en el año 977. Es la historia mitológica de Irán. Además es la primera vez en diez años que se expresa de nuevo con una cámara fotográfica.
Es una de las exposiciones estrella de PhotoEspaña y puede que no acuda el público en masa, pero los que vayan podrán sentir todo el mundo interior de Shirin Neshat.

Usa dos flashes para congelar el movimiento de una acción

 (A) dos flashes de dos cabezales ,
  (B) con sus respectivos beauty dishes y grids,
  (C) y sus fuentes de energía.
  (D) Usó dos reflectores frontales,
  (E) y un fondo negro.
  (F) Un ventilador industrial a la máxima potencia levantó el pelo de la modelo.
  (G) Usó una cámara Phase One P65+ con un lente Phase One 110mm f/2.8 AFD, y
  (H) a través de tethering conectó su cámara a la computadora.


Tim Tadder es uno de los fotógrafos de publicidad más requerido en los Estados Unidos. Su carrera está fundamentada en un pequeño truco muy interesante que compartió a través de Pop Photo, y que replicamos para ustedes. Este truco consiste en congelar la acción, ya sea la de una modelo sacudiendo el pelo (que veremos a continuación) o la de cualquier otra cosa que esté en movimiento. La captura fantástica de todo el pelo de la modelo Sara Hansen se logró gracias al uso de dos luces estroboscópicas. Ahora veremos cómo usar dos flashes para capturar movimiento gracias a los consejos de Tim Tadder.
Tadder usa un aparato particular llamado bi-tubes, que se diferencian del resto de las luces del estudio en el sentido en que tienen dos flashes y dos cables por cabeza. El dispositivo en particular usado por Tadder está producido por Profoto, y son tubos en forma de U que tienen una fuente de energía particular cada uno. Gracias a esto, Tadder pudo tener duraciones más cortas de flash, que no podrían haber sido una realidad con un único tubo produciendo la misma cantidad de luz.
Para poder conseguir la nitidez que se ve en la fotografía, donde el pelo está completamente detallado pero también podemos percibir el movimiento, Tadder necesitó el poder de exposiciones de flash muy cortas, que le permitieron congelar el movimiento. Esta cualidad de “congelado”, el propósito de usar dos flashes para capturar movimiento, es lo que logra que la fotografía sea tan impactante. Su creador, Tadder, simplemente no quería nada de desenfoque en la sección del pelo, y logró una fotografía espectacular con su técnica.
Al tener dos fuentes de energía por cabeza, Tadder pudo producir el doble de luz, 4800 watts por segundo, más que lo que podría haber obtenido usando un único flash con la misma potencia. Sin embargo, no necesitaba tanta luz. Modificó el resultado con un beauty dish y un grid o rejilla, y usó reflectores adicionales. El efecto de movimiento del pelo no está logrado simplemente por mover la cabeza, sino que Tadder se ayudó con un ventilador.
En primer lugar, Tadder aconseja usar un ventilador industrial. El que probablemente tenemos en casa para los meses de verano no será tan potente. Este tipo de ventiladores se puede alquilar, y tiene que configurarse a la máxima potencia. El ventilador debería tener el poderío suficiente para suspender el cabello de la modelo por un par de segundos, suficiente tiempo para tomar la fotografía. Hablando de pelo, el fotógrafo también aconseja usar la menor cantidad de producto, para que no sea tan pesada la cabellera.
Por otro lado, Tadder afirma que la modelo debería quedarse lo más quieta posible, aunque el resultado de la imagen indique otra cosa. En primer lugar, porque ya tenemos al ventilador haciendo el trabajo por nosotros. En segundo lugar, sería aún más complicado obtener ese movimiento. Y finalmente, porque la modelo podría lastimarse el cuello. Último consejo, que parece una obviedad pero vale la pena aclararlo para usar dos flashes para capturar movimiento: que la modelo tenga mucho pelo.
Para poder suspender el pelo de la modelo, Tadder la iluminó con estos

100 FOTOGRAFIAS...

11. Agustí Centelles

 

Agustí Centelles i Ossó (Valencia, 1909 – Barcelona, 1 de diciembre de 1985), fue un fotógrafo español, catalán-valenciano, que vivió en Cataluña desde temprana edad. Está considerado uno de los iniciadores del fotoperiodismo en España y algunos han llegado a denominarle el Robert Capa catalán.

12. Alberto García-Alix

 

Alberto García-Alix (n. León, 1956) es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999, García-Alix expuso por primera vez en la Galería Buades en 1981- Las instantáneas de García-Alix son siempre directas y frontales, tanto que el propio autor define su trabajo como el de un...

13. Ansel Adams

 

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme... 

  

14. Man Ray

 Man Ray, nacido Emmanuel Rudzitsky, (Filadelfia, Estados Unidos; 27 de agosto de 1890 - París; 18 de noviembre de 1976) fue un artista estadounidense impulsor de los movimientos dadá y surrealista en Estados Unidos. Fotografía: LES LARMES MAN RAY 1932

15. Zena Holloway

 

Erik Johansson es un fotógrafo y retocador oriundo de Suecia y establecido en Berlin, Alemania. Sus principales influencias son pintores de la talla de Dali y Escher lo cual probablemente explique el tipo de fotografía que realice. Su porfolio es una perfecta colección de lo bizarro y lo... 

 

17. Edward Sheriff Curtis

 

Edward Sheriff Curtis (1858 - 1952) fue un fotógrafo estadounidense. Durante su juventud se dedicó a realizar retratos y paisajes y llegó a ser propietario de un estudio fotográfico en Seattle. En 1899 participa como fotógrafo en una expedición a Alaska y en 1900 viaja a Montana para... 

 

18. Robert Frank

 

Robert Frank, nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Su trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influido por el periodo de la post...

 

 19. Edward Steichen

 

Artista, visionario, fotógrafo, científico, jardinero, reportero, conservador de museos, divulgador de artistas, pintor… Realmente es imposible encerrar en una palabra la poliédrica personalidad de Steichen. Nacido en Luxemburgo en 1.879, este hombre de las mil y una vidas emigró de niño con su... 

 

 20. Kevin Carter

 

Kevin Carter (*13 de septiembre de 1960; Johannesburgo - 27 de julio de 1994; Johannesburgo) fue un reportero gráfico sudafricano, miembro del Bang-Bang Club, que ganó un Pulitzer en 1994 por fotografiar un niño sudanés famélico con un buitre detrás.

