No habrá Photoshop CS7, el pago por suscripción y la Creative Cloud son la apuesta de Adobe

Ayer la gente de Adobe sorprendía con la noticia de que la conocida Creative Suite (o CS para los amigos) llegará a su fin con la próxima versión, que en vez de Photoshop CS7 (en nuestro caso) será Photoshop CC (Creative Suite). La Creative Suite ya fue presentada el año pasado pero lo hizo como opción alternativa a la compra de la licencia. Era más económica para aquellos que no iban a utilizar esa versión para toda la vida o para los que iban a hacer un uso pasajero de software Adobe.

Sin embargo, ahora llega para quedarse y lo hace sin otra opción. ¿Es una lucha de Adobe contra la piratería que ha permitido todo este tiempo? Solo ellos lo saben. La cuota de suscripción a una sola aplicación será de 25 euros al mes de forma aproximada y a la Cloud completa de cerca de 60 euros al mes. De forma adicional, los ya clientes de Adobe recibirán un descuento que dejará toda la Cloud a 37 euros al mes. Tened cuidado, las suscripciones completa y especial requieren un compromiso anual.

Los archivos se podrán almacenar en la nube y sincronizar entre equipos o trabajar de forma colaborativa entre varios usuarios con las mismas imágenes. Además, si le aplicas unos ajustes a una herramienta, también se aplicarán en tus otros equipos sincronizados. También contarás con un centro de control en Adobe en el que gestionar tus servicios y publicar algunos de tus trabajos.


 

Rompiendo mitos.

  Esta lista quizá se actualice pero hay cosas que resultan bastante confusas y quiero aclararlas:

 

• Lo de "Cloud" es solo con los archivos y ajustes, la Creative Cloud se seguirá ejecutando desde tu ordenador, consumiendo sus recursos. Lo único que cambiará es que algunas cosas se sincronizarán si tú así lo quieres. Se han escuchado rumores de que se ejecutaría en el navegador. Aún no tenemos una tecnología que soporte eso a gran escala. Los tiempos de latencia serían muy grandes. 
• No habrá que estar siempre conectado a Internet puesto que basta con hacerlo una vez cada 30 días para verificar tu suscripción. Si no pudieses, la aplicación seguirá funcionando hasta 180 días.
•   Todo esto se hará efectivo en junio de este año 2013. Tanto los nuevos servicios como el lanzamiento de las aplicaciones, entre ellas Photoshop CC. 
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Cómo Aprovechar el Atardecer

 Sombras Más Alargadas
Iluminar no es tarea fácil, menos aún si la iluminación que queremos usar no es artificial y por lo tanto, no podemos controlarla del todo. Uno de los principales problemas de este tipo de iluminación es la aparición de sombras no deseadas que pueden dejar parte de nuestro sujeto completamente oscuro y sin detalle.
Sin embargo, siempre hay trucos para evitar estas molestas sombras: cambiar la posición del sujeto o utilizar un reflector, por ejemplo. Durante el atardecer, el sol está cada vez más bajo y por lo tanto, las sombras que los sujetos proyectan son cada vez más largas (sí, ¡esto también pasa al amanecer!). Podríamos decir que estas sombras proyectadas tienen más personalidad, son especiales a nivel visual y nos pueden dar muchísimo juego fotográfico si intentamos incluirlas en nuestras composiciones. Entre otras cosas porque pueden darnos muchísima profundidad:  al ser tan largas, pueden ayudarnos a guiar la vista des de el primer plano de nuestra imagen hasta el fondo.

Luz Cálida

La cantidad de atmósfera que debe atravesar la luz del sol hasta llegar a nosotros es muy distinta durante las horas centrales día frente al momento del atardecer. Así que es normal que la cantidad y calidad de la luz que nos llega en este ratito antes del anochecer sea diferente. Si durante el día el sol nos da una luz más bien blanca, al atardecer nos regalará una luz rojiza.
Esto significa que, inevitablemente, las fotografías que tomemos en estos momentos tendrán una dominante más cálida. Esto puede remediarse cambiando el balance de blancos antes de hacer la fotografía (o después si disparas en RAW), sin embargo también puede ser aprovechado para conseguir un ambiente que no se puede conseguir con una luz más blanca. Esta iluminación es estupenda para realizar retratos, por ejemplo. 

Contraluces más fáciles

Es cierto: realizar contraluces es relativamente fácil en cualquier lugar y momento del día: basta con situar nuestra fuente de luz detrás de aquello que vamos a fotografiar. Sin embargo, si queremos realizar un contraluz muy extremo usando el sol, nos será más complicado porque en la mayor parte del día, el sol estará en una posición que nos obligará a cierto tipo de fotos (por ejemplo, contrapicados).
Durante el atardecer, como ya sabemos, el sol está más bajo y por lo tanto, utilizarlo para poder conseguir usarlo como fuente de luz para nuestros contraluces, será más fácil. Esto sumado a los colores cálidos que nos proporcionará el atardecer, puede dar como resultado fotografías muy especiales, imposibles de conseguir en otros momentos del día. Además, el atardecer puede ser el mejor momento para incluir el sol en la composición de nuestras fotografías: por un lado porque, al estar más bajo, nos será más fácil pero, a la vez, porque la cantidad de luz que nos llega de él es menor y por lo tanto, estará en más armonía con el resto de elementos de tus fotografías. 

La Famosa Hora Azul a tu Disposición

Pero el atardecer no es sólo esa franja horaria en la que el cielo está rojo o naranja, incluye todo el proceso en el que el sol se pone y empieza a anochecer. Otro de los momentos que nos proporcionará este proceso es la hora azul. La hora azul es ese momento en el que el sol ya se ha puesto pero aún no es totalmente de noche. El cielo pasa a teñirse de un azul oscuro muy llamativo que, además, muchas veces tiende a mezclarse con otros colores como el naranja o el violeta para dar como resultado un cielo muy curioso que podemos aprovechar para darle otro aire a nuestras fotografías.

Durante este momento, empiezan a aparecer las primeras estrellas en el cielo, así que podemos conseguir fotografiarlas sin necesidad de trasnochar (aunque, evidentemente, los resultados no serán los mismos que si hacemos las fotografías en noche cerrada). Ten en cuenta, sin embargo, que en estos momentos la luz empezará a escasear mucho así que, para poder aprovechar la hora azul, quizás sea necesario llevar contigo un trípode y un disparador remoto para evitar que las fotografías salgan trepidadas, además, la hora azul es un proceso muy rápido en el que el el cielo irá cambiando de tonalidades hasta llegar al negro. Ten en cuenta esto para poder aprovechar mejor el tiempo del que dispongas y poder incluir estas tonalidades en tus imágenes. 

8 errores propios del fotógrafo aficionado

El aprendizaje fotográfico es infinito. Es de esas cosas en la vida que no terminan nunca. Desde el primer momento en que decides entrar a este mundo, aceptas someterte para el resto de tus días a un continuo y perpetuo proceso de aprendizaje que te hará sentirte cada vez más grande. 

1 – No invertir en un buen objetivo, trípode y flash: 

 La cámara de fotos no es más que la mitad de la historia. Sin un buen objetivo estás limitando tus posibilidades de aprendizaje y posiblemente desaprovechando un enorme potencial creativo. Ten en cuenta que muchas fotos son simplemente imposibles de lograr sin un determinado tipo de lente. Personalmente adquirir el Rey de los Objetivos supuso para mí un “renacer” fotográfico 

De la misma manera, y sólo una vez te hayas hecho con el lente adecuado, deberías ir considerando adquirir un trípode y un flash. Aquí pasa lo mismo, la estabilidad que te ofrece un buen trípode y la luz de un flash en condiciones te abrirán nuevas puertas: podrás experimentar con la fotografía de larga exposición, podrás capturar cielos adornados de estrellas, o conseguir impactantes retratos gracias al flash de relleno. 