Leica X Vario

Hace algo más de dos semanas Leica prometió una Mini M como parte de la misteriosa campaña de lanzamiento de una nueva cámara. La denominación elegida para rebautizar provisionalmente otros modelos (hasta las D-Lux se habían convertido en M) ya hacía suponer que había algo de metáfora en todo aquello, y las apuestas se dispararon.
Una compacta con sensor de formato completo, aventuraban algunos mientras apuntaban -con buen criterio- que el sensor y la óptica Leica ya los tenía y sólo faltaba unirlos. Una Leica M más pequeña y asequible, defendían otros tomándose al pie de la letra lo de Mini M.
Con este telón de fondo no es de extrañar que la ya oficial X Vario haya sabido a poco para la mayoría. Ni es muy pequeña ni, sobre todo, tiene mucho que ver con la mítica saga M. Pese a ello, hay que reconocerle el mérito: estamos ante la primera compacta que se atreve a combinar un sensor de tamaño APS-C con un zoom.
Pero la teoría ya nos la sabemos, así que tras conseguir una unidad de este recién estrenado modelo hemos tenido la oportunidad de convivir con él durante unas horas. Pocas, la verdad, pero suficientes para hacernos una idea bastante precisa de lo que ofrece -y lo que no- esta compacta de 2.400 euros, que de entrada tiene muchas papeletas para ser una de las cámaras más polémicas y criticadas del año. 

Diseño X 

¿Qué es la Leica X Vario? Muy sencillo: una X2 con zoom. Por mucho que desde la firma alemana se apele al espíritu de las M, el diseño, la ergonomía y las líneas son en realidad calcadas a las de la citada X2, aunque ahora con el añadido de un objetivo de focal variable.
Algo que, por cierto, no es ni mucho menos una mala noticia. De hecho, la X Vario está muy bien construida, y entre las manos la sensación de robustez y calidad es evidente. Aunque seguro que algunos seguirán echando de menos una empuñadura -que se puede adquirir aparte-, el objetivo se convierte en un excelente punto de apoyo para sujetar la cámara.
Igual que en las anteriores X, este modelo dispone de una rueda para las velocidades y otra para el diafragma, con tercios de paso y giro libre. Dejando a un lado que algunos preferirían -nosotros mismos, sin ir más lejos- un anillo alrededor de la óptica, este giro sin tope unido al pequeño retardo de la cámara al dar información en pantalla sobre el diafragma escogido es uno de esos detalles que podría mejorarse. 
 
Por lo demás, la idea es la misma: pocos botones, ninguna opción de configuración de los mandos, menús muy austeros… En resumidas cuentas, una de esas cámaras que pretende centrar toda la atención en la toma de la imagen, no en su manejo y sus opciones.
Algo que llega a funcionar, aunque lógicamente hay que adaptarse a esta idiosincrasia hasta que resulte realmente ágil. Sin embargo, otros detalles resultan inexplicablemente enrevesados, como cambiar el punto de foco, para lo cual es necesario mantener pulsado el botón de la fila izquierda y luego desplazarlo con el cursor de la derecha. 

Poco zoom, poca luminosidad 
Sin duda alguna, el zoom óptico de 3x es la pieza clave de este modelo y el detalle que justifica su lanzamiento. Un objetivo Leica Vario Elmar de 18-46 milímetros que rinde unas focales equivalentes a 28-70 milímetros en paso universal. ¿Sólo? Sí, pero hay que tener en cuenta que el área del sensor a cubrir es considerable y que, además de las complicaciones ópticas que ello supone, también tiene un efecto directo en el tamaño de la óptica.

Cabe suponer por tanto que los ingenieros de Leica han buscado un punto de equilibrio entre tamaño de la cámara y rango focal. Exactamente lo mismo ocurre al hablar de uno de los puntos más criticados de la cámara: la escasa luminosidad del zoom.
Y es que, acostumbrados a compactas con ópticas de f2 o 2.8, la relación de diafragmas de f3.2-6.4 que ofrece esta X Vario sabe a muy poco. O a poquísimo cuando recordamos el precio que hay que pagar por ella. Pero una vez más, y puestos a hacer de abogados del diablo, ese CMOS de tamaño APS-C conlleva ciertas renuncias. 


¿Se podría haber construido un zoom más luminoso? Posiblemente, pero habría sido más grande y seguro que más caro. Y puede que, en el camino, se hubiese perdido algo de calidad óptica.
Porque, eso sí, viendo los resultados, por lo menos hay que reconocer que el rendimiento del zoom es excelente desde su máxima apertura. Tampoco es que sea mucho decir que un objetivo ya responde con solvencia a f3.2 (mucho menos a f6.4), pero al menos en este sentido, y tras ver las fotos realizadas con la cámara, no tenemos ninguna queja al respecto.
De hecho, el único punto en el que la óptica flojea es al cerrar más allá de f11 (el zoom llega a f16), porque por debajo el rendimiento es muy estable incluso acercando la lupa a las esquinas de la imagen. Respecto al desenfoque que se puede conseguir, sin ser éste muy acusado, el tamaño del sensor pone su granito de arena en este sentido.

Buena nota también para la distorsión geométrica, sólo apreciable en la posición angular y en las esquinas de la imagen cuando tenemos alguna línea en los bordes de la escena. Las aberraciones cromáticas y los reflejos tampoco son un problema -alguno hemos visto en situaciones de contraluces o luces laterales potentes-, y el viñeteo también es casi inexistente en la máxima apertura.
En resumidas cuentas, lo que ya imaginábamos: una óptica corta y poco luminosa, pero que dentro de sus limitaciones se comporta de forma excelente. 

Enfocando


Menos entusiasmados estamos con el enfoque de la cámara. No es que el sistema automático funcione mal, pero está lejos de ser de los más rápidos de su clase. Con buena luz no nos encontraremos con problemas -ojo, la distancia mínima es de 30 centímetros para la focal más larga-, pero cuando la luz cae las dudas del mecanismo se multiplican.
Por poner un ejemplo, en las tomas dentro de la iglesia de Santa Maria del Mar en Barcelona y con luz bastante escasa ha habido momentos en los que, sin la luz de ayuda al enfoque activada, la cámara no acababa de dar con un punto de foco.
En estos casos siempre se puede optar por el enfoque manual. La X Vario dispone de un anillo de enfoque de generosas dimensiones -sobre todo comparado con el del zoom-, que además integra el mecanismo para pasar del modo automático al manual.
Una buena idea, aunque es verdad que unas cuantas veces nos hemos equivocado de anillo y al intentar cambiar la focal hemos acabado activando el enfoque manual. Al hacerlo, el sistema de ayuda amplía la parte central de la imagen para facilitar esta labor.
Dos críticas más: la dureza de ambos anillos es excesiva y el tiempo de puesta en marcha de la cámara es también claramente mejorable. 

Samgung confirma la inminente llegada de una cámara de óptica intercambiable con Android

Tras la Galaxy Camera y el reciente Galaxy S4 zoom, ahora es el turno del sistema sin espejo NX de Samsung, que también se prepara para dar el salto a Android y desdibujar un poco más la frontera entre el escaparate fotográfico y los smartphones.
Aunque las imágenes filtradas de una futura Galaxy NX ya suponen una pista más que evidente sobre los planes de la compañía, el propio presidente de Samsung, Shin Jong-kiun, ha confirmado esta hoja de ruta al diario The Korea Times: será el próximo día 20 de junio cuando vea la luz esta cámara de óptica intercambiable y con sistema operativo Android.

Aunque poco más se sabe por ahora de este modelo, las imágenes filtradas hacen pensar en una suerte de versión de la NX20 pero con una pantalla de mayores dimensiones (se habla de 4,2 pulgadas) armada con el sistema operativo de Google y supuestamente con conexión 3G.

Samyang promete un 16 mm f2 y un 300 mm f6.3 para cámaras con sensor APS-C

Según la información publicada, el nuevo 16 mm f2 cuenta con una estructura de 13 elementos organizados en 11 grupos, ofrece una cobertura equivalente a unos 24 milímetros y su precio rondará los 400 euros. Estará disponible para las principales monturas de cámaras réflex, así como para sistemas sin espejo.
El 300 mm f6.3, por su parte, apuesta por un esquema de tipo réflex que le permite presumir de unas dimensiones muy comedidas para tratarse de un teleobjetivo que ofrecerá una focal equivalente a 450 milímetros.






Disponible también en julio por algo más de 430 euros, a diferencia del 16 mm f2 en este caso sólo estará disponible para los sistemas sin espejo Canon EOS M, Fujifilm X, Sony E y Micro Cuatro Tercios. 

 

La fotografía no siempre se consideró un arte. La aceptación de la fotografía como arte fue muy discutida y comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como sustituto del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato.

La fotografía, a diferencia de otras actividades artísticas como la música, pintura, etc, es totalmente asequible para todos. La afición a la fotografía es cada día mayor. Ha habido grandes fotógrafos en la historia, que han contribuido en buena medida a lograr que la fotografía sea considerada un arte, cuál consideras que ha sido el mejor de la historia?

  




1. Martín Chambi

Martín Chambi Jiménez (n. Puno, Perú 5 de noviembre de 1891- † m. 13 de septiembre de 1973) fue un fotógrafo indígena nacido en Coaza, Provincia de Carabaya, al norte del Lago Titicaca, en el Perú, pero encontró en el Cusco más de un motivo para grabar sus imágenes en el corazón de su cámara...  

 

 

 

 

     

2. Henri Cartier-Bresson

(22-8-1908 al 3-8-2004). Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo...

 

 

 

 

      

3. Sebastião SalgadoSebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido en Aimorés, Minas Gerais, en 1944. Recibió en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Fotografía: minas de oro de Serra Pelada en Brasil. 1986. Fecha de nacimiento: 8 de febrero de 1944 

 

    

4. Dorothea Lange

 Dorothea Lange (25 de mayo de 1895, Hoboken, EE. UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE. UU.) fue una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las... 

 

    

5. Francesc Català Roca 

Francesc Català Roca (Valls, Tarragona, 19 de marzo de 1922 - Barcelona, 5 de marzo de 1998) fue un fotógrafo español. Su fotografía se caracterizó por la búsqueda de puntos de vista originales y por buscar siempre el ambiente humano. Era hijo del también fotógrafo Pere Català i Pic que fue...

 

     

6. Joe Rosenthal

 Joe Rosenthal (*Washington, 9 de octubre de 1911 - † 20 de agosto de 2006) fue un fotógrafo estadounidense. Rosenthal inició sus trabajos en un periódico de San Francisco en 1930 y en 1932 comenzó en el San Francisco News como reportero y fotógrafo. Posteriormente trabajaría para diversos...

 

    

7. Chema Madoz 

Nacido en Madrid en 1958, estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid y Fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. Galardonado con el Premio Nacional de Fotografía (2000). Realizó su primera exposición individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid (1985) a la...

 

    

8. Cristina García Rodero

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 14 de octubre de 1949) es una fotógrafa española. Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una... 

    

9. Robert Doisneau

 Gentilly, cerca de París, 14 de abril de 1912 - París, 1 de abril de 1994) fue un fotógrafo francés. Recibió la formación de grabador litográfico y tipógrafo en París. En 1929 comienza a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las... 

 

    

10. Steve McCurry

Steve McCurry (24 de febrero de 1950) es un foto periodista estadounidense, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía La niña afgana, aparecida en la revista National Geographic en 1985. Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán (1978-1992). También ha cubierto... 

Es por ello que comparto 10 frases de grandes fotógrafos para reflexionar y consideres la próxima vez que presiones el disparador de tu cámara:

1. No tomas una fotografía, la haces - Ansel Adams
2.  Siempre estoy fotografiándolo todo mentalmente para practicar. Minor White.
3. Si tus fotografías no son buenas es porque no te acercaste lo suficiente. Robert Capa.
4. Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás. Robert Frank.
5. Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje. Henry Cartier-Bresson.
6. Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Steve McCurry.
7. ¿Cuál de mis fotos es mi fotografía preferida? Una que voy a hacer mañana – Imogen Cunningham.
8. Tus primeras 10.000 fotos serán tus peores fotos”– Henri Cartier-Bresson.
9. Siempre pensé que las buenas fotos son como las buenas bromas, si se tienen que explicar es que no eran tan buenas – Anónimo.
10. Tienes que exigirte mas a ti mismo. Tienes que empezar a buscar imágenes que nadie mas podría tomar. Debes usar las herramientas de que dispones y probarlas mas en profundidad – William Albert Allard.
    
    
    Espero que te ayuden en tu fotografía diaria y continúen fotografiando todo. Recuden siempre buscar aprender algo nuevo, en verdad que en la fotografía y en todas las artes aprendes algo nuevo todos los días.

El grafeno llegará a los sensores fotográficos dejando obsoleto al flash

El grafeno, esa sustancia de carbono puro que supera al diamante en muchos aspectos y que no tiene su elevado precio llegará a los sensores de nuestras cámaras fotográficas. Al igual que en otros sectores, en fotografía tendrá numerosas ventajas como el hecho de que los sensores fabricados con este material, tendrán 1000 veces más sensibilidad que los actuales lo que supone que no será necesario utilizar el flash. Si estáis pensando que de poco sirve tener mucha sensibilidad si el ruido estropea las fotos, dejad de hacerlo. Los sensores de grafeno no generarán ruido por lo que el flash también se queda a un lado en la fotografía de alta velocidad. Esa revolución que está causando el grafeno por superar al dimante a un precio muy inferior también se podría aplicar aquí puesto que la fabricación de estos sensores será más barata que la de los actuales. Otra cosa es que aprovechando la sofisticación de la tecnología, la novedad y nuestro desconocimiento, lo encarezcan.

 



  Con estos sensores ya no merece la pena seguir enfocando el desarrollo en el ISO puesto que no llegaremos a usar ni el 5% de la capacidad de estos sensores. Usar más sería tener fotografías totalmente blancas. Esperemos que los fabricantes no quieran lucrarse en exceso y permitan que esta fotografía de alto rendimiento se acerque al usuario medio aprovechando su menos costosa fabricación. Por cierto, debemos el desarrollo de estos sensores a la Nanyang Technological University (NTU) de Singapur (concretamente por el profesor Wang Qijie).