2 – No aprender el modo manual: 

Dejar la cámara en el modo automático y que ella decida los ajustes que hay que emplear resulta muy cómodo, y no hay peor enemigo para el aprendizaje que la “comodidad”. Lanzarte a utilizar el modo manual te va a resultar complejo al principio, como a todos, pero con el tiempo irás entendiendo mejor el funcionamiento de tu cámara, y podrás dominarla en su modo manual para conseguir exquisiteces fotográficas que jamás habías pensado poder alcanzar algún día. Si todavía te intimida el modo manual échale un vistazo a mi libro gratuito “Tus Primeros Pasos en Fotografía Réflex“. 

3 – No aprender la composición: 

 Olvídate de la cámara por un momento. Olvídate del objetivo y de los accesorios. Cierra los ojos. Ahora imagina la foto que quieres. Imagina que la puedes hacer sin ningún tipo de limitaciones. ¿Cómo sería? ¿Dónde colocarías el sujeto? ¿Es un paisaje? ¿Cómo lo encuadrarías? ¿Tiene varios sujetos? ¿Cómo los pondrías unos respecto a otros, en orden, en fila, desordenados,…? ¿Y los colores, qué colores combinarías para que la foto quedara perfecta? Como ves, la composición es lo más parecido a la pintura. El fotógrafo es el que organiza las cosas, los sujetos, los objetos, las formas, las siluetas y los colores en un determinado orden. Tu tarea no es la de configurar los ajustes manuales de la cámara y disparar solamente. Todo lo previo al disparo es responsabilidad tuya también. Eres un pequeño creador, recuérdalo.

 4 – Mucha teoría, poca práctica:

  No te limites a atesorar los conocimientos adquiridos. Ponlos en práctica. Si no lo haces acabarás olvidándolo todo más pronto que tarde. La práctica es lo que consolida todo lo aprendido. Para aprovechar los conceptos aprendidos no necesitas conseguir resultados asombrosos, ni que la gente se quede boquiabierta, anonadada y sin aliento al ver tus trabajos. No es necesario. Simplemente practica. Si llevas la teoría a la práctica, aprendes. Me da igual que la foto salga horripilante, lo más importante es practicar. Ya habrá tiempo de enderezar, afinar y mejorar.

 5 – No tener un flujo de trabajo muy claro:

  Después de una buena sesión de fotos ¿qué haces con tus fotos al volver a casa? ¿Dónde tienes ahora mismo las fotos de la última sesión? Si has tenido dudas a la hora de responder a alguna de estas dos preguntas, necesitas dedicar atención a este punto. No es nada complicado, no te dejes intimidar por el palabro “flujos de trabajo”. Un flujo de trabajo no es otra cosa que las fases por las que pasa una foto desde que la tomas con la cámara hasta que la foto es impresa o guardada en su carpeta final, con su edición o posprocesado, sus etiquetas, y su copia de seguridad si hace falta. El truco está en tener un flujo de trabajo bien definido, claro, y seguirlo siempre.

 6 – Llevar la cámara a donde no es bienvenida:

  A todos nos ha pasado que, al principio de nuestra vida de fotógrafos, nos encontramos muy entusiasmados y llevamos la cámara encima a todas partes. Eso en principio está bien, sobre todo porque, quién sabe dónde puede surgir una gran foto.

 7 – No salir del mundo virtual nunca:

  De vez en cuando dale vida a tus fotos. Cada poco tiempo escoge una cuidada selección de tus trabajos, mándalos a imprimir y disfrútalos en “real”. Existe un sinfín de tiendas físicas y online con precios muy competitivos para dotar de vida tus trabajos fotográficos.Aunque prefieras guardar tus fotos en formato digital (soy un defensor empedernido del formato digital), imprimir tus mejores fotografía en papel contribuye a que visualices, directa o indirectamente, los resultados de tu esfuerzo. Unas fotos impresas y enmarcadas en un estante, o colgadas en la pared, con tu firma, constituirán un buen chute de autoestima para tu faceta de fotógrafo. Insisto, no tienen por qué ser grandes fotografías dignas de la portada del National Geographic. Tienen que ser fotos tuyas, que te gusten. Fotos que quieras.

 8 – Rendirse demasiado pronto:

  Si eres lector de este blog por favor ni se te ocurra jamás pensar “No sé, creo que esto no es para mí”. El mayor de los errores es rendirse demasiado pronto, lo cual es muy común entre fotógrafos principiantes. El único requisito para aprender fotografía es que te guste. Que te apasione. Si tienes eso, lo demás viene rodado. La fotografía no es nada difícil. Freír un huevo, conducir un coche con cambio manual o cambiarle los pañales a un bebé es más difícil, créeme. Simplemente échale ganas, abalánzate sobre la cámara sin miedo, con amor y entusiasmo. No te preocupes, por mucho botón que toques jamás la vas a estropear. Tócala sin miedo. Disfrútala.

No eres un fotógrafo profesional

Hoy en día todos tienen una cámara y todos quieren ser fotógrafos. Una cosa es sacar fotografías de sillas en blanco y negro y decirse fotógrafo (no hay nada de malo en esto), algo diferente es decirse fotógrafo y ofrecer tus servicios “profesionalmente”.

La página web “You are not a Photographer” colecciona imágenes de estos supuestos profesionales de la fotografía con comentarios a propósito de sus obras (respetando el anonimato de los autores). Entre la crueldad y el sentido del humor aquí podemos apreciar un poco de lo peor que puede traer la fotografía y aprender en el camino aquello que no tenemos que hacer.

Se que mucha gente habla del intrusismo en la fotografía, pero después de ver estas imágenes sólo me queda pensar que no hay ningún peligro para los verdaderos fotógrafos profesionales.

De todas maneras es importante tener buen humor y saber reírse de uno mismo. Quién se anima a mostrarnos su peor trabajo profesional.

Qué no hacer

Casi siempre hablamos de los grandes fotógrafos y de lo mucho que podemos aprender de ellos; a veces olvidamos que también es posible aprender de los peores, pero siempre guardando el sentido del humor. En medio de estos horrendo ejemplos encontramos algunos buenos consejos:

• Fotografía y tipografía: Si el texto no añade nada a la imagen está de más.
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• Foto retrato: Poses forzadas y sonrisas forzadas pueden matar la imagen.
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• Efectos: El uso de marcos decorativos, sombreados, viñetas y cientos de otros efectos usados están de mas en un 105% de los casos.
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• Spot Color: Uno de los grandes peligros del retoque fotográfico, casi siempre está de más. Si se quiere usar, que al menos tenga una razón de ser.
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• Fotos de maternidad: Aparentemente uno de los más difíciles proyectos fotográficos (y con peores resultados).
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• Fondos: El fondo de la fotografía es tan importante como el protagonista y por lo tanto tiene que estar bien pensada, pero de ninguna manera tiene que robarle la importancia a la escena.
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• Conceptos básicos: Enfoque, encuadre, iluminación nunca están de más.
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• Uso de accesorios: Pueden darle algo original a la fotografía o destruirla completamente.
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  Pero quizás al final el concepto básico que podemos concluir de estas imágenes casi hipnóticas es que cualquier fotógrafo puede convertirse en fotógrafo profesional, pero definitivamente, no todos los fotógrafos profesionales pueden llamarse buenos fotógrafos.

LA PEOR PROFESION? LO DUDO....

La profesión de fotógrafo no estaría siendo la más candente del mundo, de acuerdo con una lista reciente publicada por CareerCast para rankear los mejores y peores trabajos del mundo. Pero al menos –aunque no debería hablar por mí misma- no son periodistas ni leñadores. Estos son dos de los peores trabajos del mundo, aún más que lavaplatos y basurero, sin desmerecer la profesión de nadie. En 2010, el fotógrafo se encontraba en la posición 126 de 200, y en esta oportunidad cae 15 posiciones.

Los leñadores y los periodistas se encuentran en la posición 199 y 200 respectivamente. La profesión de fotógrafo, por otro lado, cayó esos 15 puestos para ubicarse en la posición 172, debajo del controlador aéreo y el empleado de la construcción. Los fotoperiodistas, por otro lado, pueden celebrar aunque sea un poco. Este año saltaron a la posición 188, justo por encima de los oficiales de las correccionales, pero por debajo de los lavaplatos.

CareerCast usa una metodología particular para poder llegar a estos resultados. Los factores considerados fueron: ambiente, ingresos, y estrés. En esta oportunidad, las demandas físicas –que fueron incluidas por separado en un mismo índice que elaboraron en 2010 y donde los fotógrafos salieron un poco más arriba- están incluidas dentro del ambiente. Y hay que aclarar que son pocos los factores que son considerados para hacer este ranking, ni hablar de la transparencia.

No se están considerando muchos factores. Por ejemplo, la satisfacción de la persona que está haciendo ese trabajo. Si realmente está en las últimas posiciones de la lista de peores trabajos, entonces nos deberíamos sentir mal por tenerlo, ¿no? Y sin embargo, muchas personas año a año consideran y realmente lo hacen, se dedican a la profesión de fotógrafo. O somos todos suicidas y depresivos, o algo tiene que estar andando mal en este ranking.


Eso explica que empleos tan dispares puedan estar en mejores posiciones. Es obvio que un lavaplatos no estará tan bien pagado como un fotógrafo –ni tan apasionado por su trabajo- pero su nivel de estrés será menor, porque no tendrá tantas responsabilidades. Quizás no tienen tanto estrés, pero tampoco están tan felices o se sienten tan satisfechos. De hecho, tampoco consideran que muchas personas desean ser fotógrafos. Y una lista como esta no hará demasiado para cambiar estos deseos.


Por otro lado, nos tenemos que preguntar por qué nos ponemos a pensar seriamente en una lista como esta, en lugar de desestimarla como si realmente fuera ridícula. La realidad es que también existe un cierto bastardeo de la profesión, no solamente con los salarios pagados a los fotógrafos, sino con la impresión que tienen muchas personas de “cualquiera puede hacer este trabajo”. Lo vemos cada vez que una fotografía de mala calidad sacada por una persona inexperta aparece como si fuera profesional, y la gente se queja, pero tampoco están dispuestos a pagar lo que realmente vale el trabajo de un profesional. Como para no tener estrés.

Sé que es más sencillo titular este post de la siguiente manera: “Trucos para planificar tus Redes Sociales”, pero ya sabes que a los que trabajamos en esto del Marketing.En realidad, y para ser más precisos, el título debería haber sido: “Social Media Planner Tips”

Si te dedicas a trabajar en Redes Sociales para tu empresa o de forma personal, sabrás que es muy importante que las conozcas a fondo para poder sacarles el mayor provecho. Pero la pregunta es: ¿cuántas redes sociales debo conocer para poder ser un buen Social Media Planner? ¿Dónde pongo los límites al campo?
Diariamente están saliendo Redes Sociales de debajo de las piedras. Cada colectivo, asociación, federación o agrupación de personas o empresas desea tener su “Red Social” para estar conectado con los suyos. Y al final, pasa lo de siempre: dejamos de invertir tiempo y recursos y nos limitamos a trabajar con las que ya están creadas porque ahí es dónde está todo el mundo. Ahí va un listado de Redes Sociales nuevas que, posiblemente, algunas te suenen y otras no. No te preocupes que poco a poco iremos viendo cada una de ellas:
 
 




Esta es una pequeña lista pero hay muchas más que no pongo por no agobiarte. Lo importante es que sepas para qué quieres utilizar las Redes Sociales y realmente uses las que más se adecuen a tus necesidades. Por ejemplo, si tienes una clínica dental y te da por utilizar Instagram… creo que tendrás pocos seguidores.

Pero utilices la Red Social que utilices, te recomiendo que lo primero que debes saber es algo de inglés. Ten en cuenta que la inmensa mayoría de los contenidos y herramientas en Internet están en inglés y es muy necesario tener unas nociones básicas para que no te pierdas y lo dejes por cansancio y desidia. Si ya sabes inglés, imagina que el “Universo Internet” estuviera escrito en polaco. ¿No te frustraría?.
El inglés es fundamental, ya no solo online, sino en el mundo de los negocios y, cada vez más, en el mundo de las relaciones personales debido a la globalización.

Sigue Blogs a través de RSS

Todos sabemos perfectamente qué blogs y qué contenidos de páginas web concretas nos gusta seguir. No hace falta que tengas que entrar en cada uno de ellos cada vez que quieras leer. Hay unos programas que son administradores de RSS que te ayudarán a concentrar, en una sola aplicación, todos aquellos blogs que te interesan. Podrás leer la recopilación de todas las publicaciones de los blogs elegidos, como si de una revista de contenidos personalizados se tratara. Muy sencillo y bueno para estar al día de lo que te interesa. El administrador RSS que tengo yo instalado en mi iPhone es Feedly, que es gratis y muestra los contenidos de forma atractiva y dinámica.
Cuando busques blogs de información que te interesa, no te limites a los blogs de tu país. Un buen Social Media Planner hace una recopilación de blogs tanto nacionales como internacionales.

Participa en foros

Los foros son una fuente de información brutal y muchas empresas no lo están utilizando. Ahí es dónde se habla, se discute, se plantean preguntas, necesidades potenciales de los usutarios, etc. Debemos estar en los foros y alimentar conversaciones de nuestros intereses para que nos demás usuarios nos generen información valiosa.

Mi último descubrimiento: Ivoox

Hace unos meses he conocido a un gran tipo, empresario coraje y consumidor insaciable de conocimiento. Da gusto hablar con él. Pues bien, la semana pasada me enseñó esta aplicación y, todavía no salgo de mi asombro. Con Ivoox tienes acceso a todo el conocimiento que quieras. Programas monográficos, cursos completos, seminarios, audiolibros, podcasts, etc. Miles y miles de audios que, de forma gratuita, te puedes descargar para escuchar cuando quieras. Juan Carlos, muchas gracias por compartirlo.

No sólo de “ON” vive el Social Media Planner

De vez en cuando debes salir de la vida online. “Allí fuera” hay muchas cosas que te pueden seguir enriqueciendo como puede ser un buen libro, pasear por la calle y observar la conducta del personal, subirte a un autobús en hora punta y ver las caras de los viajeros… en fin, se aprenden muchas cosas, te lo aseguro. Es más, como decía Joost Van Nispen en una de sus últimas conferencias, “hoy en día el Marketing debe ser una mezcla entre On y Off”. No puedo estas más de acuerdo.

Crea tu propio blog

Si trabajas con contenidos, ¿porqué no aportas el tuyo?, ¿te has parado a pensar que tu puedes generar contenido de calidad e interesante?. Te animo a que dejes tu patita por Internet, más allá del Social Media, y compartas con todos nosotros tu knowhow.

No pares de formarte

La formación debe ser tu gran aliado para planificar con eficacia. No dejes de recibir siempre conocimiento, de leer, de escuchar conferencias interesantes, de asistir a charlas, de ver vídeos tutoriales y de empaparte con lo nuevo que sale en el mercado. Esto te dará una ventaja competitiva muy interesante con respecto a los que hacen lo mismo que tu.

Comparte y déjate ver

Y una vez que tengas todo esto, compártelo con creatividad y transparencia. Sin esperarlo te irás enganchando y, quién sabe, algún día puede servirte para algo. Todo lo que compartas será bien recibido por tus seguidores. Pero ojo, no te quedes solo en la oficina, enfrente del ordenador, sal y asiste a eventos, que te vean, haz networking con gente de tu sector o del medio… Es tan importante que te lean como que te vean.

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Consejos para Hacer Fotografía de Deportes

¿Alguna vez te has enfrentado a la situación de tener que hacer fotografías de deportes practicados en un pabellón cubierto? Probablemente si. ¿Y qué te pareció? ¿Conseguiste salvar alguna foto? Las condiciones de luminosidad y las exigencias de la velocidad de movimientos en estas circunstancias suelen jugar en tu contra. Si alguna vez te has encontrado en una situación parecida o crees que te puedes encontrar en ella en el futuro, no te pierdas los 8 consejos que traigo para que mejores drásticamente tus fotos de deportes en pista cubierta. ¿Los repasamos juntos?