No habrá Photoshop CS7, el pago por suscripción y la Creative Cloud son la apuesta de Adobe

Ayer la gente de Adobe sorprendía con la noticia de que la conocida Creative Suite (o CS para los amigos) llegará a su fin con la próxima versión, que en vez de Photoshop CS7 (en nuestro caso) será Photoshop CC (Creative Suite). La Creative Suite ya fue presentada el año pasado pero lo hizo como opción alternativa a la compra de la licencia. Era más económica para aquellos que no iban a utilizar esa versión para toda la vida o para los que iban a hacer un uso pasajero de software Adobe.

Sin embargo, ahora llega para quedarse y lo hace sin otra opción. ¿Es una lucha de Adobe contra la piratería que ha permitido todo este tiempo? Solo ellos lo saben. La cuota de suscripción a una sola aplicación será de 25 euros al mes de forma aproximada y a la Cloud completa de cerca de 60 euros al mes. De forma adicional, los ya clientes de Adobe recibirán un descuento que dejará toda la Cloud a 37 euros al mes. Tened cuidado, las suscripciones completa y especial requieren un compromiso anual.

Los archivos se podrán almacenar en la nube y sincronizar entre equipos o trabajar de forma colaborativa entre varios usuarios con las mismas imágenes. Además, si le aplicas unos ajustes a una herramienta, también se aplicarán en tus otros equipos sincronizados. También contarás con un centro de control en Adobe en el que gestionar tus servicios y publicar algunos de tus trabajos.


 

Rompiendo mitos.

  Esta lista quizá se actualice pero hay cosas que resultan bastante confusas y quiero aclararlas:

 

• Lo de "Cloud" es solo con los archivos y ajustes, la Creative Cloud se seguirá ejecutando desde tu ordenador, consumiendo sus recursos. Lo único que cambiará es que algunas cosas se sincronizarán si tú así lo quieres. Se han escuchado rumores de que se ejecutaría en el navegador. Aún no tenemos una tecnología que soporte eso a gran escala. Los tiempos de latencia serían muy grandes. 
• No habrá que estar siempre conectado a Internet puesto que basta con hacerlo una vez cada 30 días para verificar tu suscripción. Si no pudieses, la aplicación seguirá funcionando hasta 180 días.
•   Todo esto se hará efectivo en junio de este año 2013. Tanto los nuevos servicios como el lanzamiento de las aplicaciones, entre ellas Photoshop CC. 
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Cómo Aprovechar el Atardecer

 Sombras Más Alargadas
Iluminar no es tarea fácil, menos aún si la iluminación que queremos usar no es artificial y por lo tanto, no podemos controlarla del todo. Uno de los principales problemas de este tipo de iluminación es la aparición de sombras no deseadas que pueden dejar parte de nuestro sujeto completamente oscuro y sin detalle.
Sin embargo, siempre hay trucos para evitar estas molestas sombras: cambiar la posición del sujeto o utilizar un reflector, por ejemplo. Durante el atardecer, el sol está cada vez más bajo y por lo tanto, las sombras que los sujetos proyectan son cada vez más largas (sí, ¡esto también pasa al amanecer!). Podríamos decir que estas sombras proyectadas tienen más personalidad, son especiales a nivel visual y nos pueden dar muchísimo juego fotográfico si intentamos incluirlas en nuestras composiciones. Entre otras cosas porque pueden darnos muchísima profundidad:  al ser tan largas, pueden ayudarnos a guiar la vista des de el primer plano de nuestra imagen hasta el fondo.

Luz Cálida

La cantidad de atmósfera que debe atravesar la luz del sol hasta llegar a nosotros es muy distinta durante las horas centrales día frente al momento del atardecer. Así que es normal que la cantidad y calidad de la luz que nos llega en este ratito antes del anochecer sea diferente. Si durante el día el sol nos da una luz más bien blanca, al atardecer nos regalará una luz rojiza.
Esto significa que, inevitablemente, las fotografías que tomemos en estos momentos tendrán una dominante más cálida. Esto puede remediarse cambiando el balance de blancos antes de hacer la fotografía (o después si disparas en RAW), sin embargo también puede ser aprovechado para conseguir un ambiente que no se puede conseguir con una luz más blanca. Esta iluminación es estupenda para realizar retratos, por ejemplo. 

Contraluces más fáciles

Es cierto: realizar contraluces es relativamente fácil en cualquier lugar y momento del día: basta con situar nuestra fuente de luz detrás de aquello que vamos a fotografiar. Sin embargo, si queremos realizar un contraluz muy extremo usando el sol, nos será más complicado porque en la mayor parte del día, el sol estará en una posición que nos obligará a cierto tipo de fotos (por ejemplo, contrapicados).
Durante el atardecer, como ya sabemos, el sol está más bajo y por lo tanto, utilizarlo para poder conseguir usarlo como fuente de luz para nuestros contraluces, será más fácil. Esto sumado a los colores cálidos que nos proporcionará el atardecer, puede dar como resultado fotografías muy especiales, imposibles de conseguir en otros momentos del día. Además, el atardecer puede ser el mejor momento para incluir el sol en la composición de nuestras fotografías: por un lado porque, al estar más bajo, nos será más fácil pero, a la vez, porque la cantidad de luz que nos llega de él es menor y por lo tanto, estará en más armonía con el resto de elementos de tus fotografías. 

La Famosa Hora Azul a tu Disposición

Pero el atardecer no es sólo esa franja horaria en la que el cielo está rojo o naranja, incluye todo el proceso en el que el sol se pone y empieza a anochecer. Otro de los momentos que nos proporcionará este proceso es la hora azul. La hora azul es ese momento en el que el sol ya se ha puesto pero aún no es totalmente de noche. El cielo pasa a teñirse de un azul oscuro muy llamativo que, además, muchas veces tiende a mezclarse con otros colores como el naranja o el violeta para dar como resultado un cielo muy curioso que podemos aprovechar para darle otro aire a nuestras fotografías.

Durante este momento, empiezan a aparecer las primeras estrellas en el cielo, así que podemos conseguir fotografiarlas sin necesidad de trasnochar (aunque, evidentemente, los resultados no serán los mismos que si hacemos las fotografías en noche cerrada). Ten en cuenta, sin embargo, que en estos momentos la luz empezará a escasear mucho así que, para poder aprovechar la hora azul, quizás sea necesario llevar contigo un trípode y un disparador remoto para evitar que las fotografías salgan trepidadas, además, la hora azul es un proceso muy rápido en el que el el cielo irá cambiando de tonalidades hasta llegar al negro. Ten en cuenta esto para poder aprovechar mejor el tiempo del que dispongas y poder incluir estas tonalidades en tus imágenes. 

8 errores propios del fotógrafo aficionado

El aprendizaje fotográfico es infinito. Es de esas cosas en la vida que no terminan nunca. Desde el primer momento en que decides entrar a este mundo, aceptas someterte para el resto de tus días a un continuo y perpetuo proceso de aprendizaje que te hará sentirte cada vez más grande. 