1. Prepara bien el equipo

Lo primero que tienes que hacer antes de salir de casa es preparar bien el equipo.
Es algo que deberías hacer siempre que salgas con tu cámara independientemente del tipo de fotos que vayas a hacer, pero en este caso es probable además que hagas muchas fotos en muy poco tiempo.
Por ello, presta especial atención al estado de las baterías y las tarjetas de memoria, de modo que estén bien cargadas las primeras y vacías las segundas. 

2. Elige el sitio

Dependiendo del acceso que tengas al pabellón, puede que tengas más libertad para moverte por distintas zonas o tengas que elegir un sitio concreto desde el que seguir el evento completo.
 Si tu caso es el segundo, llega con tiempo suficiente para analizar bien el terreno y decidir desde dónde quieres fotografiar entre las distintas opciones que tengas. La distancia, el ángulo y la visibilidad serán factores determinantes en tu sesión fotográfica. 

3. Velocidad: 1/250 o mayor

El principal problema de las fotografías de deportes suele estar relacionado con la trepidación y con el movimiento de la escena.
La velocidad habitual para congelar la imagen en deportes parte de 1/250, aunque hay mucha gente que dispara a velocidades mayores, como puede ser 1/500.
Es bueno que estudies tu caso y hagas pruebas para ver qué velocidad te va bien y conocer así dónde están tus límites en esta situación, ya que al final dejaremos que sea la cámara la que seleccione este valor. 

4. ISO: el que te dé garantías

Probablemente ya lo hayas pensado. Si estás en un sitio que se caracteriza por no contar con demasiada buena luz y el tiempo de exposición va a ser muy reducido, vas a tener que usar un ISO bastante alto para que, en combinación con la apertura, te deje exponer correctamente.Afortunadamente, las cámaras cada vez consiguen una mayor calidad a ISOs altos, pero si tu cámara tiene ya unos años probablemente este elemento no esté tan conseguido.

Este es el motivo de que no pueda darte un valor ISO exacto, pero si de animarte a que conozcas bien las posibilidades de tu cámara. Independientemente de las opciones que te ofrezca, prueba bien la cámara para saber con qué valor máximo de ISO te sientes cómodo a partir de su relación de ruido. 

5. Apertura: la que te deje la luz que necesitas

 Te lo decía antes. Necesitarás mucha luz. Y esa luz te la dará la apertura.El problema es que, cuanto mayor es la apertura, menor es la profundidad de campo, con lo que corres el peligro de que los elementos que te interesan de la fotografía no queden correctamente enfocados.Muchas veces no tendrás opción: tendrás que usar la mayor apertura que te permita el objetivo y, aún con eso, forzar el ISO a valores elevados para garantizar el tiempo de exposición necesario para congelar la imagen. 

 

6. Si disparas en JPEG, ajusta el balance de blancos

Un problema frecuente de la iluminación artificial es el aspecto extraño de los colores que pueden llegar a recogerse con la cámara.
Este problema está relacionado con la temperatura del color y un ajuste incorrecto del balance de blancos.
Cuando disparas en JPEG, es necesario ajustar convenientemente la temperatura del color para evitar este problema, si bien existen programas como Lightroom que te permiten realizar osteriormente el ajuste de la temperatura del color a posteriori aunque el fichero esté en formato JPEG. 

7. Medición: Central en la mayoría de los casos

 

A la hora de medir la luz, el sistema de medición ideal puede depender enteramente de las condiciones de iluminación del pabellón.
Si hay fuentes de iluminación directas o reflejadas de tamaño importante dentro del encuadre, el uso de una medición matricial puede hacer que para exponer correctamente la fotografía, las personas que salen en la foto y que deberían ser el centro de atención de la misma queden oscuras. Por ello, en este tipo de situaciones, lo mejor es utilizar una medición central para exponer correctamente a la persona, que es la que enfocaremos y sobre la que mediremos la luz.
Si no se da el problema de luces que te comentaba antes, puedes optar con el modo de medición matricial sin problemas.
Lo mejor en cualquier caso es que hagas pruebas al principio para ver qué modo de medición responde mejor a tus expectativas.

 

 

8. Usa el modo de disparo en ráfaga

 

En este tipo de situaciones no puedes esperar que los modelos vayan a posar para ti.
Siempre es complicado captar ese instante único, y puede que una jugada se desarrolle de forma algo inesperada. Por ello, lo mejor es que utilices el modo de disparo en ráfaga.
Así conseguirás hacer varias fotografías en la misma escena y podrás luego elegir aquella que mejor represente la esencia de la situación, basada en gestos o momentos.
El número de disparos y su frecuencia suele variar de cámara a cámara y, dentro de un mismo modelo, del formato en el que estés haciendo las fotos y la velocidad de la tarjeta. En este sentido, si tienes exigencias especiales, lo mejor es que hagas pruebas previamente con tu cámara para saber hasta donde da de sí con un formato y una tarjeta concretos.

¿Me he dejado algún consejo? Ayúdame a completar la lista...

 

 

Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente?

Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente?

“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.

¿Para qué se utiliza la fotografía Macro?

 Para mí el primer uso es el de contemplar la belleza de las cosas “pequeñas” que nos rodean. Y digo pequeñas entre comillas porque el que sean pequeñas es algo muy relativo, sólo son pequeñas en nuestros ojos, y ahí es donde surge la utilidad de la Macrofotografía, que es capaz de enseñarnos la belleza del sujeto (sea objeto, animal o planta) en cuestión.

  Otros usos más objetivos son el de la investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la fotografía Macro, pues ésta ha permitido documentar muchos estudios relacionados con muchas especies animales y vegetales. También gracias a la Macrofotografía es posible contemplar y disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo tamaño muy reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su detalle.

 

¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro?

 Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro” (normalmente lleva el simbolito de una flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de muy de cerca, en la que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder hablar de una foto Macro. En mis tiempos de cámara compacta me encantaba hacer fotos en este modo que te comento, el del símbolo de la flor, pero la verdadera fotografía Macro empieza con una cámara de fotos réflex. Respondiendo a lo que muchos me han estado preguntando: la función Macro no es una característica de la propia cámara, sino más bien del objetivo empleado. Mucha gente quiere comprar su primera cámara de fotos réflex y me pregunta por cuál es la más indicada para hacer fotografía Macro. Todas. Realmente la cámara sólo hace la foto, el que enfoca es el objetivo y por lo tanto no te tienes que preocupar por el tema Macro a la hora de comprar la cámara. Es un detalle a tener en cuenta más a la hora de mirar objetivos. Una vez conseguida la cámara tenemos dos opciones: o hacernos con un lente conversor, o hacernos con un objetivo específico para fotografía Macro que es la opción que más recomiendo.

 

Lente conversor Macro

 Es la opción de quien no puede costearse un objetivo Macro auténtico. Consiste en emplear la cámara con cualquier objetivo que tengamos a mano, incluso el del kit original, y engancharle a este objetivo un pequeño lente conversor que, como su propio nombre indica, convierte el objetivo normal en un Macro. Es una opción muy barata la verdad, ya que los lentes conversores suelen tener un precio muy asequible. Pero cuidado, también te tengo que prevenir de que la calidad óptica que ofrecen estos lentes conversores está años luz lejos de la calidad que un objetivo Macro real te puede ofrecer.

 

Objetivos Macro

 Si has intentado enfocar con tu objetivo normal a una distancia muy pequeña habrás comprobado que éste tiene una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca. Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando. Es fácil encontrar este tipo de objetivos ya que en su caja, nombre o descripción suele aparecer la palabra “Macro”, y suelen tener una distancia focal comprendida normalmente entre los 50 y los 200mm (aunque los hay incluso de 500mm).

Cinco grandes maestros de la fotografía de naturaleza

Ansel Adams, George Lepp, Fritz Pölking, Frans Lanting y Art Wolfe han conseguido captar como nadie la belleza que nos rodea con sus cámaras de fotos. Son cinco de los mejores fotógrafos de naturaleza del siglo XX.  


Ansel Adams 





















 Este californiano se inició en la fotografía a principios del siglo XX utilizando una cámara Kodak que le regalaron sus padres. Y desde entonces hasta el final de su vida no se despegó de su objetivo. Entusiasta de los paisajes, participó en la creación del grupo f/64, que reunía a fotógrafos que defendían  la estética naturalista. Las imágenes que lo lanzaron a la fama fueron tomadas en el Parque Nacional Yosemite (EE.UU.). Autor de la frase "una fotografía no se toma, se hace", Ansel Adams se adelantó a su tiempo cuando vaticinó: "creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance".