1 – No invertir en un buen objetivo, trípode y flash: 

 La cámara de fotos no es más que la mitad de la historia. Sin un buen objetivo estás limitando tus posibilidades de aprendizaje y posiblemente desaprovechando un enorme potencial creativo. Ten en cuenta que muchas fotos son simplemente imposibles de lograr sin un determinado tipo de lente. Personalmente adquirir el Rey de los Objetivos supuso para mí un “renacer” fotográfico 

De la misma manera, y sólo una vez te hayas hecho con el lente adecuado, deberías ir considerando adquirir un trípode y un flash. Aquí pasa lo mismo, la estabilidad que te ofrece un buen trípode y la luz de un flash en condiciones te abrirán nuevas puertas: podrás experimentar con la fotografía de larga exposición, podrás capturar cielos adornados de estrellas, o conseguir impactantes retratos gracias al flash de relleno. 

2 – No aprender el modo manual: 

Dejar la cámara en el modo automático y que ella decida los ajustes que hay que emplear resulta muy cómodo, y no hay peor enemigo para el aprendizaje que la “comodidad”. Lanzarte a utilizar el modo manual te va a resultar complejo al principio, como a todos, pero con el tiempo irás entendiendo mejor el funcionamiento de tu cámara, y podrás dominarla en su modo manual para conseguir exquisiteces fotográficas que jamás habías pensado poder alcanzar algún día. Si todavía te intimida el modo manual échale un vistazo a mi libro gratuito “Tus Primeros Pasos en Fotografía Réflex“. 

3 – No aprender la composición: 

 Olvídate de la cámara por un momento. Olvídate del objetivo y de los accesorios. Cierra los ojos. Ahora imagina la foto que quieres. Imagina que la puedes hacer sin ningún tipo de limitaciones. ¿Cómo sería? ¿Dónde colocarías el sujeto? ¿Es un paisaje? ¿Cómo lo encuadrarías? ¿Tiene varios sujetos? ¿Cómo los pondrías unos respecto a otros, en orden, en fila, desordenados,…? ¿Y los colores, qué colores combinarías para que la foto quedara perfecta? Como ves, la composición es lo más parecido a la pintura. El fotógrafo es el que organiza las cosas, los sujetos, los objetos, las formas, las siluetas y los colores en un determinado orden. Tu tarea no es la de configurar los ajustes manuales de la cámara y disparar solamente. Todo lo previo al disparo es responsabilidad tuya también. Eres un pequeño creador, recuérdalo.

 4 – Mucha teoría, poca práctica:

  No te limites a atesorar los conocimientos adquiridos. Ponlos en práctica. Si no lo haces acabarás olvidándolo todo más pronto que tarde. La práctica es lo que consolida todo lo aprendido. Para aprovechar los conceptos aprendidos no necesitas conseguir resultados asombrosos, ni que la gente se quede boquiabierta, anonadada y sin aliento al ver tus trabajos. No es necesario. Simplemente practica. Si llevas la teoría a la práctica, aprendes. Me da igual que la foto salga horripilante, lo más importante es practicar. Ya habrá tiempo de enderezar, afinar y mejorar.

 5 – No tener un flujo de trabajo muy claro:

  Después de una buena sesión de fotos ¿qué haces con tus fotos al volver a casa? ¿Dónde tienes ahora mismo las fotos de la última sesión? Si has tenido dudas a la hora de responder a alguna de estas dos preguntas, necesitas dedicar atención a este punto. No es nada complicado, no te dejes intimidar por el palabro “flujos de trabajo”. Un flujo de trabajo no es otra cosa que las fases por las que pasa una foto desde que la tomas con la cámara hasta que la foto es impresa o guardada en su carpeta final, con su edición o posprocesado, sus etiquetas, y su copia de seguridad si hace falta. El truco está en tener un flujo de trabajo bien definido, claro, y seguirlo siempre.

 6 – Llevar la cámara a donde no es bienvenida:

  A todos nos ha pasado que, al principio de nuestra vida de fotógrafos, nos encontramos muy entusiasmados y llevamos la cámara encima a todas partes. Eso en principio está bien, sobre todo porque, quién sabe dónde puede surgir una gran foto.

 7 – No salir del mundo virtual nunca:

  De vez en cuando dale vida a tus fotos. Cada poco tiempo escoge una cuidada selección de tus trabajos, mándalos a imprimir y disfrútalos en “real”. Existe un sinfín de tiendas físicas y online con precios muy competitivos para dotar de vida tus trabajos fotográficos.Aunque prefieras guardar tus fotos en formato digital (soy un defensor empedernido del formato digital), imprimir tus mejores fotografía en papel contribuye a que visualices, directa o indirectamente, los resultados de tu esfuerzo. Unas fotos impresas y enmarcadas en un estante, o colgadas en la pared, con tu firma, constituirán un buen chute de autoestima para tu faceta de fotógrafo. Insisto, no tienen por qué ser grandes fotografías dignas de la portada del National Geographic. Tienen que ser fotos tuyas, que te gusten. Fotos que quieras.

 8 – Rendirse demasiado pronto:

  Si eres lector de este blog por favor ni se te ocurra jamás pensar “No sé, creo que esto no es para mí”. El mayor de los errores es rendirse demasiado pronto, lo cual es muy común entre fotógrafos principiantes. El único requisito para aprender fotografía es que te guste. Que te apasione. Si tienes eso, lo demás viene rodado. La fotografía no es nada difícil. Freír un huevo, conducir un coche con cambio manual o cambiarle los pañales a un bebé es más difícil, créeme. Simplemente échale ganas, abalánzate sobre la cámara sin miedo, con amor y entusiasmo. No te preocupes, por mucho botón que toques jamás la vas a estropear. Tócala sin miedo. Disfrútala.

No eres un fotógrafo profesional

Hoy en día todos tienen una cámara y todos quieren ser fotógrafos. Una cosa es sacar fotografías de sillas en blanco y negro y decirse fotógrafo (no hay nada de malo en esto), algo diferente es decirse fotógrafo y ofrecer tus servicios “profesionalmente”.

La página web “You are not a Photographer” colecciona imágenes de estos supuestos profesionales de la fotografía con comentarios a propósito de sus obras (respetando el anonimato de los autores). Entre la crueldad y el sentido del humor aquí podemos apreciar un poco de lo peor que puede traer la fotografía y aprender en el camino aquello que no tenemos que hacer.

Se que mucha gente habla del intrusismo en la fotografía, pero después de ver estas imágenes sólo me queda pensar que no hay ningún peligro para los verdaderos fotógrafos profesionales.

De todas maneras es importante tener buen humor y saber reírse de uno mismo. Quién se anima a mostrarnos su peor trabajo profesional.

Qué no hacer

Casi siempre hablamos de los grandes fotógrafos y de lo mucho que podemos aprender de ellos; a veces olvidamos que también es posible aprender de los peores, pero siempre guardando el sentido del humor. En medio de estos horrendo ejemplos encontramos algunos buenos consejos:

• Fotografía y tipografía: Si el texto no añade nada a la imagen está de más.
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• Foto retrato: Poses forzadas y sonrisas forzadas pueden matar la imagen.
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• Efectos: El uso de marcos decorativos, sombreados, viñetas y cientos de otros efectos usados están de mas en un 105% de los casos.
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• Spot Color: Uno de los grandes peligros del retoque fotográfico, casi siempre está de más. Si se quiere usar, que al menos tenga una razón de ser.
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• Fotos de maternidad: Aparentemente uno de los más difíciles proyectos fotográficos (y con peores resultados).
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• Fondos: El fondo de la fotografía es tan importante como el protagonista y por lo tanto tiene que estar bien pensada, pero de ninguna manera tiene que robarle la importancia a la escena.
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• Conceptos básicos: Enfoque, encuadre, iluminación nunca están de más.
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• Uso de accesorios: Pueden darle algo original a la fotografía o destruirla completamente.
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  Pero quizás al final el concepto básico que podemos concluir de estas imágenes casi hipnóticas es que cualquier fotógrafo puede convertirse en fotógrafo profesional, pero definitivamente, no todos los fotógrafos profesionales pueden llamarse buenos fotógrafos.

LA PEOR PROFESION? LO DUDO....

La profesión de fotógrafo no estaría siendo la más candente del mundo, de acuerdo con una lista reciente publicada por CareerCast para rankear los mejores y peores trabajos del mundo. Pero al menos –aunque no debería hablar por mí misma- no son periodistas ni leñadores. Estos son dos de los peores trabajos del mundo, aún más que lavaplatos y basurero, sin desmerecer la profesión de nadie. En 2010, el fotógrafo se encontraba en la posición 126 de 200, y en esta oportunidad cae 15 posiciones.

Los leñadores y los periodistas se encuentran en la posición 199 y 200 respectivamente. La profesión de fotógrafo, por otro lado, cayó esos 15 puestos para ubicarse en la posición 172, debajo del controlador aéreo y el empleado de la construcción. Los fotoperiodistas, por otro lado, pueden celebrar aunque sea un poco. Este año saltaron a la posición 188, justo por encima de los oficiales de las correccionales, pero por debajo de los lavaplatos.

CareerCast usa una metodología particular para poder llegar a estos resultados. Los factores considerados fueron: ambiente, ingresos, y estrés. En esta oportunidad, las demandas físicas –que fueron incluidas por separado en un mismo índice que elaboraron en 2010 y donde los fotógrafos salieron un poco más arriba- están incluidas dentro del ambiente. Y hay que aclarar que son pocos los factores que son considerados para hacer este ranking, ni hablar de la transparencia.

No se están considerando muchos factores. Por ejemplo, la satisfacción de la persona que está haciendo ese trabajo. Si realmente está en las últimas posiciones de la lista de peores trabajos, entonces nos deberíamos sentir mal por tenerlo, ¿no? Y sin embargo, muchas personas año a año consideran y realmente lo hacen, se dedican a la profesión de fotógrafo. O somos todos suicidas y depresivos, o algo tiene que estar andando mal en este ranking.


Eso explica que empleos tan dispares puedan estar en mejores posiciones. Es obvio que un lavaplatos no estará tan bien pagado como un fotógrafo –ni tan apasionado por su trabajo- pero su nivel de estrés será menor, porque no tendrá tantas responsabilidades. Quizás no tienen tanto estrés, pero tampoco están tan felices o se sienten tan satisfechos. De hecho, tampoco consideran que muchas personas desean ser fotógrafos. Y una lista como esta no hará demasiado para cambiar estos deseos.


Por otro lado, nos tenemos que preguntar por qué nos ponemos a pensar seriamente en una lista como esta, en lugar de desestimarla como si realmente fuera ridícula. La realidad es que también existe un cierto bastardeo de la profesión, no solamente con los salarios pagados a los fotógrafos, sino con la impresión que tienen muchas personas de “cualquiera puede hacer este trabajo”. Lo vemos cada vez que una fotografía de mala calidad sacada por una persona inexperta aparece como si fuera profesional, y la gente se queja, pero tampoco están dispuestos a pagar lo que realmente vale el trabajo de un profesional. Como para no tener estrés.

Sé que es más sencillo titular este post de la siguiente manera: “Trucos para planificar tus Redes Sociales”, pero ya sabes que a los que trabajamos en esto del Marketing.En realidad, y para ser más precisos, el título debería haber sido: “Social Media Planner Tips”

Si te dedicas a trabajar en Redes Sociales para tu empresa o de forma personal, sabrás que es muy importante que las conozcas a fondo para poder sacarles el mayor provecho. Pero la pregunta es: ¿cuántas redes sociales debo conocer para poder ser un buen Social Media Planner? ¿Dónde pongo los límites al campo?
Diariamente están saliendo Redes Sociales de debajo de las piedras. Cada colectivo, asociación, federación o agrupación de personas o empresas desea tener su “Red Social” para estar conectado con los suyos. Y al final, pasa lo de siempre: dejamos de invertir tiempo y recursos y nos limitamos a trabajar con las que ya están creadas porque ahí es dónde está todo el mundo. Ahí va un listado de Redes Sociales nuevas que, posiblemente, algunas te suenen y otras no. No te preocupes que poco a poco iremos viendo cada una de ellas:
 
 




Esta es una pequeña lista pero hay muchas más que no pongo por no agobiarte. Lo importante es que sepas para qué quieres utilizar las Redes Sociales y realmente uses las que más se adecuen a tus necesidades. Por ejemplo, si tienes una clínica dental y te da por utilizar Instagram… creo que tendrás pocos seguidores.

Pero utilices la Red Social que utilices, te recomiendo que lo primero que debes saber es algo de inglés. Ten en cuenta que la inmensa mayoría de los contenidos y herramientas en Internet están en inglés y es muy necesario tener unas nociones básicas para que no te pierdas y lo dejes por cansancio y desidia. Si ya sabes inglés, imagina que el “Universo Internet” estuviera escrito en polaco. ¿No te frustraría?.
El inglés es fundamental, ya no solo online, sino en el mundo de los negocios y, cada vez más, en el mundo de las relaciones personales debido a la globalización.

Sigue Blogs a través de RSS

Todos sabemos perfectamente qué blogs y qué contenidos de páginas web concretas nos gusta seguir. No hace falta que tengas que entrar en cada uno de ellos cada vez que quieras leer. Hay unos programas que son administradores de RSS que te ayudarán a concentrar, en una sola aplicación, todos aquellos blogs que te interesan. Podrás leer la recopilación de todas las publicaciones de los blogs elegidos, como si de una revista de contenidos personalizados se tratara. Muy sencillo y bueno para estar al día de lo que te interesa. El administrador RSS que tengo yo instalado en mi iPhone es Feedly, que es gratis y muestra los contenidos de forma atractiva y dinámica.
Cuando busques blogs de información que te interesa, no te limites a los blogs de tu país. Un buen Social Media Planner hace una recopilación de blogs tanto nacionales como internacionales.