 George Lepp 





















Considerado uno de los mejores fotógrafos de naturaleza contemporáneos, además de un viajero incansable. George Lepp ha publicado sus fotografías en revistas como Time, Natural History, National Wildlife y The New Yorker. Los tulipanes, los grandes felinos, los copos de nieve y las mariposas monarca son algunos de sus motivos fotográficos predilectos. 

 Fritz Pölking





















"Un fotógrafo no sólo debe plasmar la belleza del mundo natural, sino también sus dramas", afirmaba este veterano fotógrafo alemán, que describía sus fotografías como "imágenes del pensamiento" sin las que no podría vivir. Pölking sostenía que, para ser fotógrafo de naturaleza, es necesario tener dominio de la técnica, creatividad, un instinto ancestral y conocimientos de biología.




 FRANS Lanting















86 fotografías componen LIFE, a Journey through time, una muestra con la que el holandés Frans Lanting, fotógrafo de National Geographic, está dando la vuelta al mundo para contar la historia de la Tierra con sus propias imágenes. Thomas R. Kennedy, director de Fotografía del Washington Post, asegura que la genialidad de Lanting se debe a que "tiene la mente de un científico, la pasión de un cazador y los ojos de un poeta".







 Art Wolfe













 Wolfe es uno de los fotógrafos de naturaleza contemporáneos más productivos. Cuenta con más de un millón de fotos en su archivo, procedentes de los cinco continentes, que son reconocidas en todo el mundo por su dominio del color, la composición y la perspectiva. Activo defensor de la vida salvaje, es miembro de la Wildlife Conservation Society y de la Liga Internacional de Fotógrafos de la Conservación (ILCP, por sus siglas en inglés).







 

¿Cuál fue la primera fotografía?

La primera fotografía de la historia que se conserva fue tomada en 1826 por el ingeniero francés Nicéphore Niépce desde la ventana de su granero de Saint Loup de Varennes, en Francia. El reciente análisis de la fotografía en un espectrómetro de rayos X ha revelado los materiales utilizados por Niépce: una placa fotográfica de estaño pesado recubierta con una mezcla líquida de betún de Judea y aceite de lavanda, que se endurece al exponerse a la luz. 
Titulada Point de vue du Gras, la instantánea se conserva en la colección Gernsheim, de la Universidad de Texas, en Austin.

RESPUESTAS

¿Qué tipo de iluminación es necesaria para realizar una sesión de moda?  
La iluminación en muchos casos es prescindible; se puede realizar una sesión de moda con luz natural. Si fuese con luz artificial, hay que tener en cuenta la atmósfera que tiene que tener esa sesión; según el ambiente que se quiere conseguir, buscar las luces adecuadas. 

¿Cuáles serían las características básicas que necesita una imagen de moda para ser publicada en un catálogo?  
 Que sea una buena fotografía, y una buena fotografía es un conjunto armónico de muchos elementos que la componen. Si algunos de esos elementos adquiere más portagonismo que los otros puede convertirtirse en un fallo y estropear la foto. 

¿Qué ángulos son los más utilizados en una fotografía de moda ?
 No hay uno más utilizado que otro. Hay el más adecuado para cada imagen. 

¿Cómo es posible capturar correctamente tanta tonalidad cromática? ¿Desarrolla el fotógrafo un trabajo previo para ello?
  En un 50 % de mi trabajo no hay tonalidad cromática porque se realiza en blanco y negro. El 50 % hecho en color, se utilizan las gamas que refuercen la atmósfera de la fotografia que se quiere conseguir en cada ocasión. 


¿A qué le da más importancia un fotógrafo de moda al envoltorio del/la modelo (es decir, el decorado, el exterior…) o a la/el modelo en sí?
 Una buena fotografia de moda tiene que tener controlados todos los elementos: localización adecuada, decorado, luz apropiada, casting perfecto, y por supuesto no olvidar nunca que se está fotografiando indumentaria. 


¿Podría contarnos algunos trucos sencillos que nunca fallan para “tirar” una buena fotografía de moda?¿Cuáles?  
 No existen trucos, éste no es un juego de magia. El único secreto es tener la imagen en la mente antes de disparar. 

 ¿Qué tipo de postproducción requieren las fotos de moda?
 Lo mismo que cualquier otro tipo de fotografía, la adecuada para conseguir la imagen esa que el fotógrafo llevaba en mente.

GRACIAS POR VISITARME!!!!

GRACIAS A LAS VISISTAS DIARIAS Y MENSUALES!!!!

Cinco razones por las que los desarrolladores siguen prefiriendo iOS frente a Android

1. Usuarios más activos

Seguro que habéis leído ya en alguna que otra ocasión que los usuarios de Apple tendemos a navegar más por Internet que los de Android (con un 67% del tráfico web desde dispositivos móviles en diciembre sin ir más lejos) o hacer más compras desde ellos (con el iPad acaparando el 88% de las compras realizadas desde tablets durante el Black Friday en los EE.UU.), pero la cosa va más lejos.
Según dos estudios bastante recientes parece que mientras que a todos nos encanta descargar y utilizar aplicaciones nuevas, los usuarios de iPhone pasamos mucho más tiempo al día enredados con nuestros teléfonos (26 minutos más de media que el usuario típico de Android) y no contentos con ello, lo hacemos en menor proporción utilizando el teléfono para llamar y más como smartphone para todo lo demás.


Une a eso el estudio que asegura que también somos más fieles a las apps que descargamos, superando en un 52% frente a Android el número de aplicaciones que utilizamos más de 11 veces antes de condenarlas al olvido, y empezaréis a entender de qué va todo esto.

 


¿Dudáis de la veracidad de estos estudios? Bueno, incluso los más escépticos tendréis que aceptar las cifras oficiales de descargas de la App Store y Google Play: 50.000 millones en la tienda de Apple y 48.000 millones en la de Google. La diferencia es escasa, especialmente si recordamos que la App Store se lanzó tres meses antes, pero ¿dónde están aquí esos 400 millones de dispositivos Android de ventaja?
Muchos creen que lo que ocurre es que un buen número de usuarios de Android no descargan aplicaciones en absoluto, quizás porque ni tan siquiera saben como hacerlo, no les importa, o tan solo querían un teléfono y se llevaron lo que les ofrecieron en la tienda. Viendo los datos, motivos no les faltan.

2. Silicon Valley está lleno de iPhones

Ash Rust, cofundador de la startup de llamadas VoIP y mensajería SendHub, asegura que su equipo apostó primero por iOS por otra razón: todo el mundo tiene un iPhone en Silicon Valley, el área de la Bahía de San Francisco con mayor concentración de compañías tecnológicas jóvenes como la suya.

Y no penséis que esto no afecta a las grandes compañías. Incluso Facebook se vio en la tesitura de pegar carteles por sus oficinas predicando para convencer a sus empleados que utilizasen terminales Android para poder probar su en aquel momento mediocre aplicación.

3. Enséñame la pasta

Y si testear tu aplicación de un modo fácil y sencillo es genial, ganar dinero con ella lo es aún más. Poco que discutir aquí. Nuevamente distintos estudios inclinan la balanza considerablemente hacia el lado de la App Store, y aunque la tienda de Google ha mejorado considerablemente en el último año, la App Store sigue generando casi el triple de ingresos.





Fijándonos en un caso concreto, hace apenas un par de semanas os contábamos que los videojuegos de iOS ya generan más ingresos que los de las consolas portátiles y dispositivos Android combinados (esos 900 millones). Así que jugamos más y durante más tiempo (punto 1) y estamos más dispuestos a pagar por lo que queremos. ¿Desarrollas videojuegos? Entonces deberías tenerlo claro.

4. Pocos desarrolladores de Android en nómina

De nuevo en San Francisco, Ajay Kamat, fundador de la app de iPhone Wedding Party pone el dedo sobre un problema que aunque se irá mitigando con el tiempo, sigue siendo un factor incluso hoy día:

“Cuando empezamos la mayoría de gente en nuestro equipo eran usuarios de iOS, así que comprendíamos bien la plataforma como consumidores. Sencillamente hay más desarrolladores con experiencia en iOS en nuestra comunidad.”

Según Kamat, los desarrolladores con experiencia en Android “son muy difíciles de conseguir”, algo en lo que coincide el CEO de Ness, una popular aplicación de recomendación de restaurantes que confió primero en el iPhone y ha relegado el desarrollo de la versión para Android a una tercera fase por detrás de la versión web optimizada para dispositivos móviles por una sencilla razón: aún no cuentan con ningún desarrollador de Android en plantilla.
Eso sí, la buena noticia es que si estás estudiando a fondo el desarrollo de apps para Android y estás dispuesto a cruzar el charlo, viendo el panorama es más que probable que te sobre el trabajo. Como están las cosas en España es para pensárselo, ¿no?

5. Los pesos pesados y el factor estratégico

Llegamos por último al quinto punto, la comprensible tendencia de intentar imitar los casos de éxito de los grandes. Todos quieren ser el próximo Instagram, que empezó jugando la baza de la exclusividad como app para iPhone y terminó siendo comprado por 1000 millones de dólares por Facebook apenas un año y medio después de su lanzamiento.

 

 Tampoco podemos olvidar el caso de Flipboard, uno de los peces gordos que se labró un nombre en iOS antes de firmar un acuerdo con Samsung para contar con un período de exclusividad en el Galaxy S3 frente a su lanzamiento oficial en Google Play. Evan Doll, cofundador de la compañía, explica su decisión:

“iOS y Android, cada uno tiene diferentes fortalezas que se prestan a cosas diferentes. Los dispositivos con iOS son más predecibles en términos de tamaño de pantalla y capacidades, lo que es muy útil cuando estás desarrollando una nueva funcionalidad.”

Yahoo es otra compañía que también ha tomado por costumbre el centrarse primero en mejorar sus aplicaciones para iOS antes de propagar los cambios a las versiones de Android, teniendo en Flickr y las recién actualizadas Tiempo y Mail sus mejores ejemplos. En este caso además, quizás su decisión no se deba únicamente a cuestiones estratégicas sino también técnicas a la vista de que la app Yahoo! Tiempo fue actualizada en ambas plataformas el mismo día pero está notablemente más refinada en iOS.
Diablos, si a veces incluso Google apuesta por iOS primero. Ahí tenéis el caso de Google Maps, que estrenó su nuevo diseño en la plataforma de Apple meses antes de aterrizar en Google Play. Aquí sí estamos ante su propia versión de juegos de guerra, aligerándose para explotar el momento de debilidad del enemigo, pero aún así no deja de ser una decisión muy esclarecedora que reafirma la importancia de iOS para el gigante de los buscadores.
Y finalmente, como no, tenemos a Twitter, quienes seis meses después de lanzar Vine para iOS y pese a la promesa de una versión para Android, se sacaron de la manga una segunda app exclusiva (hasta nuevo aviso) de la plataforma de Apple: Twitter Music. Vale que no es una gran pérdida para nuestros vecinos (Music tiene pinta de seguir el éxito de Ping) pero eso no quita que les deje, y con razón, mal sabor de boca.
No me cabe duda de que Android seguirá madurando como plataforma y es inevitable que en algún momento de los próximos años veamos a más compañías optar por el escenario opuesto, es decir, lanzar sus aplicaciones primero para el sistema de Google y luego en el de Apple. Hasta entonces, iOS es claramente la apuesta más segura.

 

 

 

Google anuncia una actualización para la aplicación de Gmail para iOS

En realidad es una actualización que afectará no solo a iOS, sino también a su homónima para Android y que también podremos ver en la versión de escritorio que accedemos desde los navegadores de nuestros Mac. El rediseño fue presentado ayer y lo podremos disfrutar en las próximas semanas, vendrá a facilitar el uso general de la aplicación para todos sus usuarios. Pero los que más utilidad encontrarán a esta actualización serán sin duda los “hard-users” de Gmail.La novedad radica en una mejora de la bandeja de entrada, de hecho podríamos decir que la bandeja de entrada desaparece de por sí. Que no es que lo haga realmente, no os alarméis, sino que sufre una variación que hará que no la usemos como lo haríamos antes. Esta actualización nos permitirá una bandeja de entrada con etiquetas, de tal manera que podremos filtrar todos nuestros mensajes según intereses. Las categorías que nos aparecerán serán, principal, social, ofertas, notificaciones y forums, lo cual como podéis vislumbrar nos ayudará enormemente a la hora de poder lidiar con nuestra bandeja de correo. La verdad es que si usas de una manera muy activa Gmail, para trabajo por ejemplo, esta actualización puede facilitarte mucho la existencia.
Podremos definir que etiquetas usar y cuales no, y también podremos mover los correos electrónicos entre ellas, indicando a la aplicación que quieres que un mensaje de un remitente en concreto aparezca en esa etiqueta para que los futuros mensajes que nos lleguen de ese remitente lo hagan allí. Las etiquetas tendrán que ser definidas desde nuestro navegador, pero en la aplicación tendremos acceso a ellas desde un menú que se desplaza desde la izquierda.

 

¿Cómo bloguear en iOS? Aquí tienes las mejores aplicaciones para hacerlo

Aunque en los tiempos que corren tener un blog es más extraño de lo que pueda parecer, aún somos unos cuantos los que mantenemos blogs día tras día, publicando artículos que puedan interesar a cualquier tipo de visitante, pero hoy quiero ir un poco más allá y recomendaros tres aplicaciones para bloguear en iOS de una manera eficiente y rápida.
Si tienes un blog en Wordpress.com o utilizas el gestor de contenido en tu espacio propio Poster puede ser una gran aplicación para ti. Compatible con todos los iPhone a partir del 3GS, esta aplicación sigue la filosofía de poder escribir sin grandes distracciones, concentrándonos en el texto que es realmente lo que importa cuando estamos escribiendo en un blog.
Poster es también compatible con iPad y permite la subida de todo tipo de contenido multimedia, ya sea imagen o vídeo de una forma sencilla y muy directa, ya que continua el estilo de interfaz de iOS con transiciones de menús laterales y botones grandes y claros. La aplicación cuesta $2.99, un precio bastante aceptable para una aplicación de esta calidad.










Que su nombre no os engañe, Blogpress es una de las aplicaciones para bloguear en iOS que soporta más plataformas. Desde Typepad, pasando por Blogger, Wordress e incluso Livejournal o Drupal. Con una interfaz muy clara (aunque un poco descuidada) podemos escribir en cualquier de esas plataformas de una manera fácil y sencilla. Añadir vídeo e imágenes se hace con un par de toques, ya que además es compatible con servicios de alojamiento como Picasa y Flickr.
La aplicación vale $2.99 pero si tenemos varios blogs en diferentes plataformas puede valer su precio. Además es compatible con todos los dispositivos iOS por lo que si tenemos un iPad de primera generación o un iPhone 3G podemos utilizar esta aplicación sin mayores problemas (siempre que tengamos la versión de iOS 4.3)
 



Si eres de los que escriben con su iPad Blogsy es tu aplicación. Es sin duda una de las mejores que te puedes echar a la cara para iPad. Y es que ese es quizás su única pega, que sólo está disponible para iPad. Aún así la aplicación vale la pena porque nos permite escribir de la forma que queramos, añadiendo contenido multimedia con un sólo gesto y formateando los textos directamente sin necesidad de realizar grandes peripecias.
Blogsy tiene una interfez muy cuidada y es perfecta para cualquier plataforma ya que es compatible con Facebook, Flickr, Picasa y un largo etcétera de sitios de los cuales sacar imágenes para poder acompañar nuestros artículos. La aplicación tiene una única pega, y es que es la más cara de los tres con un precio de $4.99. Aún así, es un precio que vale la pena si somos hard user del iPad y los blogs.
Como veis, lamentablemente las tres aplicaciones que os recomendamos son de pago. Y es que no hemos encontrado ninguna aplicación específica para bloguear gratuita. Aún así creemos que si se utiliza la aplicación diariamente puede valer la pena pagar el poco dinero que vale cada una de las aplicaciones. Ahora tenéis que escoger una que se adapte a vuestras necesidades.
 