Participa en foros

Los foros son una fuente de información brutal y muchas empresas no lo están utilizando. Ahí es dónde se habla, se discute, se plantean preguntas, necesidades potenciales de los usutarios, etc. Debemos estar en los foros y alimentar conversaciones de nuestros intereses para que nos demás usuarios nos generen información valiosa.

Mi último descubrimiento: Ivoox

Hace unos meses he conocido a un gran tipo, empresario coraje y consumidor insaciable de conocimiento. Da gusto hablar con él. Pues bien, la semana pasada me enseñó esta aplicación y, todavía no salgo de mi asombro. Con Ivoox tienes acceso a todo el conocimiento que quieras. Programas monográficos, cursos completos, seminarios, audiolibros, podcasts, etc. Miles y miles de audios que, de forma gratuita, te puedes descargar para escuchar cuando quieras. Juan Carlos, muchas gracias por compartirlo.

No sólo de “ON” vive el Social Media Planner

De vez en cuando debes salir de la vida online. “Allí fuera” hay muchas cosas que te pueden seguir enriqueciendo como puede ser un buen libro, pasear por la calle y observar la conducta del personal, subirte a un autobús en hora punta y ver las caras de los viajeros… en fin, se aprenden muchas cosas, te lo aseguro. Es más, como decía Joost Van Nispen en una de sus últimas conferencias, “hoy en día el Marketing debe ser una mezcla entre On y Off”. No puedo estas más de acuerdo.

Crea tu propio blog

Si trabajas con contenidos, ¿porqué no aportas el tuyo?, ¿te has parado a pensar que tu puedes generar contenido de calidad e interesante?. Te animo a que dejes tu patita por Internet, más allá del Social Media, y compartas con todos nosotros tu knowhow.

No pares de formarte

La formación debe ser tu gran aliado para planificar con eficacia. No dejes de recibir siempre conocimiento, de leer, de escuchar conferencias interesantes, de asistir a charlas, de ver vídeos tutoriales y de empaparte con lo nuevo que sale en el mercado. Esto te dará una ventaja competitiva muy interesante con respecto a los que hacen lo mismo que tu.

Comparte y déjate ver

Y una vez que tengas todo esto, compártelo con creatividad y transparencia. Sin esperarlo te irás enganchando y, quién sabe, algún día puede servirte para algo. Todo lo que compartas será bien recibido por tus seguidores. Pero ojo, no te quedes solo en la oficina, enfrente del ordenador, sal y asiste a eventos, que te vean, haz networking con gente de tu sector o del medio… Es tan importante que te lean como que te vean.

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Consejos para Hacer Fotografía de Deportes

¿Alguna vez te has enfrentado a la situación de tener que hacer fotografías de deportes practicados en un pabellón cubierto? Probablemente si. ¿Y qué te pareció? ¿Conseguiste salvar alguna foto? Las condiciones de luminosidad y las exigencias de la velocidad de movimientos en estas circunstancias suelen jugar en tu contra. Si alguna vez te has encontrado en una situación parecida o crees que te puedes encontrar en ella en el futuro, no te pierdas los 8 consejos que traigo para que mejores drásticamente tus fotos de deportes en pista cubierta. ¿Los repasamos juntos?

1. Prepara bien el equipo

Lo primero que tienes que hacer antes de salir de casa es preparar bien el equipo.
Es algo que deberías hacer siempre que salgas con tu cámara independientemente del tipo de fotos que vayas a hacer, pero en este caso es probable además que hagas muchas fotos en muy poco tiempo.
Por ello, presta especial atención al estado de las baterías y las tarjetas de memoria, de modo que estén bien cargadas las primeras y vacías las segundas. 

2. Elige el sitio

Dependiendo del acceso que tengas al pabellón, puede que tengas más libertad para moverte por distintas zonas o tengas que elegir un sitio concreto desde el que seguir el evento completo.
 Si tu caso es el segundo, llega con tiempo suficiente para analizar bien el terreno y decidir desde dónde quieres fotografiar entre las distintas opciones que tengas. La distancia, el ángulo y la visibilidad serán factores determinantes en tu sesión fotográfica. 

3. Velocidad: 1/250 o mayor

El principal problema de las fotografías de deportes suele estar relacionado con la trepidación y con el movimiento de la escena.
La velocidad habitual para congelar la imagen en deportes parte de 1/250, aunque hay mucha gente que dispara a velocidades mayores, como puede ser 1/500.
Es bueno que estudies tu caso y hagas pruebas para ver qué velocidad te va bien y conocer así dónde están tus límites en esta situación, ya que al final dejaremos que sea la cámara la que seleccione este valor. 

4. ISO: el que te dé garantías

Probablemente ya lo hayas pensado. Si estás en un sitio que se caracteriza por no contar con demasiada buena luz y el tiempo de exposición va a ser muy reducido, vas a tener que usar un ISO bastante alto para que, en combinación con la apertura, te deje exponer correctamente.Afortunadamente, las cámaras cada vez consiguen una mayor calidad a ISOs altos, pero si tu cámara tiene ya unos años probablemente este elemento no esté tan conseguido.

Este es el motivo de que no pueda darte un valor ISO exacto, pero si de animarte a que conozcas bien las posibilidades de tu cámara. Independientemente de las opciones que te ofrezca, prueba bien la cámara para saber con qué valor máximo de ISO te sientes cómodo a partir de su relación de ruido. 

5. Apertura: la que te deje la luz que necesitas

 Te lo decía antes. Necesitarás mucha luz. Y esa luz te la dará la apertura.El problema es que, cuanto mayor es la apertura, menor es la profundidad de campo, con lo que corres el peligro de que los elementos que te interesan de la fotografía no queden correctamente enfocados.Muchas veces no tendrás opción: tendrás que usar la mayor apertura que te permita el objetivo y, aún con eso, forzar el ISO a valores elevados para garantizar el tiempo de exposición necesario para congelar la imagen. 

 

6. Si disparas en JPEG, ajusta el balance de blancos

Un problema frecuente de la iluminación artificial es el aspecto extraño de los colores que pueden llegar a recogerse con la cámara.
Este problema está relacionado con la temperatura del color y un ajuste incorrecto del balance de blancos.
Cuando disparas en JPEG, es necesario ajustar convenientemente la temperatura del color para evitar este problema, si bien existen programas como Lightroom que te permiten realizar osteriormente el ajuste de la temperatura del color a posteriori aunque el fichero esté en formato JPEG. 

7. Medición: Central en la mayoría de los casos

 

A la hora de medir la luz, el sistema de medición ideal puede depender enteramente de las condiciones de iluminación del pabellón.
Si hay fuentes de iluminación directas o reflejadas de tamaño importante dentro del encuadre, el uso de una medición matricial puede hacer que para exponer correctamente la fotografía, las personas que salen en la foto y que deberían ser el centro de atención de la misma queden oscuras. Por ello, en este tipo de situaciones, lo mejor es utilizar una medición central para exponer correctamente a la persona, que es la que enfocaremos y sobre la que mediremos la luz.
Si no se da el problema de luces que te comentaba antes, puedes optar con el modo de medición matricial sin problemas.
Lo mejor en cualquier caso es que hagas pruebas al principio para ver qué modo de medición responde mejor a tus expectativas.