¿Publicar las Fotografías en Redes Sociales? ¿Por qué sí? ¿Por qué no?

En la época en que, si no tienes presencia en Internet parece que no eres nadie, ¿en qué queda la fotografía? Somos muchos (por no decir casi todos) los que optamos por enseñar nuestros trabajos fotográficos en blogs, portfolios, galerías, páginas de facebook... Sin duda, Internet y las redes sociales nos han dado la oportunidad de llegar a un público inmenso y de que muchísima gente pueda llegar a ver y valorar nuestro trabajo.
Aún así, ¿es posible que el hecho de compartir las imágenes en Internet se haya convertido en simple rutina? ¿Es más importante llegar al máximo número de personas que cuidar y mimar nuestro trabajo fotográfico? 

¿Es Necesario Compartir las Fotos en las Redes Sociales?

 

¿Qué pasa si no las compartes? Personalmente creo que el hecho de enseñar nuestras imágenes debería ser la última parte del recorrido artístico que llevamos a cabo. Siempre ha habido artistas que se han preocupado más por el público que por su obra en sí. Pero, planteémoslo así: ¿qué pasa si nuestras fotos no las ve nadie? ¿nos hace eso "menos fotógrafos"?
Creo que no deberíamos hacer las fotografías pensando en si van a gustar o no, en si las va a saber apreciar mucha gente, en si tendrán más o menos viralidad. Deberíamos hacer las fotos por y para nosotros mismos. Pero la fotografía es un modo de expresión y, para que la expresión sea completa, debe haber un receptor que culmine el proceso comunicativo. Así que sí: el público que llegue a ver nuestras fotos es importante. Y es gracias a Internet y a las redes sociales que nuestro público/receptor no tiene límites.
Si volvemos a la pregunta inicial: ¿es necesario compartir las fotos en las redes sociales? Sí, en mi opinión es necesario compartir las fotos. Pero da igual que sea en las redes sociales, en exposiciones o, simplemente, tomando un café con quien las quiera ver. En función de al tipo de gente que queramos llegar, podremos escoger un medio u otro como el mejor. 

 ¿Valoramos Realmente las Fotografías que Vemos?

 

Actualmente, quién más, quién menos, nos pasamos la vida en Internet. Si somos amantes de la fotografía seguramente sigamos a múltiples artistas en distintas páginas y esto hace que, a lo largo del día, consumamos cantidades enormes de fotografías. ¿Sabemos realmente valorar las fotografías? ¿O ha llegado un momento en el que, simplemente, vemos una foto, decidimos si regalamos un like, un retweet o un comentario y pasamos a la siguiente? 

Hemos estado diciendo que uno de los principales beneficios de enseñar nuestro trabajo en Internet es el de poder llegar a un público amplísimo. Pero, ¿de qué nos sirve este público si éste no sabe valorar la fotografía? ¿Sabemos valorar nosotros las imágenes que vemos?
Quizás es físicamente imposible que miremos, observemos y leamos detenidamente todas las fotografías que nos llegan a lo largo del día pero quizás deberíamos hacer el esfuerzo de escoger algunas de ellas y analizarlas detenidamente. Haciendo eso estaríamos dando sentido al hecho de compartir las imágenes en las redes sociales pues, seguramente, no podríamos haber llegado a estas fotografías si no fuera por Internet. Además, aprenderemos más fotografía de este modo que regalando un simple "me gusta". 

¿Es Tener Muchos Seguidores lo que Más Interesa?

 

Depende del tipo de relación que quieras conseguir con tu fotografía. Si ves la fotografía como un arte mediante el cual quieres expresarte o enseñar cómo ves el mundo. Si lo que quieres es crear fotografías, entonces tener muchos seguidores no es lo que más te interesa. Esto no significa que tengas que evitar tenerlos, si la gente decide seguirte para estar al día de todos tus trabajos significa que eres bueno, que transmites con tus imágenes, que vale la pena estar pendiente de tu trabajo. Si eres este tipo de fotógrafo, no debes obsesionarte con el número de seguidores, fans, visitas que tengas en cualquiera de tus redes sociales: si tienen que llegar, llegarán.
Sin embargo, puede darse el caso de que la relación que quieras conseguir con la fotografía no sea la que acabo de retratar: si tu intención es generar beneficios económicos con tus fotos (ya sea por tener publicidad en tu blog, por realizar fotografía de stock o, simplemente, porque buscas realizar encargos como bodas o sesiones de retrato) y, por lo tanto, te interesa conseguir cuantos más clientes potenciales, mejor; puede que tener el máximo de seguidores posible sí sea lo que más te interesa.
Tu actividad en las redes sociales cambiará en función de cuál sea tu intención final, así que deberías tener claro qué tipo de relación quieres conseguir con aquellas personas que decidan seguirte para, así, poder llegar a tus objetivos más fácilmente. 

En Conclusión

 

Las nuevas tecnologías nos han dado innumerables herramientas con las que podemos potenciar nuestra creatividad y profundizar en nuestros conocimientos fotográficos. Las redes sociales e Internet en general nos puede acercar a un público que valore nuestras imágenes y que nos regalen críticas que nos pueden ayudar a ver aquello que hacemos de otro modo.
Este público puede, incluso, llegar a ayudarnos a convertirnos en fotógrafos profesionales y/o comerciales. Pero sea como sea, antes de dejarnos llevar por los seguidores, los "me gusta" y las opiniones ajenas, debemos tener claro qué queremos conseguir compartiendo nuestras imágenes en las redes sociales para, si se da el caso, ser conscientes de que no debemos dejar de lado nuestras fotografías sólo por el hecho de llegar a más y más gente.

Tu Fotografía de Paisaje Mucho Más Nítida Mediante el Bracketing de Enfoque

Si vienes leyendo dZoom desde hace unos años, seguro que recuerdas los múltiples artículos que hemos escrito al respecto de la fotografía de paisaje, ¿verdad? Hemos hablado de accesorios, de consejos a nivel compositivo, de la importancia del primer plano para tratar de dotar de mayor profundidad e interés a tus fotografías de paisajes. 
A nivel técnico, también ha habido un aspecto al que hemos tratado de prestar muchísima atención: la consecución de un resultado nítido. Sin embargo, para lograr esta tan preciada nitidez en nuestras fotografías sobre paisaje nunca hemos hablado de una técnica que podría venirnos de perlas: el bracketing de enfoque.


El bracketing u horquillado de enfoque es una técnica que consiste en realizar distintas tomas de una misma escena en las que se va modificando el punto de enfoque, es decir, en las que se va cambiando la sección nítida de la misma. 
¿No recuerdas muy bien el concepto de enfoque? Pues en este artículo va a ser fundamental conocer las formas de enfocar, en qué consiste ópticamente el enfoque, o la relación que existe entre el plano de enfoque y un término denominado profundidad de campo . 


Como todas las técnicas de bracketing, el primer objetivo de realizar distintas tomas de una misma escena variando un único parámetro, en este caso el plano de enfoque, es dar al fotógrafo la posibilidad de quedarse, posteriormente, con aquella que más le guste.
El segundo objetivo consiste en utilizar las distintas tomas realizadas para "fusionarlas" en una única fotografía, en la que puedan aparecer nítidos y correctamente enfocados todos los elementos que lo hacían, por separado, en cada una de las tomas. 

 

¿Quieres Probar? ¡Sigue Estos Pasos, Es Muy Sencillo!

 

1. Prepara tu equipo y no olvides tu objetivo, si es posible, macro, o bien las lentes de aproximación o tubos de extensión (en su defecto). Tampoco debes olvidar el trípode y un disparador remoto que evite transmitir las vibraciones que se producen al "apretar el gatillo" de tu cámara. 