 

 

8. Usa el modo de disparo en ráfaga

 

En este tipo de situaciones no puedes esperar que los modelos vayan a posar para ti.
Siempre es complicado captar ese instante único, y puede que una jugada se desarrolle de forma algo inesperada. Por ello, lo mejor es que utilices el modo de disparo en ráfaga.
Así conseguirás hacer varias fotografías en la misma escena y podrás luego elegir aquella que mejor represente la esencia de la situación, basada en gestos o momentos.
El número de disparos y su frecuencia suele variar de cámara a cámara y, dentro de un mismo modelo, del formato en el que estés haciendo las fotos y la velocidad de la tarjeta. En este sentido, si tienes exigencias especiales, lo mejor es que hagas pruebas previamente con tu cámara para saber hasta donde da de sí con un formato y una tarjeta concretos.

¿Me he dejado algún consejo? Ayúdame a completar la lista...

 

 

Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente?

Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente?

“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.

¿Para qué se utiliza la fotografía Macro?

 Para mí el primer uso es el de contemplar la belleza de las cosas “pequeñas” que nos rodean. Y digo pequeñas entre comillas porque el que sean pequeñas es algo muy relativo, sólo son pequeñas en nuestros ojos, y ahí es donde surge la utilidad de la Macrofotografía, que es capaz de enseñarnos la belleza del sujeto (sea objeto, animal o planta) en cuestión.

  Otros usos más objetivos son el de la investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la fotografía Macro, pues ésta ha permitido documentar muchos estudios relacionados con muchas especies animales y vegetales. También gracias a la Macrofotografía es posible contemplar y disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo tamaño muy reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su detalle.

 

¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro?

 Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro” (normalmente lleva el simbolito de una flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de muy de cerca, en la que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder hablar de una foto Macro. En mis tiempos de cámara compacta me encantaba hacer fotos en este modo que te comento, el del símbolo de la flor, pero la verdadera fotografía Macro empieza con una cámara de fotos réflex. Respondiendo a lo que muchos me han estado preguntando: la función Macro no es una característica de la propia cámara, sino más bien del objetivo empleado. Mucha gente quiere comprar su primera cámara de fotos réflex y me pregunta por cuál es la más indicada para hacer fotografía Macro. Todas. Realmente la cámara sólo hace la foto, el que enfoca es el objetivo y por lo tanto no te tienes que preocupar por el tema Macro a la hora de comprar la cámara. Es un detalle a tener en cuenta más a la hora de mirar objetivos. Una vez conseguida la cámara tenemos dos opciones: o hacernos con un lente conversor, o hacernos con un objetivo específico para fotografía Macro que es la opción que más recomiendo.

 

Lente conversor Macro

 Es la opción de quien no puede costearse un objetivo Macro auténtico. Consiste en emplear la cámara con cualquier objetivo que tengamos a mano, incluso el del kit original, y engancharle a este objetivo un pequeño lente conversor que, como su propio nombre indica, convierte el objetivo normal en un Macro. Es una opción muy barata la verdad, ya que los lentes conversores suelen tener un precio muy asequible. Pero cuidado, también te tengo que prevenir de que la calidad óptica que ofrecen estos lentes conversores está años luz lejos de la calidad que un objetivo Macro real te puede ofrecer.

 

Objetivos Macro

 Si has intentado enfocar con tu objetivo normal a una distancia muy pequeña habrás comprobado que éste tiene una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca. Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando. Es fácil encontrar este tipo de objetivos ya que en su caja, nombre o descripción suele aparecer la palabra “Macro”, y suelen tener una distancia focal comprendida normalmente entre los 50 y los 200mm (aunque los hay incluso de 500mm).

Cinco grandes maestros de la fotografía de naturaleza

Ansel Adams, George Lepp, Fritz Pölking, Frans Lanting y Art Wolfe han conseguido captar como nadie la belleza que nos rodea con sus cámaras de fotos. Son cinco de los mejores fotógrafos de naturaleza del siglo XX.  


Ansel Adams 





















 Este californiano se inició en la fotografía a principios del siglo XX utilizando una cámara Kodak que le regalaron sus padres. Y desde entonces hasta el final de su vida no se despegó de su objetivo. Entusiasta de los paisajes, participó en la creación del grupo f/64, que reunía a fotógrafos que defendían  la estética naturalista. Las imágenes que lo lanzaron a la fama fueron tomadas en el Parque Nacional Yosemite (EE.UU.). Autor de la frase "una fotografía no se toma, se hace", Ansel Adams se adelantó a su tiempo cuando vaticinó: "creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance".

 George Lepp 





















Considerado uno de los mejores fotógrafos de naturaleza contemporáneos, además de un viajero incansable. George Lepp ha publicado sus fotografías en revistas como Time, Natural History, National Wildlife y The New Yorker. Los tulipanes, los grandes felinos, los copos de nieve y las mariposas monarca son algunos de sus motivos fotográficos predilectos. 

 Fritz Pölking





















"Un fotógrafo no sólo debe plasmar la belleza del mundo natural, sino también sus dramas", afirmaba este veterano fotógrafo alemán, que describía sus fotografías como "imágenes del pensamiento" sin las que no podría vivir. Pölking sostenía que, para ser fotógrafo de naturaleza, es necesario tener dominio de la técnica, creatividad, un instinto ancestral y conocimientos de biología.




 FRANS Lanting















86 fotografías componen LIFE, a Journey through time, una muestra con la que el holandés Frans Lanting, fotógrafo de National Geographic, está dando la vuelta al mundo para contar la historia de la Tierra con sus propias imágenes. Thomas R. Kennedy, director de Fotografía del Washington Post, asegura que la genialidad de Lanting se debe a que "tiene la mente de un científico, la pasión de un cazador y los ojos de un poeta".







 Art Wolfe













 Wolfe es uno de los fotógrafos de naturaleza contemporáneos más productivos. Cuenta con más de un millón de fotos en su archivo, procedentes de los cinco continentes, que son reconocidas en todo el mundo por su dominio del color, la composición y la perspectiva. Activo defensor de la vida salvaje, es miembro de la Wildlife Conservation Society y de la Liga Internacional de Fotógrafos de la Conservación (ILCP, por sus siglas en inglés).







 

¿Cuál fue la primera fotografía?

La primera fotografía de la historia que se conserva fue tomada en 1826 por el ingeniero francés Nicéphore Niépce desde la ventana de su granero de Saint Loup de Varennes, en Francia. El reciente análisis de la fotografía en un espectrómetro de rayos X ha revelado los materiales utilizados por Niépce: una placa fotográfica de estaño pesado recubierta con una mezcla líquida de betún de Judea y aceite de lavanda, que se endurece al exponerse a la luz. 
Titulada Point de vue du Gras, la instantánea se conserva en la colección Gernsheim, de la Universidad de Texas, en Austin.