2. Identifica la imagen que quieres captar, coloca tu cámara en el trípode, habilita el modo de enfoque manual y realiza distintas tomas de la escena variando el plano de enfoque, mediante el anillo de enfoque del objetivo de tu cámara. 
 Sí, lo sé, no se trata de una gran escena, ni a nivel compositivo, ni por los objetos incluidos, ni por... Pero es lo único que he visto en el parque en que he estado, que me podía ayudar a ilustrar este artículo.

En cualquier caso, lo que quiero que observes es que en cada una de las tomas la sección nítida o enfocada es distinta. En una es el tapón, en otra son algunas de las piedras, en otra son el resto de las piedras...

3. Una vez que has acabado con el trabajo de campo, regresa a casa, retoca algunos valores de las tomas como la temperatura o la exposición, si es necesario, e instala el programa CombineZM del que ya te hablé antes. Puedes descargarlo e instalarlo de forma gratuita desde aquí. He optado por este programa por ser gratuito, pero seguro que la forma de conseguirlo en otras aplicaciones no dista mucho de la forma de hacerlo con CombineZM.

4. Arranca el programa, haz clic en File > *New y selecciona todas aquellas tomas de una misma escena en las que has variado el plano de enfoque. En mi caso, he seleccionado 5 fotografías en las que las zonas de enfoque son suficientemente variadas. El número mínimo de fotografías recomendable es 3, mientras que el máximo no debería exceder las 5 ó 6 fotografías, de lo contrario el programa puede no funcionar correctamente.

 

Tras indicar las tomas que deseas fusionar y darle a Abrir, verás dos ventanas, una de progreso (la de la derecha de la imagen en la que se muestran los pasos que va siguiendo la aplicación) y otra, la principal, en la que verás una de las tomas seleccionadas.

5. Tras haber abierto las fotos, lo siguiente es llevar a cabo la fusión. Para ello, sólo tienes que hacer clic, dentro de la ventana principal, en Macro > Do Stack. Hecho esto, podrás seguir en la ventana de progreso cómo va trabajando la aplicación con tus fotos y, cuando el proceso haya terminado, podrás observar el resultado en la ventana principal.

6. La aplicación tiene multitud de opciones para variar la forma en que hace la fusión, pero entiendo que no es el momento de entrar en detalle. Por tanto, si estás contento con el resultado que has obtenido, guarda la imagen haciendo clic en File > Save Frame/Picture As.

Si, por el contrario, el resultado no es de tu agrado, prueba a incluir más o menos tomas. En ocasiones, si al programa se le da mucha o poca información, puede no funcionar bien.

Por último, me gustaría indicarte, con respecto al resultado que te ofrece CombineZM, que la aplicación suele tener problemas al tratar los bordes de la imagen.

Puede mostrarlos excesivamente borrosos, o incluso duplicar alguno de los elementos cercanos a los bordes, como ves con algunas de las piedras del borde derecho en la imagen superior.

Por ello,  puede resultar apropiado recortarlos un poco con una aplicación de retoque.

Como puedes ver en esta última imagen, sobre todo si la comparas con las cuatro tomas iniciales, gracias a la técnica del bracketing de enfoque y la fusión en CombineZM, hemos logrado una amplia profundidad de campo.

Y el proceso no es nada complicado. Quizás un poco laborioso, pero nada difícil. Entonces, ¿a qué esperas para dominar esta técnica y extender la profundidad de campo de tus tomas hasta el infinito?

Olympus, Abandonar el Sector de las Compactas Baratas

Lo que comentamos a continuación era algo inevitable con respecto al futuro de la cámara compacta como concepto de producto económico y destinado a las masas (exceptuando los modelos más avanzados). Las cámaras de los celulares más conocidos como smartphones definitivamente han marcado un gran precedente y un nuevo rumbo de la fotografía de aficionado y llegaron para quedarse, esto se puede ver en una caída en las ventas de cámaras compactas de valores reducidos. Olympus, en plena reestructuración tras su ya confirmada crisis, se atreve a dar el primer paso al abandonar el sector de las compactas baratas. Se presume que con este movimiento la empresa japonesa se enfocará más en los modelos que están teniendo más acogida por los usuarios como son las cámaras sin espejo ó mirrorles. Los problemas no parecen ser solo menú del día de Olympus. Canon, que es tal vez la más grande fabricante de cámaras actualmente también empieza a reportar caídas significativas en el mismo sector. 
 Es posible que estemos presenciando el fin de una era.

CICLORAMA CASERO

Como sabéis un ciclorama es un fondo continuo, de forma que además de cubrir el fondo del modelo se extiende por debajo de forma que se convierte tambien en el “suelo”, con lo que se consigue un efecto progresivo entre el sujeto y el fondo.
Usando como extensión unos paneles de plástico. Estos paneles se venden en Resopal y son muy baratos (creo recordar que cuestan 3 euros o asi cada uno). Yo tengo dos blancos (uno mate y otro “reflectante”), uno negro y otro translucido. Se guardan detrás de cualquier mueble, no pesan apenas, no se arrugan y se limpian con una bayeta, una gozada.
Primero vamos a lo facil: ciclorama para bodegones y macro. Esto no puede ser más facil, basta con colocar una mesa junto a nuestro fondo de ikea y dejar que este se deslice sobre la mesa. Podeis ver un ejemplo del esquema de la foto de la cámara que hice en el Estudio Casero 2, solo que como soy tan tremendamente vago, por no cambiar el fondo que tenia colgado (negro) por el que necesitaba (blanco) hice lo mismo pero usando una de las laminas de plastico de las que os hablaba.
Lograr un ciclorama para personas es casi igual de fácil. Dado que nuestros fondos solo llegan hasta el suelo usamos las láminas de plástico para extenderlo.


 

 



No hace falta pegarlos, basta con poner la lamina más cercana a la cámara montada sobre la siguiente y esa montada sobre el fondo. De esa manera después de iluminar el fondo no se verá las lineas de separación y nos ahorraremos tener que estar clonando en postprocesado. Si que he puesto un poco de cinta de carrocero pegando los lados de las laminas al suelo para que cuando pise el modelo no nos desmonte el chiringuito.
He de decir que todo el sistema para hacer este tipo de fotos lo hago siguiendo el maravilloso y detallado tutorial (o mejor, tutoriales, porque son varias entregas) de fotografía con fondo blanco de hizo Zack Arias. Si aun no lo conocéis ya estáis tardando… ¡dejad de leer esta mierda y poneros con algo realmente interesante! Yo voy a seguir sus pasos, pero no voy a contar apenas detalles y ajustes de iluminación que ya se explican en el tutorial de ZA.
En la foto de arriba estoy iluminando el fondo con un par de flashes a los lados (fuera del encuadre) que llevan a blanco puro (quemado) parte del fondo. Trabajando en estudio casero no hace falta que todo esté blanco, ya para eso nos harían falta flashes más potentes, y además generarían tan cantidad de dispersión de luz que sería muy difícil de controlar en una habitación tan pequeña. Basta con quemar la parte del fondo con la que va a estar en contacto el perfil del modelo así como la parte del suelo donde se une el fondo con el suelo. Esto hace que no se vea la unión.

Leica promete una Mini M para el próximo 11 de junio

"Un nuevo miembro en la familia Leica M." Ésa es, por ahora, la única pista que ha dado la firma alemana al hablar del modelo que verá la luz el próximo 11 de junio. Una cámara que, a la vista del enigmático anuncio colocado en su web, estará a medio camino entre la Leica M y la X2. 

Sin más detalles por ahora sobre este lanzamiento, la denominación Mini M usada por Leica para designar este futuro modelo tampoco aporta demasiado, teniendo en cuenta que la X2 -una compacta de óptica fija- aparece con la denominación Micro M y la D-Lux 6 está identificada como Nano M. 
Aunque este juego de nombres hace dudar acerca de la posible llegada de un modelo de óptica intercambiable con montura M, también es cierto que desde hace tiempo en los planes de Leica figura un nuevo sistema más compacto y similar a los modelos sin espejo -en realidad las M tampoco usan espejo-, cada vez más habituales en el escaparate.
En cualquier caso, sí parece quedar claro que se trataría de una nueva gama de productos y no simplemente de una versión más económica de la vigente Leica M. Un papel que ya desempeña la M-E que vio la luz el pasado otoño.